El Movimiento Figurativo del Área de la Bahía (también conocido como Escuela Figurativa del Área de la Bahía , Arte Figurativo del Área de la Bahía , Figuración del Área de la Bahía y variaciones similares) fue un movimiento artístico de mediados del siglo XX formado por un grupo de artistas del Área de la Bahía de San Francisco. quien abandonó el estilo predominante del expresionismo abstracto en favor de un retorno a la figuración en la pintura durante la década de 1950 y en adelante hasta la década de 1960.
La Escuela de Expresionismo Abstracto de Nueva York fue el primer estilo de arte estadounidense que tuvo importancia internacional. El Área de la Bahía de San Francisco fue el centro de una variante independiente del expresionismo abstracto. El movimiento Figurativo del Área de la Bahía fue una respuesta a ambos. [1]
Este movimiento artístico, que abarca dos décadas, a menudo se divide en tres grupos o generaciones: la Primera Generación, la Generación Puente y la Segunda Generación.
Muchos de los artistas de la "Primera Generación" de este movimiento eran ávidos fanáticos del expresionismo abstracto y trabajaron de esa manera, hasta que varios de ellos abandonaron la pintura no objetiva en favor de trabajar con la figura. Entre estos artistas de la Escuela Figurativa del Área de la Bahía de Primera Generación se encontraban David Park , Richard Diebenkorn , Rex Ashlock, Elmer Bischoff , Glenn Wessels , Wayne Thiebaud , Raimonds Staprans y James Weeks .
La "Generación Puente" incluía a los artistas Henrietta Berk , Nathan Oliveira , Theophilus Brown , Paul Wonner , Roland Petersen , John Hultberg y Frank Lobdell . [2]
Muchos artistas de la "Segunda Generación" de este movimiento estudiaron con los artistas de la Primera Generación o empezaron tarde. Entre estos artistas de la Segunda Generación se encontraban Bruce McGaw , Henry Villierme , Joan Brown , Manuel Neri y Robert Qualters .
Muchas escuelas e instituciones del Área de la Bahía fueron importantes para el desarrollo y refinamiento de este movimiento artístico, incluido el Instituto de Arte de San Francisco , la Facultad de Artes y Oficios de California y la Universidad de California, Berkeley .
David Park (1911-1960) fue posiblemente el pintor más importante del Movimiento Figurativo del Área de la Bahía. Park fue un pintor expresionista abstracto, afincado en San Francisco, y uno de los primeros en avanzar hacia el estilo de pintura figurativo. En la primavera de 1951, Park ganó un premio por un lienzo figurativo que presentó a una exposición competitiva. El giro de Park hacia el estilo figurativo desconcertó a algunos de sus colegas, ya que en ese momento, la pintura abstracta era el único camino a seguir para los artistas progresistas. Su movimiento impulsó un auge del arte figurativo que se convirtió en uno de los desarrollos de posguerra más importantes en la costa oeste.
En lugar de pasar por una lenta transformación de pinturas abstractas a figuras, se cree que las abstracciones de Park desaparecieron instantáneamente. Una entrevista con la tía de Park sugirió que Park llevó sus pinturas abstractas a un vertedero y las liberó o las destruyó ritualmente. Sus compañeros ni siquiera se enteraron de esta transformación hasta el año siguiente. [3]
En 2004, Hackett Freedman Gallery en San Francisco realizó una exposición de 35 de las obras de David Park de 1953 a 1960. Estas fueron las obras que marcaron los últimos años de su vida y la exposición se llevó a cabo para celebrar su vida así como su regreso a pintura de figuras en 1950, que contribuyó decisivamente al inicio del movimiento. Algunas de las obras anteriores de la exposición sugieren que Park respondió al arte de Max Beckmann y su influencia es particularmente visible en The Band (1955). Con el paso de los años, la paleta de Park giró hacia un cromatismo exuberante, pero su enfoque de tallado en el manejo de la pintura se pudo ver en todo su trabajo hasta que finalmente decidió abandonar el óleo en 1959.
Algunas de las obras importantes de David Park son Suegra (1954-1955), Violín y violonchelo (1939), Torso (1959) y Figura en silla (1960). [4]
Elmer Bischoff (1916-1991), de entre treinta y cuarenta años, tuvo una fase extensa de lo que llamó " articulaciones picassianas ". [5] Después de regresar de la guerra en 1945, se sintió impulsado a desafiar todas las suposiciones que tenía sobre el arte y la vida. Cuando se le preguntó sobre esto en una entrevista, dijo: “Hasta entonces el arte había sido una adquisición externa; [pero ahora] se convirtió más en una búsqueda”. Fue por esta época cuando lo contrataron como reemplazo a corto plazo en la escuela de bellas artes.
