Bronwyn Joy Oliver (née Gooda , 22 de febrero de 1959 – 10 de julio de 2006) fue una escultora australiana cuyo trabajo consistía principalmente en trabajos en metal. Sus esculturas son admiradas por su naturaleza táctil, su estética y las habilidades técnicas que demuestran en su producción.
Oliver se crió en la zona rural de Nueva Gales del Sur . Se formó en el Alexander Mackie College of Advanced Education de Sídney y en la Chelsea School of Art de Londres . Tuvo un éxito temprano, ganando una beca itinerante de arte de Nueva Gales del Sur en 1981 y la beca de arte australiano Moet & Chandon en 1984. Oliver se instaló en Sídney, donde ejerció y enseñó hasta su muerte en 2006.
En su carrera posterior, la mayoría de sus piezas fueron encargos públicos y privados. Entre sus obras más importantes se encuentran Vine , una escultura de 16,5 metros de altura en el Sydney Hilton, Magnolia and Palm , en el Jardín Botánico de Sídney , y Big Feathers en el Queen Street Mall de Brisbane .
Su obra recibió reconocimientos como finalista en el Premio Nacional de Escultura Helen Lempriere inaugural en 2000, fue incluida en la exposición del Premio Nacional de Escultura de 2002 de la Galería Nacional de Australia y fue preseleccionada para el Premio de Arte Contemporáneo Clemenger de 2006. Sus obras se encuentran en importantes colecciones australianas, entre ellas la Galería Nacional de Australia, la Galería Nacional de Victoria y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur .
Oliver nació con el nombre de Bronwyn Gooda el 22 de febrero de 1959, [1] en Gum Flat, al oeste de Inverell , en Nueva Gales del Sur. Sus padres eran Milton, un granjero que se convirtió en jardinero, y Wendy, que trabajaba en una farmacia. [2] Su creatividad se alimentó desde una edad temprana. Con tan solo ocho años, Oliver asistió a clases de arte los fines de semana en Inverell dirigidas por Ian Howard, quien luego se convirtió en decano de la universidad en Sídney donde más tarde estudiaría. [3]
Como era la directora de su escuela, sus padres esperaban que fuera a la universidad. Sin embargo, Oliver deseaba seguir una carrera creativa. Cuando les contó a sus padres sus planes, su madre le respondió: "Cariño, tu padre y yo estamos muy contentos de que vayas a la escuela de arte, pero si hubieras sido un varón, creo que estaríamos un poco decepcionados". [4] Posteriormente se produjo una ruptura entre ella y su familia que dio como resultado que no tuviera contacto con ellos durante 25 años. [5]
Después de terminar la escuela, Oliver estudió y trabajó en Sydney. [6] Tenía la intención de inscribirse en clases de pintura, pero un error informático la colocó en el curso de escultura: más tarde dijo: "Supe de inmediato que estaba en el lugar correcto". [4] [7] [8]
Se graduó en el Alexander Mackie College of Advanced Education en 1980. [9] Ganó una beca de arte itinerante de Nueva Gales del Sur en 1983, [4] luego completó una maestría en la Chelsea School of Art en 1984. Su trabajo fue influenciado por Richard Deacon , Antony Gormley y Martin Puryear, con quienes estudió mientras estaba en Inglaterra. [10]
A su regreso del Reino Unido, inmediatamente obtuvo un mayor éxito, cuando en 1984 ganó una beca de arte australiano Moet & Chandon. [3] En 1988 se le concedió un período como artista residente en la ciudad de Brest en la costa de Bretaña , donde estudió técnicas de metalistería celta. [11] En 1989 recibió una beca de viaje Marten Bequest . [12]
A sus veinte años, Bronwyn Gooda se casó con Leslie Oliver, adoptando su apellido y conservándolo más tarde "a pesar de un divorcio angustioso". [13] La artista vivió en el suburbio de Haberfield , en el centro-oeste de Sídney , donde también tenía su estudio. [4] Durante 19 años hasta su muerte, enseñó arte a niños en edad escolar primaria en la Escuela Cranbrook de Sídney en Bellevue Hill . [10] Era amiga de Roslyn Oxley, en cuya galería homónima Oliver exhibió sus obras. [6] Su pareja de largo plazo fue el escritor de vinos Huon Hooke . [14]
La biógrafa Hannah Fink estimó que Oliver produjo 290 obras a lo largo de una carrera de 22 años. [15] De estas, las obras de arte público son las esculturas más conocidas de Oliver. Estas incluyen Eyrie , creada para el Hotel Hyatt de Adelaida en 1993, [16] y Magnolia and Palm , encargada en 1999 por los Jardines Botánicos de Sídney , [6] como parte del Sydney Sculpture Walk. [17] Ese mismo año, Big Feathers fue encargada para el Queen Street Mall en Brisbane. [18] Se compone de dos grandes formas con forma de pluma suspendidas sobre la zona peatonal, que representan "la historia de desfiles de Queen Street, así como la conexión del centro comercial entre la tierra y el cielo". [19]
En 2000, la pieza de Oliver Entwine fue finalista en el primer Premio Nacional de Escultura Helen Lempriere , [20] mientras que al año siguiente, Oliver ganó el concurso inaugural de esculturas de la Universidad de Nueva Gales del Sur , con su Globo de tres metros de altura . [21] [22] Otro éxito siguió cuando Trace fue seleccionada para la exposición del Premio Nacional de Escultura de 2002 de la Galería Nacional de Australia . [23]
