Adolph Gottlieb (14 de marzo de 1903 - 4 de marzo de 1974) fue un pintor expresionista abstracto estadounidense [1] que también realizó esculturas y se convirtió en grabador. [2]
Gottlieb, uno de los miembros de la «primera generación» de expresionistas abstractos , [3] nació en la ciudad de Nueva York en 1903 de padres judíos. De 1920 a 1921 estudió en la Art Students League de Nueva York , tras lo cual, tras haber decidido convertirse en artista, abandonó la escuela secundaria a los 17 años y trabajó para conseguir su pasaje a Europa en un barco mercante . Viajó por Francia y Alemania durante un año. [4] Vivió en París durante seis meses, durante los cuales visitó el Museo del Louvre todos los días y asistió como oyente a clases en la Académie de la Grande Chaumière . Pasó el año siguiente viajando por Alemania, Austria, Checoslovaquia y otras partes de Europa Central, visitando museos y galerías de arte. Cuando regresó, era uno de los artistas neoyorquinos que más había viajado. Después de su regreso a Nueva York, estudió en la Art Students League de Nueva York, Parsons School of Design , Cooper Union y Educational Alliance . [5] [6]
Gottlieb realizó su primera exposición individual en las Galerías Dudensing de la ciudad de Nueva York en 1930. Durante la década de 1920 y principios de la de 1930, entabló amistades que durarían toda la vida con otros artistas como Barnett Newman , Mark Rothko , David Smith , Milton Avery y John Graham . En 1935, él y un grupo de artistas, entre ellos Ben-Zion , Joseph Solman , Ilya Bolotowsky , Ralph Rosenborg , Louis Harris, Mark Rothko y Louis Schanker , conocidos como " Los Diez ", exhibieron sus obras juntos hasta 1940.
Durante ese período, Gottlieb se ganó la vida con una variedad de trabajos a tiempo parcial y trabajó en el Proyecto Federal de Arte en 1936. [7] Desde septiembre de 1937 hasta junio de 1938, Gottlieb vivió en el desierto de Arizona , en las afueras de Tucson. En esos nueve meses, cambió radicalmente su enfoque de la pintura. Pasó de un estilo expresionista-realista a un enfoque que combinaba elementos del surrealismo y la abstracción formalista, utilizando objetos y escenas del entorno local como símbolos para eliminar la temporalidad de su trabajo. Pasó de esto a obras más surrealistas como el Sea Chest , que muestra misteriosas incongruencias en un paisaje por lo demás normal.
En este trabajo, Gottlieb transmite al espectador la sensación de amplitud que debió de sentir al contemplar el cielo del desierto de Arizona, aunque la destila en una forma abstracta más básica: "Creo que la sensación emocional que tuve fue que era como estar en el mar... Además, está la tremenda claridad: en Arizona hay una tremenda claridad de luz y por la noche las nubes parecen muy cercanas". [8] Cuando estas obras de Arizona se exhibieron en Nueva York después del regreso de Gottlieb, crearon una ruptura con el antiguo círculo de colegas de Gottlieb, varios de los cuales condenaron su nuevo trabajo por ser "demasiado abstracto". [9]
Gottlieb y un pequeño círculo de amigos apreciaron la obra del artista surrealista que vieron expuesta en Nueva York en los años 30. También intercambiaron ejemplares de la revista " Cahiers d'art " y estaban bastante familiarizados con las ideas actuales sobre la escritura automática y la imaginería subconsciente . Gottlieb pintó algunas obras en estilo surrealista en 1940 y 1941. Los resultados de sus experimentos se manifestaron en su serie " Pictogramas ", que se extendió desde 1941 hasta 1950. En su cuadro El regreso del viajero [1], yuxtapone estas imágenes en espacios compartimentados. Sus imágenes parecen similares a las de las poblaciones indígenas de América del Norte y el Antiguo Oriente Próximo. Si descubría que uno de sus símbolos no era original, ya no lo usaba.
En 1941, decepcionado con el arte que lo rodeaba, desarrolló el enfoque que llamó Pictografías . Las pictografías de Gottlieb, que creó entre 1941 y 1954, son uno de los primeros conjuntos coherentes de pintura madura de un estadounidense de su generación.
