La serie de cuadros para la alameda de los duques de Osuna está compuesta por siete cuadros pintados por Francisco de Goya entre 1786 y 1787. La finca de los duques, que fueron mecenas y amigos del pintor, era conocida como El Capricho , y fue situado en las afueras de Madrid . [1]
Todo el conjunto de obras está íntimamente relacionado con los cartones para tapices —especialmente en los colores utilizados y en el panorama lumínico—, cuya quinta serie Goya finalizó poco antes de abordar este proyecto. Por entonces, el artista aragonés era un artista reputado en la corte y ya se había forjado una buena imagen en los círculos adinerados madrileños.
Las obras pasaron a manos de la Colección Marquesa de Montellano , que alberga también otras obras de Goya, donde permanecen hasta la actualidad. [2]
No deben confundirse con otros cuadros pintados por el artista, también para los Duques de Osuna, en los años noventa. Aunque también adornaron la casa de campo de los duques, la crítica ha coincidido en denominar esta serie como "el sueño de la razón" por los temas de brujería que presenta.
La condesa de Benavente y duquesa de Osuna, María Josefa Pimentel y su marido, el duque Pedro de Alcántara Téllez-Girón y Pacheco , formaron una de las parejas más cultas y activas de los círculos ilustrados madrileños. Goya, que contaba entre sus amigos con Leandro Fernández de Moratín y Juan Meléndez Valdés , era miembro de estos círculos. [1]
Al contactar con el pintor, los duques quedaron impresionados por la facilidad con la que realizaba los cartones y, tras entablar una estrecha amistad, sus ahora mecenas le pidieron que realizara una serie de cuadros para decorar su villa. El aragonés aceptó y comenzó la ejecución de las obras de la Alameda de Osuna tras finalizar su quinta serie de cartones.
El 22 de abril de 1787 las pinturas fueron trasladadas desde la casa de Goya, acreditada en la factura como "Juan Goya", a la villa de Osuna. [3] El pintor recibió 22.000 reales por las obras y por un retrato perdido de los hijos de los duques. Un tal Joaquín Gómez fue el encargado de pagar a Goya su obra. [4]
Los duques encargaron a Goya pintar lienzos con temas similares a los que el artista aragonés había tratado en los cartones que entregó a la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. A pesar de ello, esta serie tiene serias diferencias estéticas con los dibujos animados. Las figuras son de menor tamaño, acentuando el carácter teatral y rococó del paisaje. Goya puede demostrar aquí su conocimiento de lo Sublime Terrible , corriente definida años antes por Mengs. [5]
Pero sobre todo hay violencia en estas pinturas, que se diferencia radicalmente de la atmósfera inofensiva de los dibujos animados. El mayor ejemplo de ello es La Caída , donde una mujer sufre heridas tras caer de un árbol. En Stagecoach Hijacking , se ve a un hombre herido de bala mientras un grupo de ladrones asalta a los pasajeros del coche. [6]
En el cuadro El movimiento de una piedra se detalla la jornada laboral de un grupo de humildes trabajadores. La preocupación por las clases bajas es una de las principales características del prerromanticismo , cuyos ideales Goya había asimilado a través del contacto con artistas ilustrados como Jovellanos . El primer cuadro que hace referencia a esta faceta del pintor es El albañil borracho .
A lo largo de la serie prevalecen los temas rurales, tranquilos y amigables, similares a los de los dibujos animados. La gama cromática es armoniosa y agradable, aunque Goya, según Glendinning, cree que las escenas de ocio campestre deberían dejarse para las residencias situadas en las afueras de las grandes ciudades. [6]
Se presenta el mismo paisaje que Goya representó en sus obras para la Real Fábrica: las orillas del Manzanares y sus alrededores. Pero el hecho de que la violencia estalle en algunas escenas de esta serie sitúa a ambos decorados en polos extremos.
La cucaña está sólidamente ligada a obras de Goya como La cometa y algunas del neoclasicismo francés . Por su parte, Stagecoach Hijacking evoca La pelea en la Venta Nueva , pues ambas introducen una nota de violencia en medio de un paisaje agradable. Fue el segundo cuadro más caro de la serie (3.000 reales), aunque es de menor tamaño que El traslado de una piedra y la procesión del pueblo (2.500 reales). [7]
Al representar en sus pinturas a trabajadores de bajo estatus social, Goya enfatiza sus vicios, quizás insinuando que son la causa de su posición inferior en la sociedad moderna. [8]
Este elitismo vuelve a aparecer en Procesión de Pueblo , un cuadro que muestra una costumbre popular española arraigada en los pueblos, pero que había sido desdeñada por la Ilustración. Carlos III los prohibió en 1777, pero la medida tuvo poco efecto en las zonas rurales. Goya trata aquí con poco respeto al alcalde y a la mayoría de los ricos de la provincia, que parecen físicamente deformes. [9]
El crítico inglés reconoce en La tormenta de nieve y El albañil herido —así como su boceto, el citado El albañil borracho— realizados en aquella época, los precedentes más directos de estos lienzos. Por primera vez el artista introduce en sus cartones —que hasta entonces eran composiciones alegres y festivas— una nota alusiva a los "peligros", lo que sugiere que el pintor ya no cree en el estilo pictórico actual y desea desligarse de las costumbres impuestas. en las caricaturas. [10]
The Swing tiene su paralelo en una caricatura para tapiz realizada una década antes . Pero aquí, como en toda la serie, la pincelada es más vigorosa y no profundiza en los detalles, a diferencia de los tapices.
La cucaña y la Procesión del Pueblo representan escenas de la España rural, ambas fuertemente arraigadas en la iconografía del siglo XVIII. En Procesión de pueblo , las pinceladas desdibujadas permiten apreciar al máximo las fiestas patronales españolas, tan habituales en el ocaso del siglo.
Secuestro de diligencia es la más compleja de las composiciones de Goya para El Capricho. [11] Mitiga el efecto violento del robo a través de la disposición de las figuras, la composición y el cromatismo. Las tonalidades del paisaje contrastan con la gravedad del robo, que queda relegado a un segundo plano por la colocación del cadáver por parte de Goya en el ángulo inferior izquierdo. Claramente son los agresores los principales protagonistas de la escena. Pese a ello, dos tercios del lienzo están dedicados a retratar el paisaje de cielo límpido y exuberante vegetación, dedicándose el tercio inferior a captar el momento del robo.
