David (Dudu) Gerstein ( hebreo : דוד (דודו) גרשטיין ) (nacido el 14 de noviembre de 1944) es un pintor, escultor, dibujante y grabador israelí. [3] Comenzó como pintor figurativo y recibió el Premio del Museo de Israel de ilustración. [4] A fines de la década de 1970, quiso expandir los límites de la pintura bidimensional hacia la pintura en tres dimensiones. Comenzó recortando los temas principales de cada pintura y, para cancelar el fondo, [5] creó imágenes recortadas únicas e icónicas, independientes en el espacio, sin el marco cuadrado estándar y tradicional. [6]
Esto lo llevó a trabajar en escultura, principalmente en madera y utilizando pintura industrial como revestimiento. A través del uso de colores primarios y temas de nuestra vida cotidiana, creó una variación de estilo pop-art personal, que definió como pop-art de segunda generación. Siguiendo el camino de Roy Lichtenstein , Tom Wesselmann y David Hockney , Gerstein también apuntó a crear su estilo personal de arte post-pop, y dejó atrás la paleta monocromática de óleo y acuarelas y utilizó en su lugar colores vibrantes y orientados al diseño. [6]
Entre 1980 y 1995, creó principalmente esculturas de madera independientes, que abandonó más tarde cuando descubrió la tecnología de corte por láser. De esta manera, fue pionero en el uso del corte por láser en el arte y fue el primer artista en utilizar esculturas de pared de acero recortado en varias capas. [7]
Simultáneamente a sus esculturas murales, Gerstein mostró un gran interés por la escultura en espacios públicos. Creó más de 40 esculturas en plazas y plazas públicas tan solo en Israel. Esto lo llevó a crear muchas más esculturas al aire libre a gran escala en Inglaterra, Francia, Suecia, Italia, China, Corea del Sur y otros países. [3] [6]
Su arte se exhibió en museos de todo el mundo, comenzando en el Museo de Israel en 1987. [8] En 2016 ganó el Premio de Creación Artística de Taiwán . [1] Sus esculturas de ciclistas fueron compradas por Lance Armstrong y fueron mencionadas en los escritos de Stephen King. [9] Su escultura al aire libre "Momentum" es la escultura pública más alta de Singapur. [10]
David (Dudu) Gerstein nació en 1944 en Jerusalén , hijo de inmigrantes polacos . Tanto él como su hermano gemelo, Jonathan (Yoni) Gerstein, mostraron talento artístico desde temprana edad. A los trece años fue enviado a un campamento de arte en Jerusalén, al que asistió durante varios veranos seguidos. Más tarde tomó clases en el Centro de Arte Beit Zvi en Ramat Gan. [3]
De niño, se sintió conmovido por las obras de los impresionistas y los movimientos artísticos anteriores de la historia. Frecuentaba una galería cerca de su casa y siempre estaba ansioso por encontrar las nuevas pinturas que se exhibían allí, "profundamente conmovido emocionalmente" por el arte que allí se exhibía. [11]
En 1955, a los 11 años, David se familiarizó con el arte moderno cuando vio en un periódico una reproducción del Guernica de Picasso. La reproducción despertó su interés por los movimientos artísticos modernos, como el cubismo y el expresionismo. Continuó frecuentando museos y galerías durante su adolescencia. [3]
Durante su servicio militar obligatorio pintó una serie de óleos de muelles de pesca, barcos y paisajes de kibutz . Al finalizar su servicio militar, David solicitó ingresar en la Academia de Artes y Diseño Bezalel de Jerusalén, donde conoció al maestro Avraham Ofek , [3] quien tuvo una marcada influencia en el estilo de Gerstein. [12]
En 1965, Gerstein se matriculó en el departamento de diseño gráfico de Bezalel, la principal academia de arte de Israel, ya que en aquel momento no existía ese departamento. Después de dos años se dio cuenta de que el diseño gráfico no le interesaba. Como desde muy pequeño soñaba con visitar París, viajó a Francia y en 1966 se matriculó en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París [12] , donde estudió con Chapelain-Midy [fr].
