El Crucifijo de Cimabue en Santa Croce ( c. 1265 ) es un crucifijo de madera muy grande , pintado al temple , atribuido al pintor y mosaiquista florentino Cimabue , uno de los dos grandes crucifijos que se le atribuyen. [1] La obra fue encargada por los frailes franciscanos de Santa Croce y está construida a partir de una compleja disposición de cinco tablas de madera principales y ocho auxiliares . Es una de las primeras obras de arte italianas que rompió con el estilo bizantino de finales de la Edad Media y es famosa por sus innovaciones técnicas e iconografía humanista .
El dorado y la monumentalidad de la cruz la vinculan a la tradición bizantina. La pose estática de Cristo refleja este estilo, mientras que la obra en general incorpora aspectos más nuevos y naturalistas . La obra presenta una representación realista y físicamente imponente de la pasión en el Calvario . Cristo se muestra casi desnudo: con los ojos cerrados, el rostro sin vida y derrotado. Su cuerpo se desploma en una posición contorsionada por una agonía prolongada. Un retrato gráfico del sufrimiento humano, la pintura es de importancia fundamental en la historia del arte y ha influido en pintores desde Miguel Ángel , Caravaggio y Velázquez hasta Francis Bacon . [2]
La obra ha estado en la Basílica di Santa Croce de Florencia desde finales del siglo XIII, y en el Museo dell'Opera Santa Croce desde su restauración tras la inundación del Arno en 1966. [3] Permanece en malas condiciones a pesar de los esfuerzos de conservación .
Los dos crucifijos supervivientes de Cimabue fueron encargados por la orden franciscana . Fundada por San Francisco de Asís , sus opiniones reformistas, religiosas y sociales tuvieron un profundo efecto en las artes visuales en el siglo posterior a su muerte. Hijo de un rico comerciante de telas, Francisco abandonó su herencia para dedicarse a la predicación cuando tenía veintitantos años. Veneraba la pobreza y desarrolló un profundo aprecio por la belleza de la naturaleza. Las representaciones bizantinas tendían a mostrar a Cristo como invencible, incluso en la muerte. Las imágenes basadas en los ideales franciscanos del siglo XIII generalmente refuerzan su veneración por la simplicidad y el naturalismo, infundiendo en las pinturas los nuevos valores del humanismo. [4] [5]
La iglesia de Santa Croce fue la tercera que los franciscanos construyeron en el lugar. El primero se inició en 1295, y es donde probablemente colgaba el Crucifijo de Cimabue , dado su gran tamaño, encima del mampara . [6] Posteriormente se ubicó en el crucero norte , en la sacristía y junto a la entrada en el flanco sur. [7]
Cimabue logra un manejo magistral del color; Las iglesias medievales tendían a ser extremadamente coloridas, con paredes con frescos , capiteles pintados y pinturas en pan de oro . [8] Predominan las tonalidades pálidas, encontrándose el principal contraste en las zonas oscuras del cabello y la barba de Cristo, que se utilizan para resaltar más los rasgos de su rostro y posicionar su cabeza como punto focal. [9]
En comparación con obras anteriores de este tipo, el cuerpo de Cristo es más físicamente corpóreo, representado como un objeto real, y su anatomía está representada más fielmente . Sus manos y pies parecen extenderse más allá del espacio pictórico, que está delimitado por los bordes planos y coloreados de la cruz, [4] compuesta a su vez por al menos seis tablas. Tanto su cuerpo como su nimbo semicircular están colocados en ángulos que se elevan hacia afuera y por encima del nivel de la cruz. [10]