Gottlieb habló de sus inquietudes pictóricas en una declaración de 1947:
El papel del artista siempre ha sido el de creador de imágenes. Cada época exige imágenes diferentes. Hoy, cuando nuestras aspiraciones se han reducido a un intento desesperado de escapar del mal y los tiempos están desfasados, nuestras imágenes obsesivas, subterráneas y pictográficas son la expresión de la neurosis que es nuestra realidad. En mi opinión, ciertas llamadas abstracciones no son abstracciones en absoluto. Por el contrario, son el realismo de nuestro tiempo. [11]
En mayo de 1942, su primera "pictografía" se exhibió en la segunda exposición anual de la Federación de Pintores y Escultores Modernos, ubicada en las Galerías Wildenstein en Nueva York [12]. En sus pictografías, introdujo una nueva forma de abordar la abstracción que incluía imágenes extraídas de su subconsciente pero que se alejaba notablemente de la idea de narrativa. Para alcanzar este objetivo, Gottlieb presentó imágenes insertadas en secciones de una cuadrícula dibujada de forma vaga. Cada imagen existía independientemente de las demás, pero su disposición en el mismo plano, junto con las relaciones de color, textura y forma, permiten al espectador asociarlas. El significado, entonces, es intensamente personal: otra innovación de las pinturas pictográficas de Gottlieb basada en el biomorfismo surrealista . Para Gottlieb, el biomorfismo era una forma de expresar libremente su mente inconsciente, en la que se había fascinado a través de John Graham , Sigmund Freud y el surrealismo . [13] Gottlieb también incorporó el automatismo –la técnica pictórica de asociación libre freudiana– , el método que Gottlieb utilizó para generar formas biomórficas, que eran formas concebidas espontáneamente en su inconsciente [2]. Estas formas biomórficas estaban separadas por un patrón de cuadrícula que servía como estructura general de la serie de “pictografías”.
Gottlieb dijo una vez: "Si hice una línea sinuosa o serpenteante fue porque quería una línea serpenteante. Después me sugería una serpiente , pero cuando la hice, no sugería nada. Era pura forma...". Estas líneas y formas que Gottlieb utilizó fueron fácilmente interpretadas como si significaran cosas diferentes por distintas personas. [7]
En 1950, Gottlieb observó que el enfoque de la " pintura total " se había convertido en un cliché de la pintura abstracta estadounidense. Comenzó su nueva serie de Paisajes imaginarios en la que mantuvo su uso de un "pseudolenguaje" pero agregó el nuevo elemento del espacio. No pintaba paisajes en el sentido tradicional, sino que modificó ese género para que coincidiera con su propio estilo de pintura. Los Paisajes imaginarios son lienzos horizontales divididos en dos registros, uno muy activo debajo y otro más contemplativo arriba, que establecieron un enfoque diferente de la abstracción a mediados de siglo. En 1955, Gottlieb señaló: Con frecuencia escucho la pregunta: "¿Qué significan estas imágenes?". Esta es simplemente la pregunta equivocada. Las imágenes visuales no tienen que ajustarse ni al pensamiento verbal ni a los hechos ópticos. Una pregunta mejor sería "¿Estas imágenes transmiten alguna verdad emocional?" [14]
A finales de 1956, Gottlieb formuló la imagen que se conocería como "Estallido" y pasó la mayor parte de los dos años siguientes trabajando en este enfoque. Simplifica su representación a dos formas de disco y masas sinuosas. Sus pinturas son variaciones con estos elementos dispuestos de diferentes maneras. Esta serie, a diferencia de la serie Paisaje imaginario, sugiere un paisaje básico con un sol y un fondo. En otro nivel, las formas son tan rudimentarias que no se limitan a esta única interpretación.
También fue un colorista magistral y en la serie Burst su uso del color es particularmente crucial. Se le considera uno de los primeros pintores de campos de color y es uno de los precursores de la abstracción lírica .
