Paulus Henrique Benedictus Cox (16 de abril de 1940 - 18 de junio de 2016), conocido como Paul Cox , fue un cineasta holandés-australiano que ha sido reconocido como "el autor cinematográfico más prolífico de Australia". [1]
Cox nació de Else (de soltera Kuminack), una alemana, y de su padre Wim Cox, el 16 de abril de 1940, en Venlo , Limburgo , Países Bajos , [2] después de su hermano (también llamado Wim) y su hermana Elizabeth, y era la mayor de las hermanas Jacoba, Angeline y Christa.
Productor de documentales e hijo del editor del periódico católico Nieuwe Venlosche Courant , Cox padre lanzó en 1933 la revista de cine Zuiderfilm , profusamente ilustrada, pero finalmente sin éxito , [3] [4] y en 1935 propuso construir un cine en la oficina del periódico. [5] En 1938, Van Meegeren, presidente de la 'RK Bond voor Groote Families' (Asociación Católica para Familias Numerosas) fundada en 1917 por Mathijs Janssen, le encargó que hiciera la película Levensgang ('El viaje de la vida'). [6] [7] [8]
Wim Cox ya había realizado cortometrajes antes, pero esta fue su primera película importante. Utilizando una película de 16 mm y un sistema de sonido diseñado por él mismo , grabó la vida diaria de una gran familia católica en Venlo. El crítico de cine Janus van Domburg (1895-1983) elogió Levensgang como la mejor película de 16 mm de los Países Bajos hasta la fecha. El Tegelse Courant escribió: "... esta película proyecta un rayo de luz en el camino de la vida". El periódico no católico Algemeen Handelsblad estuvo de acuerdo: "[Cox] ha logrado capturar escenas de alegría y tristeza, momentos de emoción y contemplación en película. Todo está editado en un todo fascinante y fluido, con fuertes ritmos cinematográficos que hablan un lenguaje claro". Entre su estreno el 12 de octubre de 1938, hasta 1940, la película fue vista por 25.000 personas. [9] Paul Cox descubrió mucho más tarde que su padre había sido un cineasta que había hecho documentales en los Países Bajos, Bélgica y Alemania antes de la Segunda Guerra Mundial. [10] Paul Cox dijo que, aunque la película de su padre era una "propaganda terrible" y "terriblemente anticuada", la admiraba como "cine real. Todo el concepto fue investigado meticulosamente, se puede ver en el guión gráfico de cada toma. Es una obra notable. En cierto modo, es una película de propaganda mejor que cualquier otra que haya hecho Leni Riefenstahl ". [11]
El hermano mayor de Cox, Wim, nacido en 1938, también se dedicó al cine y la fotografía después de aprender de su padre. [12] Estudió en la Nederlansche Fotofakschool entre 1958 y 1961, se trasladó a Colonia para trabajar en el estudio fotográfico Lambertin en el puente Hohenzollern y, a partir de 1971, trabajó por cuenta propia y se hizo cargo del taller fotográfico de Colonia Schmölz & Ulrich. [13] Fue miembro de la junta directiva del Gremio de Fotografía de Colonia, presidente del tribunal examinador de oficiales y miembro de la Sociedad Alemana de Fotografía. En 1997, los hermanos escribieron conjuntamente el libro Ich Bin ('Yo soy'). [14]
Poco después de su nacimiento, Cox y su familia se vieron obligados a huir de su ciudad natal fronteriza durante la invasión alemana de Holanda en abril y mayo de 1940, y experimentaron eventos traumáticos durante el resto de la guerra que Cox sintió que fueron formativos. [15] Las acusaciones de posguerra de que el abuelo de Wim Cox en su publicación Nieuwe Venlosche Courant había cooperado con los alemanes trajeron repercusiones para su familia, incluida la confiscación de todo el equipo de filmación, lo que truncó la carrera del padre de Cox. Eso fue causa de mucha amargura, aunque en 1957 pudo hacer un largometraje Reden tot leven ('Razón para vivir'). [16] Se estableció como fotógrafo de retratos, reclutando a su hija Elizabeth, y más tarde, a la mayoría del resto de la familia, para ayudar en el cuarto oscuro. [15]
Cox fue reclutado en el ejército a los diecinueve años, resultó herido durante el entrenamiento y, posteriormente, en contra de los deseos de su padre, estudió arte en una escuela nocturna. Utilizó una vieja cámara del estudio de su padre para tomar sus primeras fotografías exitosas en un viaje a París con su madre, una de las cuales aparece en la portada de su autobiografía. [15]
