Candida Alvarez (nacida en 1955) es una artista y profesora estadounidense, conocida por sus pinturas y dibujos. [1] [2] [3]
Álvarez ha expuesto en el Museo Whitney de Arte Estadounidense , [4] MoMA PS1 , [5] Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , [6] y Museo de Arte Contemporáneo de Houston , [7] Su obra pertenece a las colecciones de arte público del Whitney, [8] Instituto de Arte de Chicago , [9] Museo de Arte de San José , [10] y Museo de Bellas Artes de Virginia , [11] entre otros. Fue nombrada US Latinx Artist Fellow 2022 [12] y ha sido reconocida por la Fundación Helen Frankenthaler , [13] Fundación Joan Mitchell [14] y Fundación Pollock-Krasner . [15] Vive y trabaja en Chicago y Baroda, Michigan y es profesora de pintura y dibujo en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago . [12] [16]
Álvarez nació en 1955 en Brooklyn, de padres que habían llegado de Puerto Rico dos años antes. Creció en un edificio de gran altura en el proyecto de vivienda pública Farragut Houses . [17] [18] [19] Álvarez asistió a la Universidad Fordham en el Lincoln Center de Nueva York y recibió una licenciatura en arte de estudio/artes liberales en 1977; estudió en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan en 1981. [14] En su carrera temprana en Nueva York, trabajó como curadora en El Museo del Barrio [17] [20] y expuso en exposiciones colectivas en instituciones como el Museo de Brooklyn , el MoMA PS1, el Studio Museum en Harlem (residencia de artistas) y el Jamaica Arts Center . [5] [21] [22] Durante ese tiempo, tuvo exposiciones individuales en Exit Art (1985), el Museo de Queens (1991) y el Museo de las Artes del Bronx (1992), entre otros. [23] [24]
En 1995, se matriculó en la Escuela de Arte de Yale , donde estudió con Mel Bochner , Rochelle Feinstein y Howardena Pindell . [25] [3] Sus estudios allí prepararon el escenario para la forma lúdica de abstracción por la que es conocida, y culminaron con un MFA en 1997. [20] Al año siguiente, aceptó un puesto en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, donde es profesora FH Sellers de pintura. [16] [26] En su carrera posterior, Álvarez ha sido incluida en importantes estudios sobre abstracción ("Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today", Kemper Museum of Contemporary Art , 2017) [27] y arte latino ("Estamos Bien - La Trienal 20/21", El Museo del Barrio, 2021; "Latinx Abstract", BRIC , 2021; "no existe un mundo poshuracán: Puerto Rican Art in the Wake of Hurricane Maria", Whitney Museum, 2022). [28] [29] [4] Ha realizado exposiciones individuales en el Hyde Park Art Center (2012), [30] Chicago Cultural Center (2017), [31] GAVLAK Gallery (Palm Beach, 2019; Los Ángeles, 2021) [14] y Monique Meloche Gallery (Chicago, 2020), [1] entre otros lugares.
En 2017, seis trabajos de color existentes de Álvarez fueron adaptados por la diseñadora de moda japonesa Rei Kawakubo para su colección de ropa masculina de alta costura "nuevo camuflaje" Comme des Garçons . [32] [19]
Álvarez reelabora tanto los materiales como los métodos en su obra, resistiéndose a una única metodología visual y alterando las distinciones entre abstracción, representación y conceptualismo . [25] [17] Su pintura sintetiza una amplia gama de modos: campos de color flotantes , geometrías altamente estructuradas, retratos figurativos tenues, texto y sistemas de guía invisibles. [1] La crítica Susan Snodgrass ha descrito el proceso de Álvarez como sincrético y perteneciente "a una estrategia de fusión cultural e hibridez que permite el paso entre diferentes contextos e historias, al igual que su uso de narrativas personales y símbolos privados como marcadores de identidad". [2]
En la década de 1980, Álvarez produjo pinturas en gran parte figurativas que se basaron en sus experiencias de la ciudad y la herencia puertorriqueña, mezclando retratos, paisajes, palabras escritas e iconografía personal. [22] [33] [34] [17] A menudo retrataba a miembros de la familia; He loved to dream (1985) fue una obra de modo mixto de planos planos, ángulos agudos e imágenes en relieve que representaban a su padre. [35] [20] Pinturas como la obra de tres paneles, similar a un retablo, Sit, Stand & Kneel (1986) o Soy Boricua (I am Puerto Rican) (1989) retrataron protagonistas femeninas pasivas, obedientes, cautelosas o cada vez más poderosas mientras navegaban por roles e identidades. [31] [3] [25] Los críticos caracterizaron estas revelaciones cargadas de color e imágenes de uno mismo y de la vida familiar tradicional como introspectivas, melancólicas, cargadas de emociones y reminiscentes del realismo mágico , el arte naif o la poesía confesional; [22] [31] [3] Peggy Cyphers de Arts Magazine las comparó con el arte de Marc Chagall y Paul Klee . [34]