Después de la revolución de 1968 en Francia , pasó dos años en París y se mudó a Nueva York, donde asistió a clases de la Art Students League , donde aprendió pintura de retratos con William F. Draper , y pintura al óleo con Jacob Lawrence . [3] [13]
Gerstein regresó a Israel a la edad de veintiséis años y comenzó a enseñar en Bezalel. Al principio, enseñó dibujo y luego se convirtió en miembro de la facultad del Departamento de Diseño de Joyas, que entonces estaba atravesando un proceso de renovación; evolucionando desde el estilo anticuado y tradicional de "Bezalel" a la introducción de conceptos innovadores influenciados por el arte moderno. Debido a su formación en bellas artes, Gerstein fue responsable de cerrar la brecha entre el diseño de joyas y el mundo del arte moderno. Presentó a sus estudiantes movimientos contemporáneos, como el diseño danés , el expresionismo , el arte conceptual , el minimalismo y otros movimientos contemporáneos. [3] Quería que el diseño de joyas fuera considerado de la misma manera que el arte contemporáneo, no menos inferior por ser decorativo, igual a otras formas de arte. Años más tarde, Gerstein comentó que su participación en la enseñanza en el departamento influyó en su transición de la pintura a la escultura. [3] [6]
Gerstein, que estaba interesado en el grabado y deseaba ampliar sus conocimientos en esta forma de arte, se matriculó en la Escuela de Arte de Saint Martin en Londres, donde se centró en el grabado y obtuvo su maestría en arte . Habiendo aprendido litografía y serigrafía , trató de combinar los dos medios, que aún no se habían integrado. Al completar sus estudios, recibió el primer premio y dos premios a la excelencia en un concurso de fin de año en St. Martin's. [3]
Gerstein regresó a Bezalel y aplicó el grabado a la técnica del esmalte. Ya entonces era perceptible su tendencia a integrar diferentes medios y tecnologías avanzadas en la creación artística; una tendencia que se reflejó con mayor fuerza en su uso del láser en la década de 1990. Continuó en su puesto como profesor titular en Bezalel hasta 1985. [3]
La primera exposición de Gerstein en Israel se celebró en 1971 en la Galería Engel de Jerusalén, compuesta por dibujos figurativos y acuarelas. [14] Posteriormente, expuso en la Casa del Artista de Jerusalén en 1972 con grandes óleos que trataban de interiores y la costa, obras que recibieron críticas entusiastas. Entre otros, Gerstein fue comparado con David Hockney debido al hecho de que "al igual que Hockney, él también había sido, ante todo, un maestro del dibujo con un excelente sentido del color". [11]
Durante esos años, Gerstein lideró una lucha para legitimar el arte figurativo, inaceptable en la escena artística israelí, principalmente conceptual . [13] La tendencia del arte conceptual era irrelevante para él y eligió la orientación menos aceptada en ese momento, la pintura figurativa. Gerstein se contaba entre los pocos artistas, como Avraham Ofek , Uri Lifschitz y otros, que se centraron en la pintura narrativa-figurativa. [3]
En la misma época, paralelamente al conceptualismo, se desarrolló una tendencia opuesta: el hiperrealismo. Gerstein, sin embargo, aspiraba a crear pinturas figurativas con un estilo personal y libre, tratando de encontrar su propia letra . Gerstein buscaba hacer declaraciones sobre el mundo y la vida, utilizando la narrativa y las experiencias de su vida personal.