Su cuerpo se arquea, obligando a su torso a levantarse contra la cruz. La sangre brota de las heridas en sus manos mientras su cabeza cae hacia un lado por la fatiga y la realidad física de la muerte inminente. [11] Su cuerpo está desnudo a excepción de un taparrabos transparente y transparente que apenas cubre sus muslos y nalgas. La elección de un taparrabos blanco en forma de velo, dramáticamente más modesto que el vestido rojo de la obra de Arezzo , puede estar influenciado por crucifixiones anteriores de Giunta Pisano . [12] Su desnudez resalta su vulnerabilidad y sufrimiento. Parece influenciado por una Meditación franciscana sobre Cristo del siglo XIII que enfatizaba el patetismo y el interés humano en el sufrimiento de la Pasión; “Aparta por un momento tus ojos de su divinidad y considéralo puramente como un hombre”. [13]
Tiene los ojos abiertos y su piel impecable. La cruz está pintada con pintura de color azul intenso, tal vez evocando un cielo eterno o atemporal. [14] Esta evocación, no presente en la figura principal del crucificado, era conocida como Christus triunfans ("Cristo triunfante"), y para el gusto contemporáneo –especialmente franciscano– carecía de verosimilitud, ya que guardaba poca relación con el sufrimiento real probablemente soportado durante una crucifixión, y distanció demasiado lo divino del aspecto humano de Cristo. [6] [15] Aproximadamente desde 1240, los pintores favorecieron el estilo Christus patiens ("Cristo sufriente"): un salvador que compartía la carga y el dolor de la humanidad. El Crucifijo de Santa Croce es uno de los ejemplos más antiguos y más conocidos de este tipo. [dieciséis]
La obra supera la de Cimabue c. 1268 Crucifijo de Arezzo de varias formas. Es más humano y menos dependiente de tipos faciales idealizados, [13] y la anatomía es más convincente. El rostro de Cristo es más largo y estrecho y su nariz menos idealizada. Estos rasgos, según el historiador de arte Robert Gibbs, le dan "una expresión más tosca pero más personal". [12] Se adopta un enfoque similar con la tela en el fondo de la propia cruz, que aunque muy ornamentada, carece de la suntuosa ornamentación de la tela equivalente en la cruz de Arezzo. [9]
Su cabeza cuelga por el cansancio y sus manos sangran por las heridas punzantes sufridas durante su clavado en la cruz. [11] Sus brazos están colocados más arriba de su cabeza y se esfuerzan por soportar el peso de su cuerpo, que se desploma visiblemente. [13] Su cuerpo adquiere una curva dramática, casi femenina, resultado de las contorsiones impuestas a un cuerpo clavado a un soporte vertical. [17]
La pintura contiene elementos típicos de las representaciones de Cristo de Cimabue, incluido el ilusionismo de los pliegues de las cortinas, el gran halo, el cabello largo y suelto, los rostros oscuros y angulosos y las expresiones dramáticas. [18] Pero en otros aspectos se ajusta a la entonces estricta iconografía del siglo XIII. Típico de las representaciones del Cristo crucificado de esta época, con los brazos extendidos es tan ancho como largo, conforme a los ideales de proporciones predominantes. [19]
Representaciones de la Virgen y Juan Evangelista flanquean a Cristo en pequeños paneles rectangulares a cada extremo de sus brazos extendidos. Ambos son de piel oscura y tienen expresiones de agonía y tristeza mientras apoyan la cabeza en las manos y miran hacia Cristo. De acuerdo con la idea franciscana, el dorado que rodea a los santos en duelo se reduce al mínimo. El tamaño y las posiciones de las figuras se reducen en comparación con la iconografía bizantina habitual [4] para mantener el foco exclusivo en la pasión de Cristo. [20]
Sus mantos son más sencillos y carecen del fastuoso dorado de la crucifixión de Arezzo. [9] La Virgen viste un vestido rojo. Su túnica era originalmente azul, pero se ha oscurecido. [21]
