Joyce Wieland OC RCA (30 de junio de 1930 - 27 de junio de 1998) fue una cineasta experimental y artista de medios mixtos canadiense. [1] Wieland encontró el éxito como pintora cuando comenzó su carrera en Toronto en la década de 1950. En 1962, Wieland se mudó a la ciudad de Nueva York y amplió su carrera como artista al incluir nuevos materiales y trabajos en medios mixtos. Durante ese tiempo, también saltó a la fama como cineasta experimental y pronto, instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York mostraban sus películas. [2] En 1971, la exposición True Patriot Love de Wieland fue la primera exposición individual de una artista canadiense viva en la Galería Nacional de Canadá . [2] En 1982, Wieland recibió el honor de Oficial de la Orden de Canadá [3] y en 1987, recibió el Premio de Artes Visuales de la Fundación de Artes de Toronto. También fue miembro de la Real Academia Canadiense de las Artes . [4]
Wieland nació el 30 de junio de 1930 en Toronto, Ontario, Canadá, de padres inmigrantes británicos. Era hija de Sydney Arthur Wieland y Rosetta Amelia Watson. [5] El padre de Wieland murió de una enfermedad cardíaca en 1937, y su madre lo siguió poco después, dejando a tres hijos en circunstancias económicamente difíciles. [6] La aptitud de Joyce Wieland para el arte se expresó por primera vez durante su juventud, cuando hizo muchos dibujos y cómics .
Cuando era adolescente, asistió a la Central Technical School , donde estudió arte comercial y diseño gráfico . Wieland primero se inscribió en diseño de indumentaria y esperaba que la ayudara a conseguir un trabajo, ya que pensaba que el arte no sería económicamente gratificante. [7] Sin embargo, en Central Tech, conoció a Doris McCarthy, que enseñaba en la escuela. La identidad artística de McCarthy inspiró a Wieland a seguir la suya propia. [2] Vio potencial en Wieland y la convenció de que se transfiriera al departamento de arte. [8]
Después de graduarse en 1948, Wieland ocupó varios puestos como diseñadora gráfica. Su primer trabajo fue en ES & A. Robinson en el área de diseño de empaques [9] , seguido de un trabajo como diseñadora en Planned Sales. Mientras trabajaba para estas agencias, Wieland interactuó con muchos artistas y exalumnos de Central Tech y el Ontario College of Art . Durante este tiempo, también siguió concentrándose en su arte, pero aún no se sentía segura de mostrar su trabajo. [10]
A principios de la década de 1950, el interés de Wieland por las películas de arte creció y comenzó a asistir a las proyecciones de la Sociedad de Cine de Toronto, donde conoció las obras de cineastas como Maya Deren , quien más tarde influyó en sus propias películas. [11] En 1953, Wieland se unió a Graphic Associates, un estudio de animación donde aprendió técnicas que luego aplicaría en sus propias películas. [12]
En 1960 realizó su primera exposición individual en la Isaacs Gallery de Toronto, convirtiéndose en la única mujer representada por la prestigiosa galería y ganándose un mayor reconocimiento por su obra. [13] Se mudó a Nueva York en 1962 y a lo largo de la década produjo la mayoría de sus películas experimentales. Una de estas películas es Rat Life and Diet in North America (1968), que presenta a los animales como sus personajes principales. La película es una metáfora de la revolución y la huida, donde los gatos son los opresores y los jerbos son los oprimidos. Los jerbos representan a los presos políticos en los Estados Unidos que se abren camino hacia la libertad en Canadá. [14] Rat Life and Diet in North America es un ejemplo de cómo la preocupación de Wieland por los temas políticos, el nacionalismo, los símbolos y los mitos se representó estéticamente a través de sus obras. [15]
La autoidentificación de Wieland como feminista en una era de segunda ola de feminismo también se manifestó a través de medios estéticos y jugó un papel importante en su carrera como artista. [16] Sin embargo, la popularidad de su práctica de artes visuales permaneció confinada dentro de Canadá. [2]
Wieland regresó a Toronto en 1971. Dijo que ya no podía hacer arte en Estados Unidos debido a su orientación ideológica. [2] Su película de 1976, The Far Shore , había tenido "evaluaciones devastadoras y pésimos ingresos de taquilla". [17] Después de esto, su siguiente proyecto, una dramatización de la icónica novela de Margaret Laurence de 1974, The Diviners , no despegó. [17] En 1987, una retrospectiva de su trabajo en la Galería de Arte de Ontario presentó una visión crítica tanto de su práctica de arte visual como de sus películas experimentales. [2]