En trabajos posteriores, Alvarez experimentó con nuevos materiales de medios mixtos, texturas y formatos de múltiples paneles que funcionaron como dispositivos tanto estructurales como narrativos. [17] [31] Sus exposiciones individuales en el Museo de las Artes del Bronx (1992) y el Museo de Arte Americano de New Britain (1996) presentaron pinturas de múltiples imágenes de formas humanas rudimentarias y energías primarias abstractas que evocaban temas de crecimiento orgánico o interior. [24] [36] [37] El crítico del New York Times, Holland Cotter, escribió que la "obra lírica y pictórica" trazó el progreso "de la oscuridad a la luz y de la fragmentación a la totalidad", extrayendo fuerza de su ambigüedad con respecto a las relaciones entre las figuras humanas y las fuerzas naturales. [36] Los paneles insinuaban pasajes internos secuenciales y al mismo tiempo servían como espacios externos, cuasi arquitectónicos, en alusión a las ventanas del piso 14 del proyecto de vivienda por las que miraba cuando era niña (por ejemplo, Sisters I y Sisters 2 , 1992; Sixteen Stories , 1996). [37] [18] [25] Esta obra presagió su interés posterior en la serialidad minimalista y la abstracción gestual . [2]
Durante su estancia en Yale, Álvarez estudió teoría del color y comenzó a experimentar con procesos intuitivos, rompecabezas y juegos, en parte influenciada por su amistad con el artista minimalista y conceptual Sol LeWitt . [19] [2] [18] Estas estrategias empujaron su obra hacia la abstracción y remezclaron sus aspectos claramente autobiográficos, manteniendo al mismo tiempo su atención al proceso y las raíces inspiradoras. [25] [18] Pinturas como Tossing Pennies (1995), que incorporaba centavos y orbes pintados de colores como nodos en un esquema de conectar los puntos, estaban determinadas por el azar; en obras igualmente vibrantes y gráficas, utilizó letras y números como sistemas de organización (por ejemplo, Louise o Jimmy , ambas de 1996). [2] [25]
En la década de 2000, la obra de Álvarez se ha caracterizado por una visualidad decorativa y una versatilidad posmoderna que abarca estilos contemporáneos. [38] [30] [31] [2] Su muestra TBA Exhibition Space (2005) presentó dibujos extravagantes, similares a grafitis, y grandes piezas de tela que evocaban juguetes, recuerdos e historia personal. Dibujos como Celia Mia (2000-1) yuxtaponían patrones florales y geométricos, texto y personajes divertidos, mientras que las obras de tela representaban dichas figuras con formas y líneas negras audaces cosidas con hilo de bordar negro sobre cuadrados de algodón negro similares a cortinas. [38]
Las exposiciones posteriores de Álvarez —"Mambomountain" (Hyde Park Art Center, 2012), "Here" (Chicago Cultural Center, 2017), "Estoy Bien" (Monique Meloche Gallery, 2020) y "Palimpsest" (GAVLAK Los Ángeles, 2021)— se han centrado más en la pintura. [39] [3] [26] [40] En obras monumentales como Mary in the sky with diamonds (2005), Arroz amargo (2010) y Hi ho silver (2008), creó superficies cambiantes y en capas repletas de texturas, ideas y retazos de la cultura pop. [2] [30] [41] New City comparó las formas ondulantes, las líneas sinuosas y los fragmentos de texto de esta última pintura con "una caricatura que ha sido picada en una licuadora". [31] La retrospectiva "Here" presentó casi sesenta obras que abarcan cuarenta años. La muestra fue organizada de manera acrónica para crear conexiones, y unida por molduras de zócalo de "camuflaje" que se extendían por toda la exposición y que se derivaban de la obra utilizada en su colaboración con Comme des Garçons. [25] Las nuevas obras incluyeron juegos sutiles entre el interior y el exterior, lo sentido y lo visto (por ejemplo, Listening to Haruki Murakami while looking at a sunset , 2016) y desafíos caprichosos a la rigidez y autoridad de la cuadrícula modernista. [2] [3] Ejemplos de esto último incluyeron Remembering Sol LeWitt (2016), que combinaba un tablero de ajedrez predecible, una red que serpenteaba casualmente, brillo dorado y texto escrito, y Rainbows on my Studio Floor (2016), espacialmente desorientadora, un patrón que retrocede, ligeramente torcido de paralelogramos saturados que se basa en el piso de baldosas del espacio de exhibición. [2] [31] [3] [25]