El crucifijo mide 448 cm x 390 cm y consta de cinco componentes físicos básicos; un tablero vertical que va desde la base hasta el cimacio sobre el que está clavado Cristo, dos crucetas horizontales y dos piezas verticales que actúan como delantales adyacentes al tablero central. Hay otras ocho piezas menores; principalmente terminales, bases o dispositivos de enmarcado. [22] La estructura está reforzada por dos listones verticales de longitud completa . Los brazos transversales horizontales se extienden a todo lo ancho de su cuerpo extendido y están ranurados en crestas en los soportes verticales. La madera habría sido cortada y arreglada por carpinteros antes de que Cimabue aplicara su diseño y pintura. [22]
Sus dimensiones son muy simétricas y proporcionadas, probablemente influenciadas por los ideales geométricos, proporciones y reglas de diseño de los antiguos griegos. El equilibrio de las medidas, especialmente entre el ancho y el alto de la cruz, parece derivarse de los lados y diagonales de los cuadrados y de los rectángulos dinámicos . [23] Sin embargo, Cimabue no fue rígido en su ubicación y, para adaptarse al balanceo del cuerpo de Cristo, alteró la posición de algunas de las tablas en la mitad inferior. [24]
Debido a la falta de documentación sobreviviente, es difícil atribuir obras no firmadas de la época con algún grado de certeza. El origen del Crucifijo ha sido cuestionado a menudo, pero generalmente se cree que es obra de Cimabue basándose en rasgos estilísticos y menciones tanto de Vasari como de Nicolò Albertini . [12] [25] Es relativamente primitivo en comparación con sus obras de 1290 y, por lo tanto, se cree que data de su período temprano. [26] Según Vasari, el éxito del crucifijo llevó a los encargos en Pisa , Toscana , que establecieron su reputación. [25]
Rechazando estos puntos de vista, Joseph Archer Crowe y Giovanni Battista Cavalcaselle concluyeron en 1903 que el crucifijo de Santa Croce "en un examen técnico... se acerca un poco al maestro florentino, pero es más de su época que del maestro mismo". [27]
El crucifijo fue instalado en la iglesia de Santa Croce a finales del siglo XIII. La iglesia se inundó en 1333 y 1557, pero sólo sufrió graves daños por inundaciones en 1966, cuando las orillas del río Arno se desbordaron e inundaron Florencia . Durante el evento miles de obras de arte fueron dañadas o destruidas y el Crucifijo perdió el 60% de su pintura. En 1966 volvió a exhibirse en la parte inferior del Museo dell'Opera, [28] que se encuentra a una elevación más baja y más cerca de la línea de flotación que la iglesia de Santa Croce, donde había estado ubicada durante inundaciones anteriores. El nivel del agua alcanzó la altura de la aureola de Cristo y se llevó grandes extensiones de pintura cuando retrocedió. El agua depositó aceite, barro y nafta en el marco de madera, [29] que se hinchó aún más por el empapado, lo que obligó al panel a expandirse y doblarse, agrietando la pintura. [30]
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Un equipo de restauradores dirigido por los conservadores Umberto Baldini y Ornella Casazza en el "Laboratario del Restauro" de Florencia [29] [31] pasó diez años reaplicando pintura. Utilizando modelos informáticos, trabajaron de forma casi puntillista . Las pequeñas motas de pigmento que flotaban alrededor de la pieza fueron recuperadas con unos alicates por el personal que vadeaba el agua después de que los torrentes habían amainado. [29] El marco de madera se había debilitado significativamente y fue necesario separarlo tanto del yeso como del lienzo para evitar que se pandeara a medida que se secaba la pintura reaplicada. [29] El Crucifijo se volvió a exhibir públicamente en 1976. [11] La restauración fue cubierta por la prensa internacional.
Desde su restauración, la obra se ha prestado a galerías fuera de Italia, siendo la primera vez que sale de Florencia desde su creación. Según el crítico Waldemar Januszczak , fue llevado "alrededor del mundo en un curioso estado posterior a la restauración: en parte obra de arte original, en parte obra maestra de la ciencia moderna... un híbrido del siglo XIII y del siglo XX". [32]