Al igual que su obra abstracta, Bischoff logró un gran éxito con sus primeras obras figurativas. Bischoff presentó su pintura Figura y pared roja en la Quinta Exposición Anual de Óleo y Escultura en el Richmond Art Center y ganó el primer premio de 200 dólares. [6] Esta hazaña le valió una exposición individual en la Galería Paul Kantor de Los Ángeles. Sin embargo, fue una exposición individual de pinturas y dibujos en enero de 1956 en la galería de la Escuela de Bellas Artes de California la que Bischoff creía que tuvo el mayor impacto en su futuro.
Algunas de las obras importantes de Bischoff son Figura en la ventana con barco (1964), Patio de juegos (1954) y El río (1953). [7]
De todos los artistas de la Primera Generación, fue Richard Diebenkorn (1922-1993) quien asumió el mayor riesgo al dedicarse a la figuración en 1955. Diebenkorn fue reconocido a nivel nacional por su obra abstracta. La exposición de James Johnson Sweeney "Pintores estadounidenses más jóvenes", [8] dio como resultado que su trabajo fuera ampliamente exhibido por marchantes en Los Ángeles y Chicago. Además de su reputación nacional por su trabajo abstracto, Diebenkorn también era un abstraccionista querido entre los lugareños de Sausalito.
Posteriormente se centró en el arte figurativo, pero no fue hasta 1956 que intentó realizar pinturas figurativas complejas. Sus primeras obras figurativas parecían estar basadas libremente en autorretratos. Regresó a la abstracción a mediados de los años 1960. [9]
Theophilus Brown (1919-2012) y Paul John Wonner (1920-2008) se sintieron fuertemente influenciados por el trabajo de los artistas más consagrados. En 1955, tanto Brown como Wonner alquilaron espacios de estudio dentro del mismo edificio, que también era el edificio donde trabajaba Diebenkorn. Diebenkorn, Bischoff y Park se unieron a Brown y Wonner para realizar sesiones de dibujo del natural. De vez en cuando se les unían James Weeks y Nathan Oliviera.
Las obras figurativas de Wonner se exhibieron en una exposición celebrada en la galería de la Escuela de Bellas Artes de California a fines de 1956. Desde el principio, Wonner estuvo comprometido con las convenciones de representación e identificó la línea como un límite y un borde descriptivos firmes.
Algunas de las obras de Brown son Male Nude Seated (1960) y Sun and Moon (1960), mientras que las obras de Wonner incluyen Side of the house, Malibu (1965) y Mountain Near Tucson (1963). [10]
En la década de 1960, Roland Petersen se embarcó en su serie Picnic, con sus colores saturados, pigmentos en capas gruesas y composiciones geométricas. Petersen, figura activa en la escena artística del Área de la Bahía durante más de cuarenta años, ha enseñado a generaciones de artistas no solo pintura sino también grabado y fotografía . Vive en el Área de la Bahía y continúa pintando activamente. El trabajo de Petersen se ha exhibido en museos y galerías de todo el país y está representado en las principales colecciones de museos, incluido el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York; Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York; Museo de Arte Moderno de San Francisco ; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , Washington, DC; Museos de Bellas Artes de San Francisco ; y el Museo de Arte de Filadelfia .
Nathan Oliveira (1928-2010) tenía un interés juvenil por la música que poco a poco se fue desvaneciendo a medida que crecía. En su viaje al Museo Memorial MH de Young , decidió convertirse en retratista. Más tarde pasó a servir en el ejército, donde logró mantenerse al día con su escena artística. No se consideraba vanguardista ni parte de un movimiento específico. [11]
Las primeras obras figurativas de Oliveira tienden a tener más detalles y color, como se puede ver en su Hombre sentado con perro . Sus obras realizadas en el estudio de San Leandro en 1959, según sus propias palabras, "se convirtieron en el fundamento mismo de [su] toda la identidad como pintor en [su] país".
Algunas de las obras importantes de Nathan son Hombre sentado con perro (1957), Hombre caminando (1958) y Adolescente junto a la cama (1959).
