Petah Coyne (nacida en 1953) es una escultora y fotógrafa estadounidense contemporánea mejor conocida por sus esculturas colgantes e instalaciones de piso de gran y pequeña escala. [2] Trabajando con materiales innovadores y dispares, sus medios han variado desde lo orgánico hasta lo efímero, desde la incorporación de peces muertos, barro, palos, heno, cabello, arena negra, cera especialmente formulada y patentada, cintas de raso, flores de seda, hasta, más recientemente, el terciopelo, la taxidermia y las estatuas de cera fundida. [2] [3] Las esculturas y fotografías de Coyne han sido objeto de más de 30 exposiciones individuales en museos. [4]
Su obra se encuentra en numerosas colecciones permanentes de museos, incluido el Museo de Arte Moderno , el Museo Metropolitano de Arte , el Museo Solomon R. Guggenheim , el Museo Whitney de Arte Americano , el Museo de Arte de Brooklyn , el Museo de Arte de Denver , el Museo de Filadelfia. de Arte , el Museo de Arte Moderno de San Francisco , el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , el Instituto Smithsonian , el Museo de Bellas Artes de Boston , el Museo Kemper de Arte Contemporáneo , Kiasma en Finlandia, el Museo de Bellas Artes de Montreal , el Museo d 'art contemporain de Montréal , el Museo de Arte de Toledo , el High Museum of Art , la Galería de Arte Corcoran , [5] y el Museo de Arte Nasher de la Universidad de Duke . [6] [2]
Los premios seleccionados otorgados a Petah Coyne incluyen la beca de la Fundación John Simon Guggenheim Memorial , la residencia Bellagio de la Fundación Rockefeller, tres premios del Fondo Nacional de las Artes, la beca para artistas de la Fundación Pollock-Krasner, la beca de escultura de la Fundación Joan Mitchell y la beca japonesa del Consejo Cultural Asiático. , la Beca de Escultura de la Fundación para las Artes de Nueva York, la Beca de Artista Anónimo Era una Mujer , la Beca de Escultura de la Fundación Conmemorativa Augustus Saint-Gaudens, la Beca para Nuevas Obras del Consejo de Artes y Humanidades de Massachusetts y la Beca para Artistas Art Matters. [2]
Coyne nació en Oklahoma City, Oklahoma en 1953 [7] en una familia de militares que se mudaba con frecuencia antes de establecerse en Dayton, Ohio . [8] [3] Aunque Coyne se graduó de Oakwood High School, su madre la educó en casa durante el verano para que pudiera aprobar varias clases temprano, lo que le permitió asistir a clases de arte en la Universidad de Dayton , ir a fundiciones locales, crean piezas fundidas de bronce y realizan expediciones de pintura. [8] [3] Asistió a la Universidad Estatal de Kent de 1972 a 1973 y luego a la Academia de Arte de Cincinnati , de la que se graduó en 1977. [9]
Se mudó en 1977 con su marido, Lamar Hall, de Ohio al SoHo . [10]
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Coyne vive y trabaja en Nueva York. [11] Las exposiciones individuales recientes incluyen: "Petah Coyne: Habiendo ido, volveré" en Galerie Lelong & Co. (2018), "Petah Coyne: A Free Life" en Nunu Fine Art (2016) y "Petah Coyne: Everything that Rises Must Converge" en el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts (2010). Coyne está representada por Galerie Lelong & Co., en Nueva York, y Nunu Fine Art en Taipei, Taiwán. [2]
En 2018, Coyne tuvo su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York en más de una década, [12] "Petah Coyne: Habiendo ido, regresaré", en Galerie Lelong & Co. [10] Con la ayuda de costureras de alta costura, Coyne aprendió técnicas para manipular telas y crear una nueva obra monumental, Sin título #1379 (La esposa del doctor) , que se convirtió en la pieza central de la exposición. [10] La pieza se inspiró en el libro The Doctor's Wife , una novela de Sawako Ariyoshi escrita en 1966. [10]
En 2016, Coyne tuvo su primera exposición individual taiwanesa en Nunu Fine Art en Taipei. [13] "Petah Coyne: A Free Life" presentó una colección de fotografías dinámicas en blanco y negro junto con esculturas recientes, como Sin título #1424 (Zhang Yimou) y Sin título #1421 (Ha Jin) , una gran obra colgante con colores azules y blancos. flores enceradas que rodean una armadura de acero. [14] Esta exposición toma su nombre de la novela de Ha Jin de 2007, Una vida libre . [14]
La exposición individual de Petah Coyne de 2010, "Everything That Rises Must Converge", en el MASS MoCA (29 de mayo de 2010) [15] fue su exposición retrospectiva más grande hasta la fecha y contó con esculturas de técnica mixta a gran escala junto con fotografías impresas en gelatina de plata . Las obras incluidas en la exposición van desde esculturas anteriores, más abstractas, hechas de materiales industriales, hasta otras más nuevas hechas con cera delicada. [16] En estas obras más nuevas, Coyne coloca capas de materiales cubiertos de cera, como perlas, cintas y flores de seda, en grandes formas escultóricas, a menudo incorporando pájaros y animales disecados . [3]
Al igual que la amplia gama de materiales utilizados a lo largo de su obra, Coyne se inspira en una variedad de fuentes, como la literatura, el cine, la cultura mundial, el entorno natural y las historias personales. [16] Se describe su trabajo como si tuviera un "sentido barroco de refinamiento decadente", [16] imbuido de una cualidad mágica que detalla respuestas profundamente personales a sus inspiraciones, al tiempo que invita a los espectadores a considerar las suyas propias.
