La Exposición Independiente Yomiuri (読売アンデパンダン展, Yomiuri Andepandan Ten ) , cariñosamente apodada "Yomiuri Anpan", [1] [2] fue una famosa exposición de arte permisiva, sin jurado y de exhibición gratuita que se celebró anualmente en Tokio , Japón desde 1949 hasta 1963. Patrocinada por el periódico Yomiuri Shimbun , la exposición se celebró en el Museo de Arte Metropolitano de Tokio y jugó un papel importante en el surgimiento del arte contemporáneo y de vanguardia de posguerra en Japón.
El historiador Thomas Havens ha llamado al Yomiuri Indépendant "el principal vehículo de la democracia de posguerra para los jóvenes artistas visuales en Japón que carecían de conexiones con el establishment de las bellas artes" y "un bazar de nuevas ideas y materiales". [3] Entre los artistas que expusieron obras de arte en el Yomiuri Indépendant se encuentran Genpei Akasegawa , [4] Shūsaku Arakawa , Nobuaki Kojima , [5] Tetsumi Kudо̄ , [6] el grupo Kyūshū-ha , Natsuyuki Nakanishi , [7] Tarō Okamoto , Ushio. Shinohara , Mitsuko Tabe , Jirō Takamatsu , Katsuhiro Yamaguchi , [1] y Jirō Yoshihara . [1]
La Exposición Independiente Yomiuri fue creada por el periódico Yomiuri Shimbun en 1949 en un esfuerzo por "democratizar el mundo del arte" y fomentar el libre pensamiento y la libre expresión. [8] [9] El cerebro detrás de la exposición fue el periodista Hideo Kaidō, miembro de la Sección de Cultura de Yomiuri . [1] [8] Kaidō detestaba la jerarquía de antes de la guerra en las bellas artes japonesas, en la que pequeños grupos de artistas y críticos de arte conocidos informalmente como Gadan (画壇) controlaban efectivamente el acceso a exposiciones con jurado, como la Exposición Nitten patrocinada por el gobierno y avanzaban selectivamente. las carreras de sus protegidos elegidos y al mismo tiempo bloquean el camino de otros. [1] [10] Por su parte, la dirección del periódico Yomiuri esperaba que al patrocinar la exposición el periódico cosecharía relaciones públicas positivas y se distanciaría de la reciente colaboración del periódico con el régimen autoritario de tiempos de guerra de Japón . [11]
Originalmente, la exposición se llamaba Nihon Indépendant Exhibition ( Nihon Andepandan Ten ), pero este título fue enérgicamente protestado por la Asociación Japonesa de Bellas Artes ( Nihon Bijitsukai ), afiliada al Partido Comunista de Japón , que utilizó el mismo nombre para su propia exposición. Finalmente, en 1957, Yomiuri cedió y cambió el nombre a "Yomiuri Indépendant", momento en el que finalmente se resolvió el problema de las dos exposiciones rivales "Nihon Indépendant". Por esta misma época, los artistas comenzaron a apodar cariñosamente al espectáculo "Yomiuri Anpan". "Anpan" era una abreviatura de "Andepandan", pero también un juego de palabras deliberado con los bollos dulces de frijoles rojos, llamados " anpan " en japonés . [12]
En los primeros años, las obras mostradas en la exposición tendían a ser pinturas más bien convencionales presentadas por artistas mayores y bien establecidos y aficionados al arte. [1] Sin embargo, en la segunda mitad de la década de 1950, la exposición se transformó gradualmente en un espacio artístico revolucionario. [13]
A finales de la década de 1950, todavía era extremadamente difícil para los artistas jóvenes no establecidos exhibir sus obras de arte en lugares públicos. El acceso a galerías y exposiciones estaba restringido por comités de selección dominados por sociedades artísticas establecidas que a menudo seleccionaban las entradas de acuerdo con conexiones personales y estándares impulsados ideológicamente. [4] Entre las dos exposiciones independientes y sin jurado de ese momento, Nihon Indépendant estaba dominada por el realismo socialista , lo que reflejaba su estrecha asociación con el Partido Comunista y las tendencias artísticas predominantes en ese momento, dejando a Yomiuri Indépendant como una de las únicas opciones para los aspirantes. artistas jóvenes fuera de la corriente principal del realismo socialista para mostrar su trabajo. [4]
Por ejemplo, Genpei Akasegawa , un artista más joven y no establecido en ese momento, inicialmente envió obras a Nihon Indépendant, pero se sintió cada vez menos bienvenido allí en medio de la presión para ajustarse a la ortodoxia artística realista socialista. [14] Aunque Akasegawa y otros artistas inicialmente se resistieron a someterse al Yomiuri Indépendant porque su patrocinio corporativo por parte de un importante periódico representaba una afiliación con el capitalismo que era desagradable para muchos artistas, la estrecha ortodoxia del Nihon Indépendant convirtió al Yomiuri Indépendant en el único que quedaba. elección. [14] El artista Ushio Shinohara recordó más tarde: "Introdujimos nuestras obras en el Yomiuri Indépendant porque era el único lugar donde podíamos mostrarlas. En aquellos días apenas había museos o galerías, y no había patrocinadores". [3]
