Delia Cugat (nacida en 1935) es una artista argentina que ha vivido y trabajado en París durante la mayor parte de su carrera profesional, con su pareja Sergio Camoreale, también un conocido artista argentino. Cugat es uno de los miembros fundadores del grupo de arte gráfico Grabas. El trabajo de Cugat abarca el mundo cotidiano solitario de Edward Hopper , la reflexión pictórica de Balthus y la idea cubista de composición de Jacques Villon . Ella tiene su propio mundo de significados y se ha establecido como perteneciente al de los grandes latinoamericanos. [1]
Cugat nació en Argentina en 1935. [2] Desde finales de la década de 1950, Cugat ha estado buscando un medio de autoexpresión. Comenzó cuando era muy joven, estudiando en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires . En 1958, ingresó al mundo del teatro, donde realizó escenografías, diseñó vestuario e incursionó en la dirección de obras y ballets. [3] Un viaje a Europa unos años más tarde la llevó a continuar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes. Mientras estuvo allí, hizo un aprendizaje con el reconocido artista argentino Horatio Butler y aprendió mucho de él. Más tarde, durante dos años, trabajó en los Estudios del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro . En la década de 1970 regresó a Buenos Aires y con otros tres artistas, Pablo Obelar, Daniel Zelaya y Sergio Camporeale, fundó el Grupo Grabas. Como grupo de artes gráficas, el grupo Grabas tenía acceso total a un taller de grabado en Buenos Aires, lo que les permitió explorar una amplia gama de medios de impresión, incluidos el aguafuerte, la litografía y la serigrafía. El grupo Grabas participó activamente en presentaciones de grabado en universidades y talleres en toda América del Sur, con un enfoque particular en Argentina, Colombia y Venezuela. [4] Finalmente, el grupo se mudó a París en busca de fama y fortuna. [5]
Como integrante del Grupo Grabas, que revolucionó el concepto de obra gráfica, Cugat es considerada una de las artistas pioneras de América Latina. En su pintura de 1990, Turbulencias Escuela Argentina, Delia expresa la turbulencia que sentía mientras estudiaba en la escuela de arte. Aquí ha pintado, utilizando pinceladas rápidas y pictóricas, un paisaje onírico en remolino con la imagen de una niña vestida con su camisón, en el acto de correr a través de su sueño, pero de alguna manera incapaz de escapar de la rueda. La esencia de su arte reside en la estructura de la composición con sus pinceladas pacientes, que buscan un mundo sensible de tonos modelados y masas estructuradas. La acción parece inventada, ficticia, creada simplemente para dar existencia a la imagen, en una especie de proyección sentimental sobre un paisaje especialmente estructurado. Es sobre la base de este tejido ficticio, la confluencia de superficies, direcciones y personajes que Cugat logra liberar los elementos plásticos de su arte. [6]
El trabajo de Cugat ha experimentado una importante transición desde sus primeros años en Argentina hasta la actualidad. En sus inicios utilizó técnicas gráficas mixtas como forma de expresar sus recuerdos o los sentimientos asociados a ellos. Su obra en esa época estaba estructurada con muy pocos elementos para no distraer del mensaje general. Un buen ejemplo de esta simplicidad estilística es su pieza titulada Las Moradas de 1973. [7]
A principios de los años 1980, tras mudarse a París, Francia, Cugat comenzó a trabajar principalmente al óleo. Las obras creadas en este período tenían un tono apagado, en su mayoría tonos de marrón y gris, y representaban escenas tranquilas y reflexivas. Una de esas obras, Desde el Mirador , de 1980, representa a un hombre en el fondo, de espaldas al espectador, mirando, como sugiere el título, a una especie de área de observación pintoresca. La escena está dominada por elementos arquitectónicos que separan al espectador de la figura. La pintura tiene una sensación de melancolía que definirá la obra de Cugat en los años venideros. [8]
A finales de los años 1980 y principios de los 1990, su obra comenzó a incorporar esquemas de colores atrevidos y vibrantes. Continuaría utilizando colores vibrantes durante el resto de su carrera. Además, comenzó a fracturar sus pinturas de manera cubista y comenzó a utilizar pinceladas más sueltas. Un buen ejemplo de estas nuevas técnicas es una obra de 1991 titulada L'adiau . En esta pieza, Cugat representa un recuerdo de viaje y lo combina con un sentimiento de separación. Dos figuras dominan esta escena, parecen despedirse una de la otra pero están muy alejadas una de la otra, resaltando efectivamente tanto la tristeza de la separación como el sentimiento de ambigüedad. [9]
En el arte de Delia hay una especie de magia omnipresente: playas azotadas por el viento, puertos marítimos con olas encrespadas, escenas de caída libre e interiores decadentes. En su interior, una humanidad intrigante: hombres y mujeres jóvenes apasionadamente entregados a alguna ocupación: antes, estaban inmersos en conversaciones interminables, ahora están frecuentemente solos en compañía. Algunos abandonan la escena, haciendo su salida a grandes zancadas, otros agazapados en un sillón Art Decó, ligeramente geométrico e incómodo, mostrándonos un perfil fugaz o estable. [10] […] De ahí emana una sensación de profunda y moderna melancolía: ahora ya añoramos lo que ocurrió hace apenas medio siglo. (Esta sección hace referencia al peronismo) Si hubiera música en estos cuadros, como podría haberla, sería la de Revel o la de Stravinsky, o bien el jazz. En cuanto al color, abunda, lo justifica todo: esquemas congelados de azules, grises intensos, pizarra, ocres oxidados. Y tramos de escaleras que no llevan a ninguna parte, juguetes antiguos, suelos de baldosas métricas, ropa tirada en todas direcciones, a veces apartada para revelar el cuerpo desnudo de la mujer; no es erótica, hay demasiada ansiedad en la escena que espiamos a través del ojo de la cerradura para que alguien piense en la sensualidad de la piel.
— Damián Bayón [11]
Lo que sigue es una cita directa de Cugat sobre su perspectiva personal y las influencias relativas en y sobre su trabajo:
Creo que la idea está directamente relacionada con la memoria y la imaginación, ya que siempre he creído que la memoria está mucho más cerca de la imaginación que de la realidad. Es como si yo trabajara desentrañando un recuerdo interior de una escena, o de una atmósfera, o de un personaje, y de ahí intentara extraer la sensación, la emoción que sentí en ese momento: a través del color y de la luz. Pero no tengo una visión previa de cómo será el cuadro. Es muy difuso cuando llega a la mente, luego, poco a poco, se va desarrollando como una conversación, a medida que avanza el cuadro. Tiene mucho que ver con la memoria y la imaginación, una revelación estética. El contraste me parece fascinante. Empiezo aplicando los colores más neutros y si sigo así terminaré con un cuadro en medias tintas, lo que puede desesperarme. Así que, en ese punto, subrayo la luz y la sombra y, como tiendo a exagerar, la luz siempre tiene una connotación extraña. Exijo más de lo que es natural esperar. En consecuencia, en un mismo cuadro se encuentran: tonos turquesas, rojos, amarillos y naranjas que poco tienen que ver con el plan original, que era tener un cuadro apagado. Entonces se ve que esos toques de color son como agujeros en el lienzo, verdaderas aberturas o ventanas. Me gusta mucho el azul, es un color difícil, pero utilizo mucho los tonos turquesas y los grises neutros, necesito el azul como una fuerza capaz de dar vigor al cuadro. [12]