Esta exposición destacó no sólo la diversidad del trabajo de Coyne y su uso innovador de materiales (incluyendo arena negra, piezas de automóviles, cintas de raso, árboles, flores de seda y taxidermia), sino también las relaciones entre las diversas fases de su práctica tal como ha evolucionado con el tiempo. [dieciséis]
En 2016, Petah Coyne y Kathy Grove estrenaron su proyecto The Real Guerrillas: The Early Years , en la Galerie Lelong de Nueva York, Narrative/Collaborative, una exposición de obras fotográficas generadas a través de prácticas colaborativas. [17] Las Guerrilla Girls son un grupo anónimo de artistas femeninas feministas dedicadas a luchar contra el sexismo y el racismo dentro del mundo del arte. [10] El proyecto comprende dos retratos de cada mujer que participó desde 1985 hasta 2000. Un retrato fotográfico muestra a la miembro seleccionada como su "alias", enmascarada y disfrazada, mientras que el segundo muestra a la artista como ella misma, sin máscara, en su estudio. rodeada de su trabajo. A medida que los miembros fallezcan y sus identidades puedan ser reveladas de manera segura, ambos retratos se exhibirán permitiendo que sus contribuciones sean plenamente reconocidas. [18]
Revista de escultura sobre "Petah Coyne: Habiendo ido, volveré" [19]
"'Having Gone I Will Return' tal vez ofreció la versión de Coyne de unas memorias, aunque gran parte de la historia es elíptica y oculta. Con olor a ternura, une el dolor al consuelo en un ciclo perpetuo. Para Coyne, la pérdida no solo se redime con el amor. , pero también por un amor furioso por el arte y la creación artística que es a la vez un reconocimiento de nuestra mortalidad y su antídoto".
— Lilly Wei, "Petah Coyne: Galerie Lelong & Co.", Revista de escultura 38, no. 3
ARTnews sobre "Petah Coyne: Todo lo que surge debe converger" [20]
“La pieza central de este ambiente oscuro, parecido a un cuento de hadas, es Sin título #1336 (Scalapino Nu Shu) , 2009-10, un magnífico manzano cubierto de arena negra. Encaramados en lo alto de sus extremidades recortadas hay diez pavos reales disecados, con la cabeza alerta y el plumaje inclinado hacia abajo. Debajo de ellos cuelgan faisanes negros, boca abajo y con las alas extendidas. ¿Han vencido los pavos reales a sus enemigos o han sobrevivido a sus compañeros? Impresionante, inquietante y ambigua, la pieza –como todas las esculturas de Coyne– está llena de alusiones literarias y personales”.
— Hillarie M. Sheets, "Hasta ahora: Petah Coyne", ARTnews
Según el Museo de Arte Contemporáneo de Scottsdale, [21]
"Coyne pertenece a una generación de escultores, muchos de ellos mujeres, que alcanzaron la mayoría de edad a finales de los años 1980 y cambiaron para siempre la práctica musculosa de la escultura con su nuevo interés por la naturaleza y una inclinación por la artesanía minuciosa, las referencias domésticas y las metáforas psicológicas".
— Museo de Arte Contemporáneo de Scottsdale
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