Ha Chong Hyun ( coreano : 하종현 ; nacido en 1935) o Ha Chong-hyun es un artista surcoreano. Hoy en día, a través de su serie Conjunction (1974-presente), Ha es mejor conocido como un destacado practicante de la tendencia de arte monocromático coreano conocida como Dansaekhwa . [1] : 7 [2] : 13 Sin embargo, el arco de la práctica de Ha desde la década de 1960 hasta el presente se caracteriza más fundamentalmente por sus amplias exploraciones de la materialidad y las formas de desafiar las convenciones de la creación artística.
En sus primeros experimentos artísticos, realizados durante las dos décadas posteriores al fin de la Guerra de Corea , Ha se movió entre la pintura abstracta y las instalaciones , demostrando al mismo tiempo su compromiso con una amplia gama de materiales y buscando la hibridez en todas las categorías artísticas, al tiempo que reflexionaba sobre la transformación urbana contemporánea de Corea del Sur. Mientras que sus experimentos con lo que se caracteriza convencionalmente como abstracción gestual y geométrica sirvieron como base preparatoria para su compromiso con la materialidad, su participación en el grupo artístico AG (fundado en 1969) lo llevó a explorar más a fondo la materialidad a través de medios no pictóricos, que abarcaban la escultura y las instalaciones. En 1974, comenzó a centrarse únicamente en la pintura cuando comenzó su serie Conjunction .
La obra de Ha ha sido objeto de frecuentes estudios críticos e histórico-artísticos. Sus obras se han contextualizado a menudo en exposiciones y escritos sobre la dansaekhwa, pero su experimentalismo temprano forma parte vital del arte de los años 1960 y 1970 en Corea.
Ha Chong Hyun nació en Sancheong , Keishōnan-dō ( provincia de Gyeongsang del Sur ), Corea, Imperio del Japón en 1935, y pasó parte de su infancia en Japón en Moji (ahora parte de Kitakyushu, prefectura de Fukuoka). [3] : 7 Después de la independencia de Corea en 1945, Ha regresó a Corea. [4] : 8
En 1959, recibió su licenciatura en el Departamento de Pintura de la Universidad Hongik . Entre sus profesores en la Universidad Hongik se encontraban Kim Whanki y Yoo Yongkuk . [4] : 8 Ha se desempeñó como profesor en su alma mater durante más de 30 años y fue decano de la Facultad de Bellas Artes de 1990 a 1994. Ha recibió un doctorado honorario de la misma institución en 2000.
A lo largo de su carrera artística, Ha ha sido representante y líder de la escena artística de Corea. Sus primeras obras de arte se presentaron en la Bienal de la Juventud de París en 1967, la Bienal de París en 1965 y 1971, la Bienal de São Paulo en 1967 y 1977, y la Trienal de la India en 1975. En 1969, Ha se convirtió en miembro fundador y presidente de la Asociación de Vanguardia de Corea (AG, activa entre 1969 y 1975). Como miembro de la AG, participó en las cuatro exposiciones de la AG con obras de arte como instalaciones y alambre de púas sobre panel. También participó en la Bienal de Seúl (organizada por la AG en 1974) y colaboró con la revista AG . Se desempeñó como presidente de la Asociación de Arte de Corea (1986-1989), comisionado de la 43ª Bienal de Venecia (1988) y director del Museo de Arte de Seúl (2001-2006).
Ha actualmente vive y trabaja en Seúl.
Las pinturas de Ha después de su graduación de la universidad inicialmente persiguieron la abstracción gestual , combinando pintura al óleo de tonos sombríos y capas gruesas con elementos de collage sobre lienzo. Las obras que datan entre 1962 y 1965 indican las pinceladas amplias de Ha, así como su manipulación de la pintura húmeda para inscribir gestos o incisiones sobre ella, o abrazar su calidad líquida mientras goteaba por el lienzo. Para las obras realizadas en 1962 y 1963, el acto final de Ha fue quemar la superficie de la pintura con llamas. [1] : 9 Dos obras de 1965 demuestran la elección de Ha de lacerar el lienzo, perturbando sus fibras cubiertas de pintura y exponiendo sus hilos individuales. Ha participó en la Bienal de París de 1965 con una de esas obras. [1] : 27
La serie Naissance de Ha , realizada a partir de 1967, avanzó con una técnica lacerante para unir áreas tejidas de lienzo con forma de estera y pinturas de tonos obangsaek en el contexto de composiciones geométricas . En el mismo año, Ha adoptó geometrías y paletas de colores similares para su serie White Paper on Urban Planning (1967–c. 1969) , pinturas al óleo sobre lienzo, una de las primeras de las cuales posee una mitad inferior que se dobló en pliegues similares a un acordeón. Cabe destacar que en la serie White Paper on Urban Planning , los historiadores del arte Kyung An y Yeon Shim Chung han encontrado múltiples capas de alusiones a la rápida transformación de Seúl de finales de los años 1960, desde los patrones dancheong de la antigua arquitectura coreana (que entonces se reconocía y conservaba como patrimonio nacional) hasta los debates sobre la urbanización que se desarrollaban en las páginas de la revista Space . [1] : 22, 30 [2] : 17
