José Leonilson Bezerra Dias (n. 1957 Fortaleza, Ceará - m. 1993 São Paulo, São Paulo ), fue un artista brasileño que trabajó tanto en 2D como pintor y dibujante como en 3D como trabajador textil y escultor. [1] Vivió la mayor parte de su vida en Brasil , donde creó obras de arte conceptuales centradas en expresiones de amor y dolor específicamente desde una lente queer . [2] A Leonilson le diagnosticaron VIH (SIDA) a la edad de 34 años y murió unos años después por complicaciones.
En 1961, Leonilson se mudó con su familia a São Paulo, Brasil, donde luego comenzó a estudiar educación artística en la Fundação Armando Álvares Penteado en 1977. [1] Mientras estuvo allí, Leonilson estudió con múltiples artistas e instructores que fueron fundamentales para su introducción a las formas contemporáneas. de obras de arte . Julio Plaza (1938-2003) fue un artista y académico que se centró en trabajar con nuevos medios y la teoría conceptual detrás de conectarlos con las formas tradicionales. [3] Además, Leonilson estudió con Nelson Leirner (1932-2020), quien lo influyó mediante el uso de obras de arte alegóricas (y a veces también eróticas) centradas en críticas políticas y sociales. [4] Más tarde, Leonilson estudió con Dudi Maia Rosa (1946-) en la Escuela de Arte Aster donde, nuevamente, el uso de materiales más allá de la pintura y la escultura se enfatizó en su importancia para expresar temas universales a través de un modo alternativo. [5]
Leonilson viajó brevemente por Europa y, a principios de la década de 1980, interactuó con la escena Transvanguardia , el neoexpresionismo específico de Italia , que tenía un enfoque para sus obras de arte completamente diferente al movimiento de arte conceptual de ese momento en Brasil. [1]
Al regresar a Brasil en 1982, continuó creando obras de arte predominantemente autobiográficas de su vida adulta y sus experiencias como hombre queer. Muchos críticos de arte de la época, como Lisette Lagnado, habían reconocido que sus obras de arte eran tan “crudas” y “reveladoras” que casi parecían “cartas íntimas de su diario”. [6] El impacto de su obra de arte se sintió profundamente dentro de ciertas comunidades marginadas, ya que representaba y afirmaba identidades queer, contraculturales a los poderes autoritarios de la época, como la dictadura militar de Brasil y la Iglesia católica . [7]
Más adelante en su carrera, Leonilson comenzó a incluir el uso de telas y costura. [1] Esto le resultaba familiar porque sus padres trabajaban como comerciantes de telas. [8] Este cambio hacia los textiles y las formas 3D se inspiró originalmente en artistas que utilizaban telas para transmitir mensajes sociales como el de Hélio Oiticica en su obra de arte Parangolé . [8] Junto con esto, la carrera artística de Leonilson se vio fuertemente afectada por su diagnóstico de VIH (SIDA) en 1991. [1] En los años siguientes, Leonilson experimentó complicaciones físicas que afectaron su capacidad para continuar pintando; Luego giró por completo y pasó a utilizar únicamente textiles y bordados . [1] Independientemente del diagnóstico, continuó produciendo obras de arte, pero se volvieron más escasas y cada vez más alegóricas de su enfermedad. [6] Una famosa instalación de 1993 concebida para la Capela do Morumbi en São Paulo enfatizó temas universales de la vida y la muerte: la naturaleza frágil y efímera de la vida junto con la bienvenida al deterioro corporal y la muerte. [1] Sus obras de arte creadas durante estos últimos años hablaban claramente de los problemas que enfrentó como hombre queer que vivía con VIH mientras su arte se convertía en una práctica para superar su propio dolor. [6] Como señala Lagnado: “más allá de las evidencias de su dolencia, las marcas de su resistencia frente a la angustia de la muerte”. [6] Esta agitación y dolor cobraron vida a través de las obras de arte finales de Leonilson y en las grabaciones de su diario de audio personal. [9]
Leonilson murió por complicaciones del VIH el 28 de marzo de 1993 en São Paulo. Fue premiado póstumamente en 1994 por la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo por sus obras de arte y contribuciones. Gran parte de su obra de arte es reconocida por su importancia histórica al registrar y representar visualmente a personas afectadas por la epidemia de SIDA en museos y colecciones en los años posteriores a su muerte. [1]
1991, acrílico, hilo de bordar y tachuelas de plástico sobre voile, 16 1/8 x 12 3/16" (41 x 31 cm), Museo de Arte Moderno, Nueva York
Los 34 años de Leonilson con cicatrices se produjeron poco después de su diagnóstico de VIH y es una de sus obras de arte muy conocida que representa esto de manera más externa. La pieza en sí sirve como un autorretrato donde Leonilson expone valientemente su cuerpo interior para visualizar su enfermedad a los participantes. [6] [10] La tela blanca meramente vacía, ahora un sustituto de su cuerpo, manifiesta desfiguraciones personales a través de cicatrices negras cosidas y una clara indicación de su edad. [8] [11] Estos dos componentes cosidos a mano encima de su "cuerpo" aluden al título de la pieza y alegorizan su enfermedad y condición al representar imágenes biológicas y viscerales. [6]