Cox emigró a Australia como estudiante de intercambio de nivel terciario en 1963, [16] momento en el que ya se había establecido como fotógrafo. [17] Aunque su destino era Sydney, fue desembarcado en Melbourne. Allí se inscribió en la Universidad de Melbourne para estudiar historia y literatura inglesa para obtener un título en Artes, y aceptó trabajos a tiempo parcial como vendedor de cámaras y fotógrafo de eventos, pero a los dieciocho meses se fue después de que una historia de amor interrumpiera sus estudios. Viajó de regreso a Holanda en un barco de carga francés vía el Pacífico Sur, Sudamérica, y en su país realizó dos exposiciones de las fotografías resultantes. [15]
Decidió regresar a Australia y en 1965 emigró. Primero trabajó en el departamento de cámaras de los grandes almacenes Myer y ahorró lo suficiente para abrir un pequeño estudio de fotografía que producía retratos y encargos comerciales en una tienda y vivienda alquilada en 344 Punt Road, South Yarra , en la terraza de los edificios de Sharp. Allí realizó más exposiciones y el Ballet Australiano le encargó que fuera fotógrafo de imágenes fijas para Don Quijote de Robert Helpmann y Rudoph Nureyev , a través de la cual conoció al actor y cineasta húngaro Tibor Markus, que produciría el primer largometraje de Cox, Illuminations. [15]
A finales de los años 1960, Cox viajó a Papúa Nueva Guinea con Ulli Beier , cuyo interés era la poesía, el teatro y la escritura creativa indígenas. En el libro resultante, publicado en 1971 [18], las fotografías de la vida en el pueblo que tomó Cox se basaron en poemas escritos por los estudiantes de Beier. [19] Beier y Cox publicaron más tarde un libro sobre Mirka Mora [20]. También en 1971, Cox ganó un viaje a Londres en el concurso "Age of Aquarius" para fotógrafos profesionales organizado por Ilford (Australia) Pty. Ltd. [21]
Cox fue nombrado profesor de fotografía en el Prahran College of Advanced Education en 1969, y con poca experiencia en el medio, aparte de hacer películas cortas en Super 8 con su amigo Bernie Eddy, pasó a convertirse en profesor de cinematografía, una experiencia que recuerda en su autobiografía como formativa:
Aparte de las pocas películas en Super-8 que había hecho y algunos intentos más serios en 16 mm, no sabía nada sobre la realización cinematográfica. Me vi obligado a ir un paso por delante de los estudiantes. Así fue como me convertí en cineasta. [15]
El curso de cine recibió una financiación de unos 15.000 dólares en agosto de 1970 (un valor de 180.000 dólares en 2019) [22] con la que el director de la Escuela de Arte, Ted Worsley, compró cámaras de cine, una suite de edición Steenbeck , un procesador de películas y una pletina de casete Nagra . [23] Cox, que siempre trabajaba con presupuestos reducidos, utilizó el equipo para realizar The Journey (1972) e Illuminations (1975), con el profesor de teatro de Prahran Alan Money en el reparto, y en 1994 presentó 43 pinturas de su colega Eleanor Hart en Touch Me . [15] [23] Se reclutaron estudiantes, tanto como educación práctica para ellos como para ahorrar para el director en ciernes, para que formaran parte del equipo de filmación de Mirka (1970) de Cox y de los documentales All Set Backstage (1974), We Are All Alone My Dear (1975) y For a Child Called Michael (1980). [24] We Are All Alone My Dear , un retrato de la novelista Jean Campbell en un hogar para ancianos, [25] se realizó con $1,000 y le dio a Cox su primer gran avance, con un premio por cine documental.
Cox entregó su estudio de fotografía innecesario a The Photographers' Gallery and Workshop , que fundó con Ingeborg Tyssen, John F. Williams [26] y Rod McNicoll [27] en 1973. Permaneció en el Prahran College hasta 1980 y, junto con Athol Shmith y John Cato [28], influyó en varios fotógrafos y cineastas, entre ellos el artista Bill Henson , los fotoperiodistas Phil Quirk y Andrew Chapman , y Carol Jerrems , una de cuyas primeras exposiciones mostró en la galería. [29]
La película de Cox Kostas (1979), sobre la tormentosa historia de amor de un taxista griego (Takis Emmanuel) en Melbourne con una mujer de carrera ( Wendy Hughes ), tuvo más éxito en Europa que en Australia. Al principio, nadie se interesó en el primer guion cinematográfico de Cox para Lonely Hearts , pero Phillip Adams pensó que era prometedor y le presentó a Cox al escritor John Clarke . Fue declarada la mejor película de 1982 y recibió una respuesta entusiasta en los festivales de cine de Londres, Nueva Delhi y San Francisco. Su éxito atrajo la atención y el apoyo financiero para la producción de Cox de una rápida serie de largometrajes.