Los académicos y críticos han interpretado de diversas maneras el arco de estas primeras pinturas. Muchos se hacen eco del crítico Lee Yil, uno de los primeros defensores de la obra de Ha, [4] : 12 al dividir la obra de Ha a mediados de los años sesenta con los términos pintura informal y luego abstracción geométrica (que Lee relacionó con el constructivismo y para la cual varios otros han recurrido al término arte óptico ). [4] : 9 [1] : 9 [2] : 13 [5] : 26 [6] : 17 Mientras que algunos historiadores del arte sostienen que Ha intentó extender su pintura más allá de la bidimensionalidad, hacia los espacios de la escultura e incluso la arquitectura, [3] : 125 [2] : 22 el historiador del arte Kim Mikyung llegó tan lejos como para pedir una interpretación de la obra temprana de Ha que mire más allá de los términos y categorías del modernismo euroamericano: "Con respecto a su transición en el espacio de un año a partir de 1965, los críticos formados en tradiciones occidentales podrían considerarlo como un giro brusco de las tendencias informalistas hacia la forma y distribución geométricas o el arte óptico..." [7] : 50 En cambio, Kim encuentra que la obra de Ha antes y después de 1965 tiene continuidad—en sus palabras, "revela como lo hace característicamente, el material, acentúa las propiedades de la materia". [7] : 50 De hecho, en un ensayo para la primera exposición individual de Ha en Seúl en 1974, Lee Yil finalmente encontró que "una conciencia de la receptividad material", a partir de la cual "el material adquiere vida propia", caracteriza fundamentalmente el trabajo temprano de Ha. [5] : 26
Además de ser presidente del grupo AG y de colaborar con la revista AG, Ha Chong Hyun fue uno de los pocos artistas que participó en las cinco exposiciones que organizó AG. [1] : 28 Para las obras que presentó en las exposiciones AG, Ha abandonó el pincel para experimentar con la yuxtaposición de otros materiales y objetos de maneras que, como las ha descrito el curador Yoon Jin Sup, enfatizaban el contraste. [8] : 14 En la segunda exposición AG en 1971, Ha presentó Counter-Phase (1971), [7] : 52 que yuxtaponía dos pilas de periódicos, una con noticias impresas y la otra en blanco. Al año siguiente, Ha se dedicó a hacer obras de resortes de alambre sobre panel. La obra de Ha , Work 72(B) (1972) , que se exhibió en la tercera exposición AG, [3] : 26, consiste en resortes que se extienden horizontalmente desde los lados izquierdo y derecho del plano pictórico, luego se encuentran en el medio y se derraman hacia adelante en una masa similar a una melena. Durante esta época, Ha también comenzó a trabajar con alambre de púas, envolviéndolo alrededor de lienzos estirados o desmantelándolo en púas individuales con las que perforaba el lienzo repetidamente.
Los académicos, curadores y críticos han abordado de manera sistemática la complejidad de la relación de las obras de arte mencionadas anteriormente con la atmósfera política y la creciente vigilancia de la libertad de expresión durante el régimen de Park Chung Hee . Mientras que algunos han considerado que estas obras hacen declaraciones políticas explícitas, [1] : 10, 30 [6] : 8 [9] : 19, 21 otros han especificado que las conexiones con su contexto político contemporáneo residen en un nivel más latente. En particular, los historiadores del arte Kim Mikyung y Joan Kee han propuesto que, respectivamente, la atmósfera represiva y la ubicuidad de la presencia militar durante estos años permearon inevitablemente estas obras. [3] : 22 [7] : 53
Al mismo tiempo, a principios de los años 1970, Ha realizó varias obras con permutaciones de "Relation" en su título . En 1971, realizó una obra Relation en la Universidad Hongik amontonando arena en grandes pilas con forma de pirámide en la base de las columnas del edificio de la universidad. [2] : 15 En 1972, en la Galería Gin de Tokio, Ha exhibió Relation 72-11 (1972) , que consistía en un pedestal de madera precariamente posado sobre una cuerda y, en otra parte de la misma galería, un segundo pedestal de madera en posición vertical sobre el suelo con un lazo de cuerda rodeándolo. [2] : 28 Para una tercera obra, creada para unir obras de los artistas Lee Ufan y Kim Kulim para formar colectivamente el grupo "Terme relationshipnel" dentro de la séptima Bienal de París, Ha vertió cemento húmedo en los sacos que la empaquetaban originalmente, donde se secó. [2] : 26 En particular, debido a que se mostró junto con las obras de arte de Lee Ufan y se contextualizó con un ensayo de catálogo escrito por Lee Ufan, la obra "Terme relationshipnel" de Ha se puso en diálogo con la definición fenomenológica del arte de Lee Ufan que informó las prácticas artísticas de Mono-ha . [2] : 27 No obstante, Joan Kee sostiene que la obra de Ha Chong Hyun no encaja completamente en las definiciones de Mono-ha; subraya que las obras de Ha durante estos años apuntaban a perturbar "las líneas que separan la pintura de la escultura" en una medida mucho mayor que la de los artistas japoneses de Mono-ha. [3] : 22
La obra que Ha considera la primera de su serie Conjunción fue Obra 74-A (1974), [3] : 127 para la cual Ha colocó listones de madera envueltos en papel marrón sobre una capa de pintura al óleo blanca, y luego colocó los materiales en posición vertical para que la pintura espesa se filtrara hacia abajo, entre los listones.
