David Sharpe (nacido en 1944) es un artista estadounidense, conocido por sus pinturas estilizadas y expresionistas de figuras y paisajes y por sus primeras obras de abstracción orgánica y densa. [1] [2] Se formó en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y trabajó en Chicago hasta 1970, cuando se mudó a la ciudad de Nueva York, donde permanece. [3] Sharpe ha expuesto en el Museo Whitney de Arte Americano , el Instituto de Arte de Chicago , el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MCA), el Centro de Dibujo , el Museo Aldrich de Arte Contemporáneo , el Museo de Arte de Indianápolis y el Centro Cultural de Chicago , entre muchos otros. lugares. [2] [4] [5] [6] Su trabajo ha sido reseñado en Art in America , [7] ARTnews , [8] Arts Magazine , [9] New Art Examiner , [10] The New York Times , [11 ] y el Chicago Tribune , [12] y ha sido adquirido por instituciones públicas como el Instituto de Arte de Chicago, [13] Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno , [14] MCA Chicago, [15] Smart Museum of Art , [16] y el Museo de Arte Mary and Leigh Block , entre muchos. [17]
El crítico Dennis Adrian dividió la obra de Sharpe en dos períodos: obras abstractas orgánicas que mezclan las tradiciones de Kandinsky , Miró y el arte pop —incluidas algunas que sugieren paisajes— y obras protagonizadas por la figura, que incluyen varios modos estilísticos. [1] La curadora de MCA Chicago, Lynne Warren, escribió que las primeras pinturas de Sharpe representan "un importante cuerpo de trabajo abstracto" completado mientras el imaginismo de Chicago era el estilo predominante en la ciudad; [2] Jane Allen, del New Art Examiner , los describió como una cepa clave del arte de Chicago en "el filo de la navaja entre el funk al estilo de Chicago y la abstracción estadounidense dominante". [18] Al hablar de sus obras figurativas posteriores, críticos como Stephen Westfall de Arts Magazine han señalado el "gran alcance de su síntesis" de diversas fuentes artísticas del siglo XX, sus superficies pictóricas y su hábil uso del color intenso. [9] [19] [20] En una reseña de la retrospectiva de Sharpe de 1990, Frank Lewis escribió que mucho antes de que el término "posmodernismo" se convirtiera en un lema, Sharpe estaba "tomando prestado de la historia en una especie de asociación libre de referencias visuales" que forman una "mezcla perfecta de aprendizaje, ironía y falsa ingenuidad". [21]
Sharpe nació en 1944 en Owensboro, Kentucky . [22] Estudió en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (BFA, 1966; MFA, 1968) con profesores como Whitney Halstead y Ray Yoshida , en una época de fermento artístico durante la cual surgieron por primera vez Hairy Who y Chicago Imagism, una periodo formativo que influyó permanentemente en su obra. [2] Sharpe, que ya exponía como estudiante en 1964, atrajo mucha atención en 1968, con obras abstractas complejas y de gran escala como Universe (1968), que se exhibió públicamente en el Smart Museum, y su inclusión en importantes exposiciones en el Art Instituto de Chicago y Sociedad del Renacimiento . [2] [1] El influyente crítico de Chicago Dennis Adrian defendió el trabajo de Sharpe en ese momento, [3] describiéndolo como inusualmente dueño de sí mismo, confiado y "completamente formado" cuando aún estaba en la escuela. [23] [1]
Sharpe se mudó a Nueva York en 1970, donde participó en exposiciones individuales en las galerías GW Einstein, Artists' House y Pam Adler. También apareció en importantes exposiciones en el Museo de Arte de Toledo (1977), el Museo Aldrich de Arte Contemporáneo (1977, 1985), The Drawing Center (1978, 1982, 2002), el Museo de Arte de Cincinnati (1979), el Museo Whitney (1981). , Hallwalls (1981), Museo de Arte de Indianápolis (1982) y Museo de Arte de la Universidad de Indiana (2015). [5] [4] [24] [17] También continuó exponiendo extensamente en Chicago en importantes exposiciones en el Art Institute (1976), el Chicago Cultural Center ("Masterpieces of Recent Chicago Art", 1977), MCA Chicago (" Selecciones de la Colección Dennis Adrian", 1982; "Art in Chicago 1945-1995", 1996) y Hyde Park Art Center ("The Big Pitcher: 20 Years of the Abstracted Figure in Chicago Art", 1983), así como exposiciones individuales en las galerías Douglas Kenyon, Sonia Zaks (1978-2003), Printworks y Carl Hammer. [2] [5] [17] Se han realizado retrospectivas de él en la Universidad de Wisconsin, el Museo de Arte de Milwaukee (1990) y el Museo de Arte y Artesanía de Kentucky (2011). [5] [17] Además de crear arte, Sharpe ha formado parte del consejo asesor de The Painting Center en Nueva York desde 2006. [25]