Para muchos de estos artistas más jóvenes, las dos semanas del Yomiuri Indépendant constituyeron el principal evento del año, y pasarían gran parte del resto del año preparándose para mostrar su creatividad y, con suerte, superar a sus pares en términos de audacia y audacia. [15] Akasegawa recordó más tarde cómo en los últimos años de la década de 1950, surgió una especie de competencia en el Yomiuri Indépendant para ver qué “pintura” podía sobresalir más de la superficie del lienzo. Primero, los artistas utilizaron arena, luego vidrio y clavos, y luego “ objetos encontrados ” cada vez más grandes hasta que finalmente los objetos escaparon por completo del marco del cuadro y “se liberaron del lienzo para pararse con orgullo en el suelo”. [4] En 1958, los artistas tradicionales habían abandonado la exposición, dejando atrás nuevas formas radicales de pintura, extraños ensamblajes de objetos encontrados e instalaciones extrañas. [16] En 1959, el crítico de arte Tamon Miki declaró que el Yomiuri Indépendant le daba "la sensación de un espacio de actuación más que de un lugar de exposición". [9]
Con el tiempo, la dirección del Museo de Arte Metropolitano de Tokio comenzó a oponerse a algunas de las obras de arte más extremas presentadas al Yomiuri Indépendant. [9] En 1958, la Exposición vio su primera obra de arte rechazada, cuando el grupo Kyūshū-ha intentó exhibir una obra llamada Garbage Artwork que consistía en un montón de basura real. [17] Durante el evento de 1962, los curadores del museo retiraron sumariamente la bolsa de vinilo con tinta roja del artista Ushio Nakazawa, sobre la cual se suponía que los visitantes debían caminar y así "crear arte" trazando tinta roja por todo el museo. [9] Más tarde ese año, el museo emitió un edicto prohibiendo una serie de objetos y obras de arte en sus instalaciones, incluidos ciertos tipos de fotografías de desnudos consideradas obscenas, espadas y otras armas, alimentos que podrían oler o pudrirse, obras que producían ruidos fuertes y obras de arte que utilizaban agua, arena, grava u otros materiales que dañaban los pisos y paredes del museo. [9] Críticos de arte, incluidos Shūzō Takiguchi , Ichirō Hariu , Yoshiaki Tōno y Tamon Miki, protestaron inmediatamente por estas nuevas restricciones, calificándolas de "muy preocupantes para la libertad de expresión", pero fue en vano. [9] Los propios artistas también protestaron, y hubo que llamar a la policía para sacar físicamente a un grupo de artistas que bailaban afuera del museo en ropa interior en señal de protesta. [9] Los artistas también simplemente ignoraron las restricciones, y la edición de 1963 de la exposición (que resultó ser la última) presentó, entre otros objetos prohibidos, un cubo de baño lleno de agua, cuchillos, fragmentos de vidrio, el uso ruidoso y estridente de una tambor de acero y obras de arte que incorporan alimentos perecederos, incluido un panecillo francés, udon , brotes de soja y tofu . [9]
Apenas un mes antes de la inauguración prevista del Yomiuri Indépendant de 1964, en medio de rumores de que las próximas obras de arte serían aún más salvajes y extrañas que nunca, el Yomiuri Shimbun anunció repentinamente que pondría fin a su patrocinio de la exposición, y cuando no apareció ningún nuevo patrocinador. dio un paso adelante, el Yomiuri Indépendant llegó a su fin después de 15 años de exposiciones anuales. [9] Al anunciar la terminación, el periódico declaró que la misión de la exposición estaba plenamente cumplida, afirmando: "Creemos que ha llegado el momento de que los artistas gestionen sus propios asuntos. Confiados en que hemos alcanzado nuestros objetivos, nosotros, el Yomiuri Shimbun, hemos concluido nuestro patrocinio con la exposición del año pasado." [9] El periódico había llegado claramente a la conclusión de que había aprovechado la exposición para obtener el mayor valor de relaciones públicas positivas posible, y que continuar con la exposición en medio de la ira de los funcionarios del museo y las quejas de los visitantes del museo de hecho corría el riesgo de recibir publicidad negativa. [18]
Muchos artistas quedaron atónitos por la cancelación de último momento. [18] Akasegawa señaló irónicamente que al violar deliberadamente las reglas del museo, "la energía destructiva inconsciente de las obras de arte había destruido el espacio mismo". [18] Sin embargo, el Yomiuri no se equivocó al señalar que el objetivo original de democratizar el mundo del arte se había logrado; En 1964, el mundo del arte japonés era un espacio muy diferente del que había sido en la década de 1950, un espacio fundamentalmente más acogedor para el arte de vanguardia. De hecho, los artistas no tuvieron problemas para encontrar lugares alternativos para exhibir las obras que habían preparado para el Yomiuri Indépendant de 1964, mostrándolas en una serie de nuevos museos, galerías y exposiciones de pequeña escala que habían surgido en los últimos años. [18]
Aunque duró poco, el Yomiuri Indépendant brindó exposición y notoriedad a una generación de artistas más jóvenes que luego alcanzarían renombre tanto en Japón como en el extranjero. También proporcionó un espacio para que estos artistas se conectaran entre sí, contribuyendo a la formación de varios grupos y colectivos artísticos, incluidos los Organizadores Neo-Dada , el Kyūshū-ha , el Grupo Ongaku , Zero Dimension, Jikan-ha y Centro Hola-Rojo . [19] [16] Fomentó el surgimiento de nuevas formas de antiarte , arte pop y performance , así como un grupo de críticos de arte, coleccionistas de arte y galeristas dispuestos a aceptar, promover y patrocinar estas obras de arte y artistas. De esta manera, el Yomiuri Indépendant jugó un papel crucial en el surgimiento del arte de vanguardia de posguerra en Japón.