Henrietta Berk (1919-1990) pintó principalmente al óleo. Su trabajo se destacó por sus colores y formas fuertes. Berk desarrolló su propio enfoque único del arte con un uso atrevido del color y una interpretación única de la forma y la luz. Su trabajo es notable considerando los tiempos difíciles para las artistas femeninas en la década de 1960 y el techo de cristal que tanto luchó por romper. [12] Berk asistió al Colegio de Artes y Oficios de California en Oakland de 1955 a 1959, [13] [14] donde estudió con Richard Diebenkorn y Harry Krell. [12] Algunas de las obras más destacadas de Berk son Me or Facade (1960), Picnic (1961), Golden Gate (1961), Three Figures (1962), Racing (1964), Leaning Figure (1967) y Lagoon Valley Road ( 1968).
Una exposición retrospectiva de su trabajo se inauguró en el Museo Hilbert de la Universidad Chapman el 13 de junio de 2020, junto con un libro sobre la artista, "In Living Color, The Art & Life of Henrietta Berk", editado por Cindy Johnson y publicado por Cool. Títulos.
Bruce McGaw nació en 1935 y fue el único artista de la segunda generación incluido en la exposición de Pintura Figurativa Contemporánea del Área de la Bahía de 1957. [ cita necesaria ] Estudió en la Facultad de Artes y Oficios de California y tomó una de las primeras clases impartidas por Diebenkorn en 1955. McGaw tenía una relación cercana con Diebenkorn, [15] quien incluso se reunió con los padres de McGaw para mostrarles su apoyo a su obras de mi hijo. McGaw también estudió con Leon Goldin, donde trabajó con la abstracción. [ cita necesaria ]
La figuración no fue un proceso furtivo para McGaw. Como otros artistas de la segunda generación, no se limitó a ningún estilo en particular y pasó de un estilo a otro. Una de las primeras pinturas figurativas maduras de McGaw mostró claramente influencias de Diebenkorn, pero McGaw también mostró muchas características nuevas propias. Le gustaba trabajar a muy pequeña escala y dividía el cuerpo en vistas estándar del torso o partes extrañas y sinécdocas. [ cita necesaria ]
Joan Brown creó pinturas coloridas y amplias que representan su vida y sus experiencias en San Francisco, donde vivió y trabajó durante casi toda su vida. [16] Su época como artista figurativa fue intensa y productiva y proporcionó algunas de las obras más importantes del Movimiento. [17] Brown obtuvo un BFA y un MFA de la Escuela de Bellas Artes de California (que se convirtió en el Instituto de Arte de San Francisco). Fue allí donde conoció a un mentor clave, el artista Elmer Bischoff , y comenzó a ganar reconocimiento por sus pinturas. En 1960, fue la artista más joven expuesta como parte de Young America 1960 (Treinta pintores estadounidenses menores de treinta y seis) en el Museo Whitney de Arte Americano. [dieciséis]
Algunas de las obras de Joan Brown son Mujer y perro en una habitación con alfombra china (1975) y Noel en la mesa con un gran cuenco de frutas (1963). [18]
Manuel Neri fue escultor. Neri exploró la abstracción durante las primeras etapas de su carrera, como todos los artistas figurativos más jóvenes del Área de la Bahía. [ cita necesaria ] No fue hasta después de dejar la escuela en 1959 que se dedicó a la figuración. Le permitió sintetizar sus intereses en color y forma y jugar con las ambigüedades del contenido. Es la falta de especificidad de sus figuras y sus cualidades abstractas lo que hace que sus esculturas formen parte del Movimiento Figurativo del Área de la Bahía y no cualquier escultura figurativa contemporánea en Estados Unidos.
Neri, sólo dos años menor que Nathan Oliveira, tuvo una infancia similar y, al igual que Oliveira, no tenía ningún interés por el arte cuando era niño. La única razón por la que Neri tomó un curso de cerámica en la escuela fue para aligerar su carga. Su profesor de cerámica fue Roy Walker, quien lo animó a seguir adelante con el arte tomando clases avanzadas. Neri pronto abandonó sus clases de ingeniería y en 1951 comenzó a tomar cursos en la Facultad de Artes y Oficios de California , donde se matriculó oficialmente en 1952.
Algunas de las obras importantes de Neri son Figura de pie sin título (1956–57) y College Painting No. 1 (1958–59). [19]