34 with Scars ilustra las luchas físicas de los hombres queer que viven con VIH/SIDA y alude a la experiencia vivida de percepciones negativas y discriminación. [10] Leonilson ofrece un autorretrato íntimo que es tan crudo y simplista en su mensaje sobre el sufrimiento terminal de una enfermedad que incluso las personas sin esta condición podrían entender esta pieza como un memento mori . [6] Como retrato sincero del cuerpo enfermo, 34 with Scars humaniza y desestigmatiza a los hombres queer que viven con el VIH a través de las descripciones autobiográficas y vulnerables de Leonilson de conceptos universales como la muerte y el sufrimiento. [6]
1993, tejidos mixtos, 222 x 83 cm, Tate Modern, Londres
O Penélope es una serie de 10 paneles de diferentes telas diáfanas unidas para formar una pancarta drapeada. El color de cada panel es bastante similar con ligeras variaciones de blanquecinos y azules pálidos. A lo largo del borde hay puntadas de hilo de bordar grandes, imperfectas y cosidas a mano. Además, un motivo común en las obras de Leonilson era la silla vacía cosida en los márgenes. [12]
A través de esta obra de arte, Leonilson se conectó, sintetizó y posteriormente subvirtió narrativas históricas y modos de creación artística. Comenzando con la mitología de esta pieza, O Penélope está en conversación directa con la historia de Penélope que espera que su marido Odiseo regrese a casa después de la Guerra de Troya (como se cuenta en La Odisea de Homero ). Dado que Odiseo no regresó inmediatamente después de la guerra, los pretendientes presionaron a Penélope para que se volviera a casar. Ella les dice a los hombres que no puede hacerlo hasta que termine de tejer un sudario para presentárselo a su suegro, como era costumbre para rendir homenaje a Odiseo, quien se daba por muerto. Trabajó en el proyecto durante muchos días. Sin embargo, para evitar terminarlo, en secreto deshizo el trabajo de ese día por la noche para esperar el regreso de Odiseo tanto como pudiera. [12]
Al crear su propio sudario, Leonilson se inserta directamente en esta conocida historia del "esposo fiel que espera el regreso de su amante". El "sábano" de Leonilson es análogo al de Penélope, pero también tiene un propósito diferente ya que su historia difiere de la de ella. Muere poco después de terminar esta pieza y su pretendiente desconocido nunca regresa de su viaje. [12] El sudario de Leonilson no solo abordó su anhelo de amor que nunca se cumplió, sino que el trabajo también fue introspectivo y reconoció su propia muerte inminente debido al VIH. [6] De hecho, O Penélope era en sí misma una obra de arte paradójica, ya que Leonilson, que se deterioraba rápidamente, se comprometió deliberadamente con el medio del bordado, que requería mucho tiempo. [7] Leonilson había comentado cómo el proceso de costura era terapéutico y espiritual, casi como si fuera lo único que lo mantenía unido en sus últimos años, y esta obra de arte parece resumir esto, ya que usó la costura para hacer frente a su situación actual. condición así como para anticipar su sombrío futuro. [8]
Además, Leonilson entró en diálogo con los movimientos feministas actuales cuando adoptó la práctica tradicionalmente femenina del bordado como su principal modo de creación artística. [7] Este empuje y subversión de los límites de género se puede observar aún más en el título de la obra de arte que está cosida en la tela. Al observar el título original portugués, O Penélope , Leonilson ha combinado deliberadamente el artículo masculino "O" con el sustantivo/nombre femenino "Penélope". Esta deconstrucción intencional y reutilización del lenguaje de género fue un motivo común en sus obras de arte; ambos funcionaban para eliminar el género de la forma artística de la costura y también para eliminar las restricciones de género en esta narrativa tradicionalmente femenina de anhelo y anhelo. [7] [8] [12]
- La mujer japonesa , 1988, acrílico sobre lienzo, 41 5/16 x 61" (105 x 155 cm) [13]
- El deseo es un lago azul , 1989, acuarela y tinta sobre papel, 12 1/2 x 9 3/8" (31,9 x 24 cm) [13]
- Hombres con sus propias atenciones , 1989, acuarela y tinta sobre papel, 12 1/2 x 9 3/8" (32 x 24 cm) [13]
- Para acercar tu alma a mí , 1989, acuarela y tinta sobre papel, 12 1/2 x 9 3/8" (31,9 x 23,9 cm) [13]
- Puesta de sol, Terremoto, Soledad , 1990, tinta y color metálico sobre papel, 11 7/8 x 8 7/8" (30,4 x 22,7 cm) [13]
- 34 con cicatrices , 1991, acrílico, hilo de bordar y tachuelas de plástico sobre voile, 16 1/8 x 12 3/16" (41 x 31 cm) [13]
- Soy tu hombre , 1992, acuarela y tinta sobre papel, 9 x 12" (22,8 x 30,5 cm) [13]
- 1996 – “Proyectos 53: Oliver Herring/Leonilson” – (18 de enero – 12 de marzo) [13]
- 2004 – “MoMA en El Museo: Arte Latinoamericano y Caribeño de la Colección del Museo de Arte Moderno” – (4 de marzo – 25 de julio) [14]
- 2006 – “Transformando Cronologías: Un Atlas del Dibujo, Segunda Parte” – (10 de mayo – 2 de octubre) [15]
- 2008 – “Nuevas Perspectivas en el Arte Latinoamericano” – (21 de noviembre – 25 de febrero) [16]
- 2008 – 2009 – “Aquí Está Todo. Cuatro Décadas de Arte Contemporáneo” – (10 de septiembre – 23 de marzo) [17]
- 2010 – 2011 – “Arte Contemporáneo de la Colección” – (30 junio – 19 septiembre) [18]
- 2011 – “Todavía estoy vivo: política y vida cotidiana en el dibujo contemporáneo” – (23 de marzo – 19 de septiembre) [19]
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