Sharpe está casado con su esposa, la pintora Anne Abrons, desde 1979. [26] Tienen dos hijos y dos nietos. [26] Sharpe y Abrons viven y trabajan en la ciudad de Nueva York. [11]
El trabajo de Sharpe fue reconocido muy temprano en su carrera por su sofisticación formal y madurez, lo que algunos críticos sugieren que le proporcionó la confianza y credibilidad para desarrollarlo en cambios estilísticos relativamente dramáticos. [1] A pesar de los cambios de estilo, sus obras han sido constantemente reconocidas por su dominio del color, manejo de la pintura, composiciones complejas y una amplia gama de estrategias formales. [18] [9] [27] Los críticos también han notado su uso cada vez más libre de alusiones y estrategias históricas del arte que abordan la pintura como un proceso de visión, mediado por la memoria y el conocimiento cultural. [21] [9] [20] El trabajo de Sharpe se puede organizar en tres cuerpos relativamente distintos: 1) Abstracción orgánica (1967-1973); 2) Paisajes abstractos (principios de los años 1970-1979); y 3) Trabajo representacional abstracto (finales de la década de 1970–). [1] [2]
Cuando Sharpe dejó SAIC, estaba creando obras abstractas complejas y vibrantes que se destacaban por sus colores brillantes, composiciones muy agrupadas y una mezcla aventurera de estrategias formales. [22] [28] Pinturas como Three (1970, arriba) combinaron formas biomórficas y abstractas superpuestas de colores y patrones que escribieron los críticos, explotaron en el lienzo antes de quedar contenidas en los bordes con un fondo de un solo color. [2] [3] Dennis Adrian describió las pinturas como si contuvieran tanto incidente visual que los espectadores no podían asimilar su totalidad ni "agotar sus placeres", mientras que Jane Allen notó su "efecto caleidoscópico de formas y colores en movimiento". [29] [18]
A pesar de ser abstractos, los primeros trabajos de Sharpe a menudo se han relacionado con los Imagists de Chicago (en 2006, apareció en un programa titulado "Abstract Imagist"). [18] [30] [31] Allen identificó a Sharpe como un defensor clave de una cepa del arte de Chicago: una mezcla orgánica de imaginismo y abstracción estadounidense convencional; [18] otros han notado elementos del arte pop y una clara conexión con la tradición modernista de pintores como Kandinsky, Klee, Miró y Gorky. [2] [23] Joanna Frueh de Art in America sugirió que los experimentos formales de Sharpe eran una búsqueda para hacer realidad la inspiración experimentada por los primeros modernistas y los expresionistas abstractos, dentro de un lenguaje independiente que rivalizaba con ellos pero no los imitaba. [7] [18]
A principios de la década de 1970, Sharpe comenzó a crear obras rítmicas y abstractas compuestas de puntos, rayas, garabatos y sombreados repetidos y de colores brillantes, como Untitled Landscape (1970), que los críticos describieron como "paisajes" puntillistas o caligráficos y vinculados al neo- paisaje. Impresionismo . [32] [3] [29] [33] Menos contenidas que sus obras anteriores y carentes de un único punto focal, estas composiciones aún complejas presentaban un mosaico de viñetas distribuidas lateralmente en formatos que estaban unificados por el color y el ritmo. [32] Sharpe hizo un uso extensivo del blanco del lienzo y del papel, realzando el impacto de las marcas expresivas realizadas con una "espontaneidad controlada" que recuerda a Kandinsky en su movimiento, lirismo y viveza. [34] [35] [36] [37]
Basadas en dibujos que representan la experiencia de Sharpe del paisaje del medio oeste estadounidense, [34] [1] las pinturas parecían principalmente abstractas excepto por sus composiciones, que sugerían panoramas de montañas, ríos y geografía, contemplados desde arriba, y las marcas, que parecían hacer referencia a la arquitectura. y signos y símbolos topográficos. [10] [3] [33] Mary Jane Jacob escribió que, en lugar de representaciones literales, las pinturas funcionaban como compuestos o "gráficos imaginativos" de lugares imaginarios. [3] Joanna Frueh los describió como un "cumplimiento lírico" de la visión de Sharpe que se asemejaba a un "vasto organismo integrado" que expresaba unión, satisfacción, flotabilidad y alegría. [7]