Las pinturas Conjunción de Ha se presentaron públicamente por primera vez en junio de 1974 en la Galería Myeongdong en Seúl. [3] : 131 [5] : 212 Las obras Conjunción presentadas fueron sus primeras incursiones en su "método desde atrás" ( baeapbeop ), para el cual comenzó con arpillera estirada como un plano pictórico, luego empujó la pintura a través de las fibras de la arpillera, desde atrás hacia adelante de la obra. Para algunas de estas pinturas, enderezó la obra para que la pintura goteara por su superficie; para otras, luego barrió el lienzo para distribuir, difundir y alisar la pintura. En estas primeras versiones de Conjunción, Ha Chong-hyun eligió usar solo pintura blanca. Como ha señalado Joan Kee, Ha eligió el blanco porque contrastaba fuertemente con la arpillera oscura y terrosa, hasta el punto de que su interacción enfatizaría la materialidad de la pintura, lo que, a su vez, socavaría las interpretaciones de sus pinturas simplemente en términos del simbolismo de la blancura, asociado con la filosofía zen y la tradición premoderna. [3] : 141
A medida que Ha continuó con su serie Conjunction hasta finales de la década de 1970 y más allá, utilizó cada vez más herramientas como cuchillos, paletas, pinceles y alambre para extender y/o inscribir formas sobre la pintura después de empujarla a través de arpillera, a veces de maneras que finalmente aplanaron sus gestos iniciales de pintura desde atrás. También pasó a otros tonos de pintura, primero a mezclar pinturas para parecerse al tono del cáñamo; según Joan Kee, esta fue una elección para asegurar que el plano pictórico, el gesto y el soporte tuvieran el mismo peso en la definición de la obra. [4] : 21–22 A principios de la década de 1980, Ha recurrió a utilizar pinturas negras, azul marino, verdes y grises, un color por obra. En iteraciones más recientes (desde c. 2014), Ha ha experimentado con la quema de la superficie de las pinturas de Conjunction y empleó colores dancheng brillantes , ambos reminiscentes de sus primeras pinturas de la década de 1960.
La crítica y los estudios sobre la serie Conjunción de Ha Chong-hyun se centran en la interacción de dos o todos los aspectos siguientes: (1) la pintura como registro del compromiso físico del artista con sus materiales, [5] : 211–220 [8] : 16 (2) la materialidad de la pintura y la arpillera como se destaca por su interacción orgánica, [4] : 24 [5] : 26 y (3) la activación de Ha de la tridimensionalidad del plano de la pintura al pintar desde el reverso de su obra. [3] : 96 [8] : 14 Por ejemplo, el historiador de arte Phil Lee ha explicado el significado del título de la serie como doble: describe la conjunción del cuerpo del artista con sus materiales y la conjunción de un material con otro. [5] : 213 Otro ejemplo es la interpretación de Yoon Jin Sup de Conjunción ; Yoon considera que Ha "derroca la 'convención' en la pintura" de la planitud al centrarse en su parte posterior, [8] : 14 así como "[revela] la relación antagónica entre los diferentes materiales del lienzo de cáñamo, el pigmento y el aceite". [8] : 17 Entre sus interpretaciones de Conjunción , algunos académicos se han alejado críticamente y vocalmente del simbolismo cultural orientalizante. Como ha calificado Joan Kee, "los comentaristas de Ha -y en ese sentido los artistas [dansaekhwa] en general- ponen a prueba con demasiada frecuencia la paciencia de sus lectores al invocar referencias ambiguas al zen, la caligrafía o la naturaleza sin abordar adecuadamente la naturaleza fundamentalmente materialista de sus compromisos". [4] : 24 De manera similar, Phil Lee ha argumentado que "lo que es significativo es descubrir no solo la belleza coreana (asiática) sino también la resonancia universal encarnada en las obras [de Ha]". [5] : 220
En 2010, Ha comenzó su serie Post-Conjunction con la declaración de que tomaría la decisión crítica y deliberada de explorar más el color. [5] : 213 Muchas obras Post-Conjunction se realizan exudando pintura desde la parte posterior del lienzo alrededor de formas circulares, o exprimiéndola entre listones de madera, que se envuelven en materiales como lona o arpillera, ocasionalmente quemados por el fuego, y dispuestos en filas sobre el plano pictórico. En ocasiones, después de esta exudación, Ha repasa la superficie con herramientas adicionales (alambre, pincel) para alterar las delineaciones geométricas de la pintura. De tonos brillantes, a menudo con colores obangsaek , estas obras van más allá de Conjunction para interrogar el impacto del color sobre la materialidad, como ha observado Joan Kee. [4] : 29
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