Gerstein pintó recuerdos de su pasado, como su madre montando en bicicleta, o un cuadro que representa la infancia de dos gemelos, haciendo referencia a la infancia de su hermano gemelo y la de él, las vacaciones de la infancia en el Mar Muerto, etc. Entre sus principales inspiraciones se encontraba la obra de Hanoch Levin, que presentaba las vanidades de la vida en una vena de ironía cómica. Gerstein aspiraba a hacer lo mismo en la pintura: "Traté de expresar en la pintura lo que escribió Levin: las relaciones entre hombres y mujeres, dentro de las familias... una especie de estilo grotesco de pintura". [15]
Otra inspiración en esa época fue el pintor George Gross , con quien sentía afinidad y que también abordó lo que Gerstein denominó "la comedia humana". Además, recibió influencias de David Hockney , Fernando Botero y José Luis Cuevas , quienes trataron la experiencia humana y las interacciones entre las personas. [3]
En la década de 1970, Gerstein exploró la integración de temas personales junto con la pintura figurativa, en particular en sus acuarelas y gouache sobre papel. Sus obras no surgían del ámbito político, la naturaleza o la ciencia, sino más bien de recuerdos personales tempranos de la familia y la infancia. Al principio, estas obras estaban pensadas como bocetos para grandes pinturas al óleo sobre lienzo. Sin embargo, con el tiempo descubrió que le interesaba trabajar solo con acuarelas sobre papel, y se convirtieron en su medio principal. Gerstein creó una serie de pinturas sobre su infancia basadas en fotografías y recuerdos. Otra serie trataba sobre el recuerdo de la libertad: su madre montando en bicicleta por las calles, un motivo que se convirtió en una serie de ciclistas en la década de 1990 y posteriormente. Otra serie de pinturas se centraba en entornos interiores de espacios de vida personales, como salas de estar, en la tradición francesa. Un motivo repetitivo en estas obras era un gato, así como un jarrón, que, para el artista, expresaba "la serenidad de la vida hogareña diaria".
Gerstein, que deseaba expresar la vida interior e íntima de los individuos y las familias, también se interesaba por el ámbito público y, más concretamente, por la tensión entre lo privado y lo público. Fue entonces cuando se sintió atraído por el tema de los balcones, ya que captaban con éxito esa tensión; por un lado, eran extensiones del hogar personal y, por otro, eran como una exposición que se mostraba al público en la calle. Se trataba de obras que surgían de la nostalgia y el anhelo por los recuerdos de su infancia de los balcones de Tel Aviv con el yeso descascarado y la vida cotidiana y modesta de las parejas de mediana edad de clase trabajadora, tal como recordaba de los amigos de sus padres. [3] [6]
Tanto el gato como el florero siguieron acompañando su obra décadas después. Mientras trabajaba con estos motivos, Gerstein quería "escapar de la realidad política israelí hacia una tranquilidad olímpica libre de turbulencias". A mediados de los años 70, realizó una serie de pinturas de personas en la playa, influenciadas tanto por los recuerdos de la infancia del artista como por la observación. Otra serie de pinturas incluía el paisaje del barrio de Ein Kerem , donde el artista vivía en ese momento, utilizado como telón de fondo para composiciones repletas de figuras interactuando en grupos y parejas.
El objetivo de Gerstein de retratar la experiencia cotidiana de la vida israelí se materializó en la década de 1980. Gerstein describe en sentido figurado capítulos de la experiencia israelí, derivados, entre otros, de recuerdos de la infancia en Tel Aviv. La primera serie representa Tel Aviv con sus balcones de estilo Bauhaus , con una ironía humorística. [6] Esta serie se basó en los recuerdos de Gerstein de la generación de sus padres de la "pequeña Tel Aviv", gente a la que miraba con asombro y humor. Estas pinturas expresan la tensión entre la generación sabra de los niños y la generación relativamente "exílica" de los padres.
