Diana Guerrero-Maciá (nacida en 1966) es una artista estadounidense que trabaja en su estudio y que ha producido pinturas, obras en papel, grabados y esculturas. [1] [2] [3] Es conocida por sus pinturas híbridas o "sin pintar": obras construidas con calados de tela, collage, costura y tinte que derriban los límites entre los campos de la pintura, la fibra y el diseño y desafían las distinciones entre el arte "elevado" y la artesanía. [4] [5] [6] [7] Su obra, en gran parte abstracta, muestra y revisa múltiples materiales, símbolos y tipografías, y elementos gráficos como cuadrículas, rayas y formas arquetípicas para interactuar con el color, la iconografía y diversos movimientos y convenciones culturales. [8] [9]
Guerrero-Maciá ha expuesto en muestras individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MCA), [10] Artpace [11] y el Museo de Arte de South Bend , [12] y exposiciones colectivas en el Museo de las Artes del Bronx , [13] el Museo de Arte Crocker [14] y el Centro de Artes John Michael Kohler (JMKAC), entre otros. [15] En 2021, recibió una beca Guggenheim , luego de premios anteriores de organizaciones como la Fundación Louis Comfort Tiffany y MacDowell . [16] [17] [18] Su trabajo pertenece a las colecciones permanentes del Museo Crocker, [14] el Museo de Arte Jordan Schnitzer , [19] y el Museo de Arte de South Bend. [12] Guerrero-Maciá es profesora en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago . [20]
Guerrero-Maciá nació en 1966 en Cleveland, Ohio, de padres inmigrantes cubanos. [17] [21] Su madre era profesora de literatura española y quilter y su padre ingeniero de diseño industrial e inventor. [21] Obtuvo una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Villanova en 1988, luego pasó un año trabajando en temas de justicia social en el área de San Francisco con el Cuerpo de Voluntarios Jesuitas . [22] [20] En 1990, se inscribió en estudios de posgrado en la Academia de Arte Cranbrook , donde su trabajo pasó de una pintura figurativa en gran parte narrativa a un trabajo no tradicional que involucra textiles, procesos artesanales, collage y apropiación, y la influencia de la poesía lírica. [21] Después de recibir una maestría en Bellas Artes de Cranbrook en 1992, se le otorgó una residencia en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan , donde desarrolló relaciones con otros artistas que la alentaron a mudarse a Chicago más tarde ese año. [22] [20] [21]
Guerrero-Maciá tuvo exposiciones individuales tempranas en Artemisia Gallery y Contemporary Art Workshop en Chicago y Forum for Contemporary Art en St. Louis. [17] [23] [6] [3] [7] En 2001, se unió a la facultad de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC) después de enseñar en la Escuela de Arte de la Universidad de Washington en St. Louis (ahora Sam Fox School of Design & Visual Arts ) de 1997 a 2001. [24] Ha enseñado en los departamentos de Estudios de Fibras y Materiales y Pintura y Dibujo en SAIC, desempeñándose como presidenta del primero de 2016 a 2019. [20] [24]
Los críticos sitúan la obra de Guerrero-Maciá en la intersección de la pintura, la fibra, el diseño y las tradiciones del arte conceptual, señalando su difuminación de tales límites y el rechazo de binarios como el modernismo "alto" o la artesanía, la severidad formal o el humor kitsch, las formas geométricas, duras o biomórficas, flexibles, lo metafísico o lo cotidiano. [23] [6] [3] [7] Trabaja en medios bidimensionales y tridimensionales, con una larga historia de técnicas híbridas que incluyen collage, ensamblaje, costura y teñido, muestreo y apropiación inspiradas en el trabajo de artistas como Robert Rauschenberg y el movimiento Pattern and Decoration . [21] [3] [7]
Sus pinturas híbridas, que abarcan collages de papel y textiles cosidos a mano y objetos y ropa recuperados, emplean una estética de patchwork de dos maneras: formalmente, utilizando textiles como pintura, como vehículo para el color, la textura y la profundidad; y como un método para muestrear estilos, gráficos, símbolos de identidad, historias y experiencias vividas. [25] [4] [3] El vocabulario resultante aborda temas que involucran el lenguaje visual y verbal, el género de los géneros artísticos, la etnicidad y la raza, el cuerpo y las cuestiones sociales, a menudo adoptando la iconografía histórica (por ejemplo, tapices millefleur medievales , movimientos radicales del siglo XX como el suprematismo ruso , la contracultura de los años 60 y el punk rock ) informados por las corrientes sociales contemporáneas. [9] [3] [25] El crítico de la Costa Oeste DeWitt Cheng escribió que Diana Guerrero-Maciá entretejió hilos culturales variados (el "arte de mujeres" decorativo revalidado, el arte basado en textos y palabras, la polinización cruzada de la era digital) en "muestras nacidas del muestreo, metáforas de corrientes errantes de conciencia, pero también artefactos satisfactorios". [6]