Cox mantuvo su lealtad a guionistas como John Clarke y Bob Ellis y a ciertos actores. Su ensayo cinematográfico The Remarkable Mr. Kaye (2005) es un retrato de su amigo enfermo, el actor Norman Kaye, que apareció en numerosas películas de Cox, como Lonely Hearts (1982) y Man of Flowers (1983). [2]
En 2006, Cox se convirtió en el patrocinador del Festival de Cine de Byron Bay . [30]
El 26 de diciembre de 2009, Cox recibió un trasplante de hígado. El documental de 2012 de David Bradbury , On Borrowed Time , cuenta esta historia en el contexto de su vida y su trabajo, a través de entrevistas con Cox y sus amigos y colegas. [31] Cox también ha escrito una autobiografía, Tales from the Cancer Ward . [32] Rosie Igusti, una compañera de trasplante que conoció allí, más tarde se convirtió en su pareja. [33]
La última película de Cox, Force of Destiny , con David Wenham y la actriz india Shahana Goswami , se estrenó en julio de 2015. Wenham interpreta a un escultor y paciente de trasplante que se enamora de una paciente que conoce en la sala del hospital. [1] Cox asistió al estreno estadounidense de Force of Destiny en el Festival de Cine Ebertfest en Chicago , después de haber viajado con Rosie a través de paradas en Bangkok, Dubái y Frankfurt para evitar los efectos del viaje en su delicada salud. Había sido invitado a hablar después de la proyección, y lo hizo. [34] [35] y fue nombrado en la Lista de los 100 tesoros nacionales de Phillip Adams en abril de 2015. [36] El 18 de junio de 2016, murió a la edad de 76 años . [37]
Cox apareció en pequeños papeles, algunos sin acreditar, en varias películas, entre ellas: como fotógrafo en Apostasy (1979) y Where the Green Ants Dream (1984), un empresario de pompas fúnebres en To Market to Market (1987), como un cliente de New Age en su propia Lust and Revenge (1996), y los cortometrajes The Liver y To Music (ambos de 2013). Apareció como él mismo en The Media Project de Peter Watkin .
John Larkin , en su introducción a Tales from the cancer ward , escribe que "Cox podría haber seguido el camino de Hollywood, pero se ha mantenido alejado de los productores, a los que considera depredadores porque dominan la industria. Es muy crítico con lo que considera una traición de un arte que antaño era grandioso, el cine, hacia una especie de cultura de consumo cruda. Ha luchado mucho para mantenerse independiente, eligiendo hacer películas sobre la vida interior de las personas, en lugar del mundo efímero en el que la apariencia lo es todo: el gran glamour, la gran ilusión. Su compañía se llama Illumination Films. La colección de Cox tiene una larga vida. Sus películas más importantes [seguirán] presentándose en el extranjero y en Australia". [38]
David Wenham, actor que ha participado en varias películas de Cox , considera que: "No hay nadie como Cox. Es único y lo necesitamos a él y a gente como él. Hace poco vi Molokai : es inequívocamente una película de Paul Cox. Es un autor absoluto, porque todo lo que se ve en la pantalla y se oye tiene las huellas dactilares de Paul por todas partes. Estoy de acuerdo con el noventa por ciento de su visión del mundo". [1]
Victoria Duckett, al evaluar las referencias a un cuadro de Tiziano en El hombre de las flores de Cox y al evocar la migración de Cox a Australia por mar, ve en acción un romanticismo europeo : "Desde esta perspectiva, el romanticismo de Cox es exclusivamente australiano. Al ponerse a sí mismo en la imagen y poner el mar de nuevo en el marco, explica nuestro lugar físico y metafísico en el mundo". [39]
En una visión contraria, típica de muchas críticas australianas a Cox, Vikki Riley en un Filmnews de 1995 condena esos "fetiches eurófilos con conexiones perdidas y vidas individuales fragmentadas y desarraigadas -donde el acto de recordar es un pulso sensorial proustiano que revela un pozo aparentemente sin fondo de un mundo narrativo interior impulsado por una melancolía lánguida, un destino inevitable, oportunidades perdidas y las pesadas nubes de la guerra", como precisamente "el tipo de pasiones que los cineastas australianos evitan, salvo por el quejumbroso y vergonzoso sentimiento cultural expresado en las obras de Paul Cox, Ian Pringle , et al." [40]
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