La serie muestra a personas mayores, con el "viejo mundo" reflejado en sus rostros, como lo ve un niño sabra mirando a la "generación del desierto"; la generación que fundó el país, que había emigrado a una edad temprana, pero que todavía estaba marcada por la herencia de la "diáspora". Los orígenes de esta serie se pueden encontrar en las acuarelas y gouache sobre papel de Gerstein de los años 70, partes de las cuales fueron adaptadas a pinturas al óleo sobre lienzo. En los años 80, Gerstein desarrolló esta serie en otra serie de pinturas, las de bañistas en el Mar Muerto, sobre las que Avraham Eilat escribió: "los residentes de los balcones han bajado al Mar Muerto donde se tumban en la orilla, cubiertos de barro, exponiendo sus cuerpos rosados a merced de los rayos del sol y la sal y se fríen lentamente". [16]
A pesar de la respuesta positiva que sus pinturas suscitaron, tanto de la crítica como del mundo del arte, Gerstein sintió la necesidad de renovarse, encontrar nuevas direcciones y expandir sus límites artísticos. Durante 1980-1987, mientras continuaba pintando, Gerstein experimentó con esculturas de madera, que eran "tridimensionales al tiempo que conservaban una calidad bidimensional". [3] Gerstein buscó "expandir las fronteras de la pintura" al dominio de la tercera dimensión. Insatisfecho con sus pocos experimentos escultóricos, el artista descubrió que podía cortar y ensamblar los elementos en un tipo de escultura en el espacio. La idea se le ocurrió durante el servicio de reserva mientras desmantelaba cajas de cartón que contenían cartuchos. Pintó en la partición interior de una caja y luego la volvió a ensamblar. De aquí surgió la idea de pintar sobre cartón a gran escala convertido en escultura. Después de una serie de esculturas de cartón, Gerstein utilizó madera y aluminio fino. Gerstein define esos años como una “lucha” entre la pintura y la escultura, comparando su relación con la pintura como la de una esposa, en oposición a su relación con la escultura: una amante seductora. [17]
Gerstein expuso por primera vez estas esculturas en la galería Horace Richter de Tel Aviv en 1981. Fue un paso audaz para el pintor de 36 años, que hasta entonces no había sido conocido por su trabajo en esculturas. Las obras estaban hechas de aluminio y madera y la temática era una continuación de la de los años 70: su madre en bicicleta, gatos, jarrones con flores y varios elementos de naturaleza muerta.
En los años siguientes, Gerstein expuso en dos galerías principales, Sara Gilat y Ruth Debel , con trabajos que reflejaban la continua "búsqueda" del artista de un nuevo lenguaje que integrara la pintura y la tridimensionalidad.
En 1984, Gerstein viajó a Nueva York, la primera vez desde que había concluido sus estudios allí quince años antes, y comenzó a trabajar con la marchante de arte Marilyn Goldberg, quien encargó la producción de seis impresiones de aluminio de edición limitada tituladas "Art Cats". La serie incluía recortes de gatos inspirados en los de doce artistas conocidos, desde Van Gogh hasta Picasso y Lichtenstein. A raíz de estas obras, Gerstein fue invitado a exponer en el Museo de Israel en Jerusalén. La exposición de 1987 se presentó bajo el título "De Dudu a 3-D", que comprendía esculturas que eran "coloridas, alegres, divertidas y recordaban a juguetes o recortes de papel". [5] La exposición era un resumen del trabajo tridimensional de Gerstein de los siete años anteriores y fue un gran avance para el artista. La mayoría de las obras expuestas fueron adquiridas por coleccionistas internacionales y Gerstein fue posteriormente invitado a exponer en Estados Unidos y Canadá.
Mientras continuaba desarrollando su escultura en los años 90, Gerstein volvió a la pintura en el estilo que constituyó un vínculo directo con los balcones y la serie del Mar Muerto, representada en los años 70 y 80. La serie de automóviles creada durante este período presenta a personas viajando en un automóvil desde la perspectiva del espectador que "espía" a los pasajeros a través del parabrisas delantero. Similar al motivo del espionaje a los balcones de Tel Aviv, aquí también, Gerstein eligió la perspectiva del forastero que mira al conductor a través del parabrisas, al mismo tiempo que refleja el entorno en los reflejos en el parabrisas. La serie fue creada en París durante la residencia de Gerstein en la Cité internationale des arts , 1990-1991. [3]
En 1995, después de años de trabajar con madera, Gerstein descubrió la tecnología del corte por láser y comenzó a cortar metales y a pintarlos con pintura brillante procedente de la industria automovilística. Para ello colaboró con la galería Rosenfeld de Tel Aviv. [3]
Al principio, empezó a trabajar con acero recortado de una sola capa. Debido a que el metal requería pintura industrial, en su mayoría a base de colores primarios, Gerstein se sintió atraído por los colores primarios brillantes.