En 1960, los esfuerzos de Gottlieb en su serie "Burst" le permitieron simplificar enormemente su uso de imágenes. Creó pinturas del tipo "Burst" y "Imaginary Landscape" durante el resto de su carrera, pero, a diferencia de algunos de sus colegas, no se limitó a una o dos imágenes. Las discusiones sobre el arte de Gottlieb suelen limitarse a menciones de "Bursts" o "Imaginary Landscapes", lo que resta valor a la amplia gama de ideas que este artista examinó. Gottlieb resumió sus objetivos en una entrevista de 1967:
Pero para mí todo es naturaleza, incluso cualquier sentimiento que tenga o mis sueños. Todo es parte de la naturaleza. Incluso la pintura se ha convertido en parte de ella. Para aclararlo mejor: no tengo un enfoque ideológico ni doctrinario en mi obra. Pinto simplemente a partir de mis sentimientos personales, de mis reflejos y de mis instintos. Tengo que confiar en ellos. [15]
Una pintura representativa de este período está incluida en la Colección de Arte Empire State Plaza del Gobernador Nelson A. Rockefeller en Albany, Nueva York. [16]
En 1967, mientras Gottlieb se preparaba para la exposición del Museo Whitney y Guggenheim, empezó a hacer pequeños modelos para esculturas con cartón recortado y pintado que, según dijo, le hacían sentir como "un joven escultor que recién empezaba". [17] Estas pequeñas esculturas evolucionaron hasta convertirse en obras más grandes de acero y aluminio recortados, soldados y pintados. Su incursión en la escultura duró sólo un año y medio, pero en ese breve tiempo creó un conjunto de obras que desafiaban la delineación entre pintura y escultura. De forma similar a la de su amigo el escultor David Smith, la formación de Gottlieb como pintor le impedía visualizar objetos sin color. Una vez que aceptó esto, se vio obligado a utilizar todas las herramientas que había desarrollado en su larga carrera como pintor (el tacto, el equilibrio visual, la calidad de la superficie y más) para hacer que sus esculturas, al igual que sus pinturas, se convirtieran en "un vehículo para la expresión de sentimientos... Siento la necesidad de hacer que los colores particulares que uso, o las formas particulares, lleven la carga de todo lo que quiero expresar, y todo tiene que estar concentrado en estos pocos elementos". [8] En total, Gottlieb creó 42 esculturas, incluidas tres grandes piezas al aire libre que actualmente se encuentran en las colecciones de la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, el Centro de Arte Storm King en New Windsor, NY, y el Museo Metropolitano de Arte en la ciudad de Nueva York. [18]
Gottlieb se mantuvo activo durante toda la década de 1960. En 1963 se convirtió en el primer artista estadounidense en recibir el Gran Premio de la Bienal de São Paulo en Brasil. En 1965, recibió el premio Golden Plate de la American Academy of Achievement . [19] En 1968, el Museo Guggenheim y el Museo Whitney de Nueva York colaboraron en una exposición retrospectiva de su arte que llenó ambos museos. Este sigue siendo, hasta la fecha, el único proyecto de colaboración entre estas dos importantes instituciones.
Gottlieb realizó 56 exposiciones individuales y participó en más de 200 exposiciones colectivas. Sus obras de arte se encuentran en las colecciones de más de 140 museos importantes de todo el mundo. Gottlieb se destacó como pintor, dibujante, grabador y escultor. Diseñó y supervisó la construcción de una fachada de vidrieras de 140 metros cuadrados para el Centro Milton Steinberg de la ciudad de Nueva York en 1954, y diseñó una serie de 18 vidrieras para el Centro Judío Kingsway de Brooklyn. [20] Fue el primero de su generación en tener su arte coleccionado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1946) y el Museo Guggenheim (1948).
La obra de Gottlieb está incluida en los fondos permanentes de numerosas instituciones museísticas en los EE. UU., por ejemplo, su obra Altar de 1947, está incluida en las colecciones permanentes del Pérez Art Museum de Miami , Florida. [21]
En 1970, un derrame cerebral dejó a Gottlieb paralizado, salvo el brazo y la mano derechos. Continuó pintando y exponiendo su arte hasta su muerte en marzo de 1974. Su funeral se celebró el 6 de marzo de 1974 en la funeraria Frank E. Campbell y fue enterrado en el cementerio Mt. Pleasant de Hawthorne, Nueva York. [22] Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en 1972.
Gottlieb abogó por el estatus profesional de los artistas durante toda su vida. Ayudó a organizar el "Forum 49" y otros eventos y simposios dirigidos por artistas en Nueva York y Provincetown en las décadas de 1940 y 1950. En 1950 fue el principal organizador de la protesta contra el Museo Metropolitano de Arte que dio como resultado que él y sus colegas obtuvieran el reconocimiento como " Los Irascibles ". Siguiendo las instrucciones de su testamento, en 1976 se formó la Fundación Adolph y Esther Gottlieb , que ofrece subvenciones a artistas visuales.
