Cecilia Roser , que trabaja bajo el nombre artístico de Ce Roser, nació en Filadelfia, Pensilvania, en 1925. Roser ha estado activa en la ciudad de Nueva York como artista desde la década de 1960. Desde su infancia, Roser había estado pintando y dibujando. [1] Mientras estudiaba en Berlín, Roser conoció a una artista llamada Käthe Kollwitz . Kollwitz, que trabajó hasta el día de su muerte, fue una inspiración para Roser. [1] Al comentar que a ella también le gustaría vivir de esa manera, Roser procedió a enfatizar la necesidad de que los artistas jóvenes, especialmente las mujeres, encuentren un predecesor y mentor adecuado. [1]
Roser estudió con el calígrafo japonés Hidai Nankoku (nacido en 1912) durante su visita a la ciudad de Nueva York. Más tarde, Roser trasladó la experiencia de representar caracteres abstractos en papel a la pintura sobre lienzo. [2] [3] Aunque la experiencia con Hidai rindió homenaje a su ascendencia asiática, la obra de Roser no se enmarca en la tradición artística del este de Asia. Según Peter Townsend, la obra de Roser parece "oriental solo para aquellos que no conocen el arte oriental". [3]
Además de Kollwitz y Hidai, Roser admiraba las acuarelas de Emil Nolde y la forma en que Claude Monet transformaba la naturaleza en pintura. Hans Uhlmann, Charmion von Wiegand y Sari Dienes también fueron otros de sus mentores por su obra vívida, vivaz y atrevidamente delicada. [2] [3]
Roser ha afirmado que son otros, no ella, los que deben decir a qué tradición pertenece su arte; sin embargo, muchos críticos categorizan su trabajo como abstracto. El arte abstracto se centra en lo que una persona ve; es decir, color, forma, tamaño y escala, por lo tanto, no representa directamente objetos del mundo visible. [4] El trabajo de Roser ejemplifica la idea de que el arte es un puente entre el mundo verbal y preverbal, una mezcla de la realidad y la percepción de la vida. [5] Roser cree que la "comunicación de la pintura puede expresar la arquitectura, el paisaje, las vistas aéreas, las asociaciones libres, las elecciones aleatorias y las yuxtaposiciones inesperadas de percepciones y sentimientos que constituyen la experiencia de vida". [6] La abstracción de Roser y su estilo distintivo de usar colores deliberadamente se ha descrito como "sugerir un lenguaje simbólico de la topografía de la tierra y la montaña". [7] Esa crítica continúa enfatizando que su trabajo es un gran ejemplo de "cambios de percepción" y su abstracción es capaz de "atraer al espectador a través de la ambigüedad". [7]
John Russell describió su trabajo como "algo así como la imaginería precipitada de las primeras 'Improvisaciones' de Kandinsky " y se refirió a sus "imágenes reconocibles que van y vienen" con un color que es "en todas partes ligero, claro, limpio y libre". [8] El uso de espacios blancos expansivos ayuda en su énfasis en el color nítido y limpio que se usa con una intención clara tanto que Roser es considerada como "muy buena en los bordes de sus imágenes también, con mucha acción respaldada en las esquinas". [8] Este aumento en el espacio blanco, elogiado por muchos críticos, surgió como una traducción de la luz del sol que vio parpadear en el río Hudson desde su estudio de Nueva York. [3] La obra propiedad del Museo de Arte de Cleveland es un buen ejemplo del uso de espacios blancos expansivos.
Aunque algunos críticos afirman que su obra es “más adecuada para la acuarela”, el estilo de Roser es audaz, vibrante e involuntariamente íntimo. [9] Su estilo colorido y sus pinceladas amplias “se convierten en elementos abstractos que flotan sobre el plano del cuadro”. [9] La naturaleza orgánica de sus pinturas refleja un proceso basado en el sentimiento y, a través del ritmo y la armonía subyacente, los espectadores obtienen una experiencia placentera para los ojos. [2] [3] La obra de Roser encarna el entusiasmo infantil y la expresión animada sin dejar de ser aparentemente delicada. [2] [3]
La obra de Roser se encuentra en la colección del Museo Smithsonian de Arte Americano , [10] el Museo Whitney de Arte Estadounidense , [11] y el Museo Metropolitano de Arte . [12] Su imagen está incluida en el icónico cartel de 1972 Algunas artistas estadounidenses vivas de Mary Beth Edelson . [13]
Su imagen está incluida en el icónico cartel de 1972 Algunas mujeres artistas estadounidenses vivas de Mary Beth Edelson . [14]
Women in the Arts (WIA) fue fundada por Cynthia Navaretta y Ce Roser como una protesta contra el chovinismo de las galerías de arte. [15] [16] La fundación fue creada como una solución al fracaso de las galerías en exhibir activamente obras de mujeres artistas. La Fundación Mujeres en las Artes continúa trabajando para superar la discriminación contra las mujeres artistas al proporcionar información que ayude a las mujeres a desempeñarse eficazmente como artistas profesionales. [15] [16] Desde su creación en 1971, WIA ha obtenido subvenciones del National Endowment for the Arts, Exxon Corporation, Mobil Foundation, Eastman Fund y Consolidated Edison, lo que le ha permitido alcanzar su objetivo. Actualmente, WIA está abierta a todas las mujeres interesadas en las artes. [16]
“Women Choose Women Exhibition” fue organizada como la primera exposición de WIA. La exposición se llevó a cabo en 1973, en el Centro Cultural de Nueva York, después de que Mario Amaya respondiera a una propuesta de exposición que el grupo WIA envió a todos los principales museos de arte de Nueva York. [17] Las obras que se exhibieron fueron seleccionadas por un comité compuesto por miembros de WIA, incluidos Pat Passlof , Ce Roser, Sylvia Sleigh , Linda Nochlin , Elizabeth C. Baker y Laura Adler. [17] En total, se seleccionaron 109 artistas de entre las 700 presentaciones anónimas que se recibieron para exhibir en la muestra. [17] Entre las elegidas para la exposición estaban Audrey Flack , Hannah Wilke , Alice Neel , May Stevens y Faith Ringgold . La exposición fue histórica porque un panel femenino, compuesto principalmente por artistas, seleccionó el trabajo de sus hermanas para ser exhibido. “Women Choose Women” buscó representar la capacidad de todos los artistas para superar la jerarquía y la burocracia de los museos. [15] [17]
Roser era partidaria de exponer en espacios alternativos y destacó cómo exponer en la Mary H. Dana Artists Series abrió una ventana que presentó su obra a Lawrence Alloway . Su pintura Double Vision (1991) estaba en la colección de su colega, Sylvia Sleigh, que estaba casada con Alloway. Hoy, la pintura es parte de la Colección Sylvia Sleigh en la Universidad de Rowan. [18] Roser también expuso en el East Hampton Guild Hall “Artist of the Region”, una muestra que buscaba revelar talentos poco reconocidos. [7]