Poco después de empezar a trabajar con una capa de corte láser, empezó a experimentar añadiendo una capa adicional de metal recortado. Utilizando tornillos, fijó la segunda capa a la primera y de inmediato se sintió "enamorado" de la técnica: "Desde el principio intenté crear pinturas tridimensionales, lo que me llevó a las esculturas de madera a principios de los años 80. De repente, quince años después, finalmente encontré la forma perfecta de crear una pintura tridimensional, flotando sobre la pared, respirando, viviendo. Fue, para mí, un momento eureka. Supe desde ese momento que me gustaría seguir desarrollando este medio". [3]
Poco después, Gerstein comenzó a crear estas esculturas de pared recortadas de varias capas en ediciones limitadas. No obstante, estas ediciones limitadas estaban pintadas a mano y, por lo tanto, cada una de ellas era única y original. [18]
Gerstein es conocido por sus esculturas al aire libre, muchas de las cuales están instaladas en plazas de la ciudad o junto a edificios públicos. Sus esculturas se pueden encontrar en todo Israel: diez esculturas en Netanya, doce esculturas en Herzliya, esculturas a gran escala en el campus de la Universidad Hebrea de Jerusalén y la Universidad de Tel Aviv , Avdat , el Jardín de Esculturas Yoav Dagon en Ramat Hasharon , escultura conmemorativa en Yahud y una escultura conmemorativa en Beit Hashanti en Mitzpe Ramon , Facultad de Agricultura de la Universidad Hebrea en Rehovot , Raanana, Ramat Alon en Haifa, Holon, Kiryat Yam, Ramat Gan, Ashkelon, Mevaseret, Modi'in y otros.
Fuera de Israel, Gerstein es conocido por sus esculturas coloridas a gran escala, entre las que se incluyen Roman Warrior en Bromford, Londres; en el Raffles Place de Singapur ; en el estadio deportivo y centro comercial de Hsinchu , Taiwán ; en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Tainan , Taiwán; once esculturas en el Science Park de Taichung , Taiwán; seis esculturas al aire libre en el edificio Morgan Stanley de Seúl , Corea; Star City en Seúl; cinco esculturas en un parque de Guizhou , China; esculturas en un hospital de Taikang, Pekín, China; y "Tea for Two" en la provincia de Fuliang, China.
Su escultura en el distrito comercial de Singapur tiene 18,5 metros de altura y se considera la escultura más alta de Singapur.
A partir de los años 70, Gerstein aspiró a crear arte que hablara al mundo del arte y al mismo tiempo fuera accesible al ciudadano común. Su uso audaz del color surgió de un deseo de "copiar la naturaleza". Su uso audaz de los colores en las esculturas surgió de su propia filosofía. Gerstein explicó que, al igual que la fruta o la flor de colores brillantes en la naturaleza atraen a los insectos, también su obra tenía la intención de ser atractiva para el observador; y como la fruta no es solo un objeto de atracción, sino también una fuente de vitaminas, sus obras también contienen un valor añadido. "Trato expresamente con imágenes de consumismo y el atractivo del color es estratégico". Su obra "Shoe Mania", que retrata a una mujer cuyo cabello está compuesto de zapatos, es colorida pero expresa una crítica al consumismo occidental. Gerstein sostiene que "puede haber arte por placer en el que se esconda su mensaje más profundo".
Otro principio rector en el trabajo de Gerstein es salir de los límites de la galería: "Quiero romper la división antinatural entre el museo y la calle".
El uso que hace Gerstein de colores vibrantes y brillantes ha sido calificado de «decorativo» y «comercial». Gerstein dice: «Las formas y los colores en mi obra son mi manera de comunicar. Quienes prueben la fruta descubrirán que no sólo es hermosa, sino que también está repleta de vitaminas. Mi obra El círculo humano se parece a una enorme flor o ramo, pero debajo de la superficie hay una crítica tácita de la vida humana; la idea de que no venimos de ninguna parte, no vamos a ninguna parte y, mientras tanto, estamos dando vueltas en círculos, persiguiendo nuestras colas. Quien elija ver la obra como un ramo decorativo, será bienvenido. Pero si observas a los personajes que componen El círculo humano , verás que no son bonitos. De hecho, son incluso feos. Pero el cuadro general es hermoso y seductor». [18]