La exposición "Estoy Bien" ("I'm fine") presentó grandes "Pinturas Aéreas" de doble cara que empleaban múltiples lenguajes visuales y hacían referencia a la pérdida (la reciente muerte de su padre), los ciclos estacionales y los efectos del cambio climático, en particular, la devastación de Puerto Rico por el huracán María . [41] [29] Las pinturas estaban hechas de material de malla de PVC parcialmente translúcido y suspendidas de marcos de aluminio independientes. Las creó imprimiendo collages de imágenes manipuladas digitalmente de su práctica de estudio sobre la malla, que luego modificó con aplicaciones gestuales de tinta de látex, brillantina y pintura y pintó campos de formas geométricas y similares a camuflaje (por ejemplo, Here to There , 2018). [26] [1]
La pintura que da título a la muestra, Estoy Bien , una obra vibrante de colores pastel que presenta salpicaduras abstractas de pintura coral, azul agua y blanca, inspiró el nombre y el tema de la primera encuesta nacional de trabajo latino contemporáneo de El Museo del Barrio, la más grande de su historia: "Estamos Bien - La Trienal 20/21". [42] [28] [43] El crítico del New York Times, Holland Cotter, describió el título de Álvarez como complejo y "teñido de ironía, las palabras sugieren tanto resiliencia como amargura"; [44] el museo lo llamó "una declaración de resiliencia desafiante y una provocación, que combina un tono sarcástico y uno positivo". [45] La exposición (que incluía a Álvarez) confrontó los sistemas de poder y examinó la identidad, el racismo estructural, la migración, el desplazamiento, el clima y la justicia ecológica a través del trabajo de 42 artistas y colectivos. [46] [47] [45]
En las pinturas "Palimpsesto" (2021), Álvarez empleó un proceso similar al de sus "Pinturas aéreas": escaneando e imprimiendo dibujos (en este caso, en lienzos de una sola cara) y luego aplicando capas transparentes sucesivas que borraban y se entremezclaban con las imágenes iniciales, creando registros complejos de acción y tiempo. [40]
En 2022, Álvarez fue nombrada US Latinx Artist Fellow ( Fundación Ford y Fundación Mellon ) y recibió un premio Arts and Letters en Arte de la Academia Estadounidense de Artes y Letras . [12] [48] También ha sido reconocida por la Fundación Helen Frankenthaler (2021), [13] Fundación Joan Mitchell (2019), [14] International Artists' Studio Program (Estocolmo, 1999), Fundación Pollock-Krasner (1994), [15] Mid-Atlantic-NEA Regional Fellowship (1988) y New York Foundation for the Arts (1986). [49] Ha recibido residencias artísticas de la Fundación LUMA (Arles), MacDowell Colony , MoMA PS1, Pilchuck Glass School y el Studio Museum en Harlem. [50] [20] [51]
El trabajo de Álvarez pertenece a colecciones de arte público que incluyen la Addison Gallery of American Art , [52] Art Institute of Chicago, [9] Baltimore Museum of Art , [53] Blanton Museum of Art , [54] Brandywine Workshop and Archives , [55] DePaul Art Museum, [56] El Museo Del Barrio, Museum of Contemporary Art Chicago, Pérez Art Museum Miami , San Jose Museum of Art, [10] Studio Museum en Harlem, [57] Virginia Museum of Fine Arts, [11] y Whitney Museum, [8] entre otros. [13] [16] También ha recibido y completado tres encargos de arte público. Estos incluyen What do you See?, un conjunto de seis vidrieras creadas para la PS 306 (escuela pública) en el Bronx; [49] el proyecto MTA Arts & Design, B is for Birds in the Bronx (2006), parabrisas de vidrio facetado instalados en la estación Bronx Park East de Nueva York; [58] y Howlings—Soft Paintings (2017), un mural de látex sobre PVC instalado en las orillas del río Chicago como parte del Año del Arte Público de Chicago. [26] [20]