Sharpe introdujo figuras de manera un tanto controvertida (frecuentemente basadas en su esposa, Anne Abrons) en su trabajo a fines de la década de 1970, un desarrollo que el crítico William Zimmer, entre otros, llamó "una apuesta artística cuyo resultado aún está en juego". [33] [38] [7] Inicialmente, puntuaba sus vertiginosas composiciones con pequeñas ninfas parecidas a Matisse, a menudo ocultas. [1] [7] Sin embargo, en 1979, la figura surgió como su tema principal, con los paisajes estampados retirándose a un segundo plano o a cuadros colgados en las paredes interiores. [3] Estas nuevas obras, como The Bath (1981) [39] o the pastoral Bathers (1982), emplearon diversas alusiones históricas del arte: los interiores de Matisse; las anatomías distorsionadas del cubismo y el arte no escolarizado; las odaliscas de Ingres , Delacroix y Manet y los monumentales bañistas masculinos de Picasso; y el color agudo y la extrema angularidad del imaginismo. [3] [10] [40]
Al principio, las opiniones críticas fueron mixtas. Algunos críticos sintieron que los paisajes sufrieron cuando se introdujeron las figuras [37] o se preguntaron si la "pequeña fantasía enérgica" podría desgastar su bienvenida entre los admiradores de Sharpe. [34] Sin embargo, el crítico y artista de Arts Magazine Stephen Westfall escribió: "La incursión de Sharpe en el arte del siglo XX se ha vuelto más bulliciosa y su manejo de la pintura más atrevido", mientras que David Elliott del Chicago Sun-Times los encontró "deportivos" en su mezcla de color provocativo, humor, lecciones de historia, kitsch y conocimiento. [9] [38]
Sharpe amplió su repertorio a mediados de la década de 1980 con motivos de la literatura, la mitología y la cultura popular premodernistas. [36] En obras como Demeter (1985), que la crítica del New York Times Grace Glueck destacó por su sátira inexpresiva y su ironía camp, abordó los aspectos voyeuristas y teatrales de mirar y leer arte. [4] [21] Más adelante en la década, creó su serie " Guadalupe ": escenas radiantes de islas tropicales basadas en recuerdos de las playas, la vida en los cafés y las actividades agrícolas allí. [41] Representadas en un estilo "falso naif" , con composiciones típicamente complejas en forma de friso que hacen referencia a Poussin , Millet y los pintores de género holandeses del siglo XVII , estas pinturas fueron consideradas algunas de las más satisfactorias que Sharpe había creado. [41] [19] [2] Alan Artner, alguna vez escéptico del cambio figurativo de Sharpe, encontró las obras más decorativas bellamente integradas, con un sentimiento idílico y tranquilo que acogió con agrado sobre los temas más oscuros que Sharpe había estado explorando. [19]
En las siguientes décadas, Sharpe reelaboró sus temas y elementos en nuevas direcciones. A principios de la década de 1990, transportó los colores intensos y los patrones de las obras de "Guadalupe" tanto a entornos urbanos como a paisajes agrícolas, [42] [43] y volvió a la marca de sus paisajes de la década de 1970 en retratos "neofauvistas " de sí mismo. y su esposa, Ana. Generalmente frontales y centrados en cabezas expresionistamente distorsionadas, los retratos evocaban a Picasso en sus poses y dislocaciones, y a Matisse en el color y los ambientes interiores. [44] [12] Desde mediados de la década de 2000 en adelante, el dibujo de Sharpe se hizo más visible, tanto dentro de sus pinturas como en obras expuestas en papel. [27] [45] La crítica Margaret Hawkins y otros han descrito sus interiores figurativos posteriores (p. ej., 9/10/15 , 2015), como si tuvieran una "inmediatez rasposa" casi violenta que crea tensión psicológica en entornos domésticos que de otro modo serían serenos. [46] [47] Alan Artner los consideró entre los pasajes más libres e infantiles de la obra de Sharpe, a pesar de las marcas frenéticas. [27] En los últimos años, Sharpe también ha regresado al paisaje, en pinturas como 26/02/14 (2014), aportando marcas directas y expresivas a un reexamen contemplativo de la experiencia cotidiana del lugar. [48]
El trabajo de Sharpe reside en numerosas colecciones públicas, incluidas las de: Instituto de Arte de Chicago, [13] Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno, [14] Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, [15] Museo de Arte Smart, [16] Mary y Museo de Arte Leigh Block, Museo de Arte de la Universidad de Indiana , Instituto de Arte de Minneapolis , Museo de Bellas Artes del Condado de Washington , Museo de Arte Everson , Museo del Estado de Illinois , Museo de Arte DePaul, [47] y Centro de Arte de Oklahoma , y Elmhurst College, [49 ] entre muchos. [5] [24] [17] Su obra también ha sido adquirida por numerosas colecciones corporativas. [5] [24] [17] En 2006, Sharpe recibió un premio de la Academia Estadounidense de Artes y Letras y un premio de pintura Adolph & Clara Obrig del Museo y Escuela de la Academia Nacional . [50] [17]