Joyce Wieland fue una figura central en el arte canadiense durante las décadas de 1960 y 1970. Aunque comenzó su carrera como pintora, su trabajo llegó a explorar una amplia gama de materiales y medios, incluido el cine. La década de 1960 fue una época productiva para Wieland, ya que respondió a las tendencias artísticas contemporáneas del arte pop y el arte conceptual . Joanne Sloane sostiene en Joyce Wieland: Life & Work que sus encuentros con estas influencias "siempre fueron originales e idiosincrásicos". [18] Sloane identifica los diversos cuerpos consistentes de la obra de Wieland que surgieron a lo largo de la década de 1960 como: "pinturas cuasi abstractas que revelan mensajes, signos o dibujos eróticos; collages y ensamblajes escultóricos; pinturas fílmicas; pinturas de desastres; ensamblajes de películas plásticas; colchas y otros objetos basados en tela; y obras basadas en el lenguaje". [18] Su arte a menudo estaba impregnado de humor, aunque abordaba cuestiones de guerra, género, ecología y nacionalismo. [18]
A nivel internacional, Wieland es más conocida como cineasta feminista experimental. [19] Sus obras introdujeron la manipulación física de la tira de película que inscribió una tradición artesanal explícitamente femenina en sus películas, al tiempo que jugaba con la facticidad de las imágenes fotografiadas. La producción de Wieland fue pequeña, pero recibió una atención considerable en comparación con otras cineastas de vanguardia femeninas de su tiempo. En la década de 1980, Wieland se centró nuevamente en la pintura, aunque su representación del entorno natural se volvió menos identificable como canadiense [18] y sus temas simplemente eran los de la naturaleza, el amor y la vida . [20]
En 1956, Wieland se casó con el cineasta Michael Snow , a quien había conocido a través de su trabajo en el estudio de animación. Permanecieron casados durante más de veinte años hasta su divorcio en 1976. En 1962, Wieland y Snow se mudaron a Nueva York, donde vivieron hasta 1971. [21]
Después de regresar a Toronto en 1971, Wieland mantuvo un estudio allí hasta su muerte el 27 de junio de 1998, a causa de la enfermedad de Alzheimer , a los 67 años. [22]
Era la tía del cineasta y videoartista Su Rynard . [23]
En 2014, la residencia del artista Mark Clintberg en Fogo Island se centró en una respuesta acolchada a la obra de Wieland Reason Over Passion. [26] La obra original, realizada tanto en inglés como en francés, se inspiró en el lema del entonces primer ministro Pierre Elliot Trudeau . La colcha fue infamemente destrozada por su esposa, Margaret Trudeau , en un ataque de ira por su lógica fría durante una discusión. [27] En su autobiografía Beyond Reason (1979), Trudeau narra ese encuentro:
Un día hice lo que a los ojos de Pierre era imperdonable. Estábamos discutiendo acaloradamente sobre ropa y, de repente, me enfadé muchísimo. Subí corriendo las escaleras hasta el rellano donde colgaba una colcha canadiense, diseñada por Joyce Weyland y bordada con cariño en un loft de Nueva York con el lema de Pierre, «La razón antes de la pasión» (la versión bilingüe estaba en la National Gallery). Temblando de rabia por mi incapacidad para rebatir sus argumentos lógicos y razonados, agarré la colcha, arranqué las letras y se las arrojé por las escaleras una a una, en un deseo insano de invertir el proceso, de anteponer la pasión a la razón sólo por esta vez. Pierre estaba helado. Vandalizar una obra de arte; ¿hasta dónde podía llegar? (Hildegard volvió a coserlas todas, invisiblemente y sin comentarios, a la mañana siguiente). Todo aquello me parecía fuera de lo razonable.
La respuesta de Clintberg, cosida en colaboración con el Gremio de Artesanos del Viento y las Olas, da un vuelco total al trabajo de Wieland, tanto formal como literalmente, ya que cada pieza de la colcha está cosida con el lado "incorrecto" hacia arriba, dejando al descubierto su parte inferior de colores suaves. Además, en sentido figurado, su reinterpretación renovó la necesidad de pasión en lugar de razón que Margaret defendía en su rabia. A diferencia de las colchas de Wieland, que colgaban de la pared, las colchas de Clintberg se colocan en una cama al azar cada noche en el Fogo Island Inn. [28]
El año 2025 marca el inicio de una celebración de un año de su obra con una importante exposición itinerante titulada Joyce Wieland: Heart-On, organizada por la Galería de Arte de Ontario y el Museo de Bellas Artes de Montreal . [30]