En exposiciones en el MCA Chicago (2003), Artpace (2005) y Bodybuilder & Sportsman Gallery (2003, 2006), Guerrero-Maciá presentó obras textiles y collages cosidos a mano basados en texto que se comparaban con notas de rescate, señalización comercial y el trabajo de los artistas Ed Ruscha y Jenny Holzer . [10] [11] [1] [6] Compuestas en gran parte por palabras con formas de letras cosidas, coloreadas y formadas de manera diferente, citaban películas, canciones y literatura, titulares de periódicos y discursos coloquiales, a menudo declaraciones que involucraban amor y guerra, en arreglos desafiantes que usaban mezclas o rupturas de palabras extrañas para alterar significados. [1] [26] [21] El crítico del Chicago Tribune Alan Artner escribió que el medio de fibra y su técnica cosida creaban una sensación "ligeramente sorprendente" de extrañeza inalcanzable en la pintura y en desacuerdo con los sentimientos vagamente familiares que se reproducían. [1]
En su muestra "Devoured by Symbols" (Tony Wight, 2008), Guerrero-Maciá recontextualizó textos incongruentes, familiares o banales y, cada vez más, imágenes mediadas en obras cosidas y multitextiles que reelaboraban lúdicamente las convenciones de la pintura invocando lo sublime: paisaje, retrato, narrativa, abstracción (por ejemplo, The Tempest , Like a Rainbow ). [8] [23] [27] En la obra a gran escala, The Bigger Picture , operó como una poeta concreta, creando una montaña visual a partir de las letras que componen la palabra "montañas". [23] New City describió la muestra como una "convergencia de tipografía... imágenes que hacen sentir bien, materialidad difusa y citas trágicamente románticas" que evocaban ansiedad política contemporánea y una sensación de "buenos deseos incumplidos". [8]
En la década de 2010, en exposiciones en Traywick Contemporary (Berkeley), el South Bend Museum of Art y Carrie Secrist (Chicago), entre otros, Guerrero-Maciá gradualmente cambió el énfasis del texto hacia símbolos prestados y formas arquetípicas que cortó, tiñó y cosió en composiciones geométricas audaces. [5] [28] [12] [25] [29] Al igual que sus piezas de texto, estas obras conectaron íconos omnipresentes (en este caso, caras sonrientes, arcoíris, objetivos, mariposas, corazones) con referencias históricas del arte a través de esquemas gráficos, utilizando diagramas o gráficos para revitalizar sus significados y plantear preguntas a través de referencias personales y culturales crípticas (por ejemplo, sus obras "Slow Blossoming", 2016). [30] [6] [28] [31] Entre esos significados había mensajes incrustados en los laboriosos procesos deliberadamente analógicos y hechos a mano de la obra y en los materiales táctiles, relacionados con la igualdad de género y sexual, las preocupaciones ambientales y militares, la especulación cósmica y las jerarquías del arte y la artesanía. [5] [2] [25]
La muestra de Guerrero-Maciá "Hermanos del Sol" (2015) exploró la teoría de que los universos desconocidos fueron creados por el Big Bang , y su pieza central fue una serie de cincuenta pequeños collages con colores brillantes y formas geométricas simples que DeWitt Cheng describió como "una metáfora adecuada para el cosmos del arte actual: pluralista, híbrido y lleno de contradicciones flotantes". [2] Su edición de grabados "The Beautiful Girls" (2018) presentó diversas representaciones de género y etnicidad a través del motivo visual de los ojos, inspirado en los fotomontajes del Museo Etnográfico de Hannah Höch de la década de 1920. [9] En la muestra “La hija del diablo se casa” (Secrist, 2020) y obras como Always the Sun (An Intersectional Sunrise) (JMKAC, exposición “High Touch”, 2021), Guerrero-Maciá presentó collages de papel y monumentales campos cuadriculados de tela cortada ornamentados con accesorios tridimensionales y motivos gráficos familiares, que exploraban el placer visual de la decoración, así como narrativas sutiles sobre las ambiciones de la abstracción modernista, la costura y el feminismo, el mito y su educación cubana. [4] [7] [15]
Guerrero-Maciá ha recibido becas de la Fundación John S. Guggenheim (2021), el Consejo de las Artes de Illinois (2019) y MacDowell (2022, 2004, 1998) y un premio de la Fundación Louis Comfort Tiffany (2001). [32] [33] [18] [34] [17] Ha recibido encargos de arte público del Fondo de Arte Público de Nueva York y del Departamento de Asuntos Culturales de Chicago. [35] [36] [27] Su obra ha sido adquirida por las colecciones de arte público de corporaciones, universidades y museos, incluido el Museo de Arte Crocker, [14] el Museo Davis en Wellesley College , [37] el Museo de Arte Jordan Schnitzer [19] y el Museo de Arte de South Bend. [12]