En agosto de 2002 fue una de los cinco artistas preseleccionados por el Gobierno australiano para un proyecto destinado a producir una obra de arte pública que celebrara el centenario del sufragio femenino en Australia. [24] [notas 1]
En la década de 2000, la mayor parte de la producción de Oliver consistía en piezas por encargo, ya fueran públicas o privadas. [27] La más importante de ellas es Vine , una escultura de 16,5 metros de altura instalada como parte de la remodelación de 400 millones de dólares del Sydney Hilton. [9] [28] La obra , que tardó doce meses en crearse y requirió un presupuesto de hasta medio millón de dólares, [notas 2] se completó en 2005. La escultura se fabricó con 380 kilogramos de aluminio y fue ensamblada por un equipo de ocho soldadores croatas. [28]
En 2006, Oliver había realizado 18 exposiciones individuales de su obra, la mitad de ellas en la galería Roslyn Oxley9, que la representó a lo largo de su carrera como escultora. [29] Solo una de esas exposiciones individuales se realizó fuera de Australia: una exposición en 1992 en la Auckland City Art Gallery después de una residencia. Sin embargo, Oliver estuvo representada en numerosas exposiciones colectivas internacionales, incluidas cinco durante el período de 1983 a 1984, aproximadamente cuando completó su maestría en Londres. Cuatro de las exposiciones colectivas en ese momento fueron en el Reino Unido; la quinta fue en el Museo de Industrias Tradicionales de Kioto . [30] Las exposiciones colectivas internacionales posteriores incluyeron 'Five Australian Artists' en el Centre Culturale de Brest en 1988, [31] el año en que realizó una residencia artística en esa ciudad. Entre las exposiciones colectivas posteriores de las que participó Oliver se incluyen "Prospect '93" en el Frankfurter Kunstverein , "Systems End: Contemporary Art in Australia", que se exhibió en varias galerías del este de Asia en 1996, y la Bienal Internacional de Pekín en 2003. [29]
Oliver, escultora durante toda su carrera artística, utilizó papel, caña o fibra de vidrio para sus primeras obras. [4] [32] Sin embargo, consideraba que "la fibra de vidrio era peligrosa y el papel demasiado impermanente", [33] y durante la mayor parte de su carrera trabajó con metal. Los metales utilizados para sus creaciones variaban: la monumental Vine se fabricó en aluminio, al igual que la escultura de Brisbane Big Feathers ; sin embargo, la mayoría, como Palm y la escultura de 2002 Lock , se elaboraron en cobre. [3] [19] [34] Las 25 obras incluidas en la publicación de 1995, Bronwyn Oliver: mnemotecnia de acordes , se realizaron en cobre, aunque unas cuantas también utilizaron otros materiales como bronce, plomo o, en un caso, fibra de vidrio. [35]
Oliver siempre estuvo preocupada por "qué materiales servirían". Fink observó que "desde el principio, Oliver se interesó por las cosas que se hacen de adentro hacia afuera, y sus obras a menudo dan evidencia críptica de su fabricación". [36] Esa evidencia de fabricación no se limitaba a las obras en sí: amigos y críticos de arte observaron las lesiones y marcas que presentaba como resultado de trabajar con un material tan implacable. [32] [34] [37]
Oliver solía esbozar primero sus ideas, antes de pasar a la construcción en tres dimensiones. [33] Cuando preparaba encargos, recurría a las ideas de los clientes o a la naturaleza del lugar. [27] Para obras de gran tamaño, creaba maquetas (o modelos), a veces en plastilina, en otras ocasiones utilizando alambre de cobre o, en el caso de su escultura Globe de 2002 , madera y metal. [10] [4] [38] Oliver producía ella misma las obras más delicadas. Muchas de ellas se creaban elaborando y uniendo alambre para crear formas abstractas. Estas se construían alrededor de moldes, retorciendo el metal en su lugar con alicates, antes de cortarlo con cortadores de alambre. Las uniones se soldaban o se soldaban con soldadura fuerte (aunque en algunas piezas, el alambre estaba tejido). [39] En Web (2002), las piezas de cobre se cosían juntas utilizando alambre. [11] Su compañero Huon Hooke la describió trabajando en el estudio:
Está sentada en el suelo con las piernas cruzadas, sobre un trozo de gomaespuma. Su trabajo está sobre un banco bajo construido con madera cubierta de ladrillos ignífugos... El pequeño soplete de joyero está en su mano derecha, las grandes botellas de oxígeno y acetileno están detrás de ella. En su izquierda está la varilla de soldadura y está haciendo una de las miles de juntas que forman una nueva escultura, el fuego lame el cemento ignífugo que cubre el molde de poliestireno y se enrosca alrededor del pequeño trozo de alambre de cobre que está uniendo. [40]
Las piezas más importantes se crearon en la fundición Crawfords Casting en Enfield , en los suburbios occidentales interiores de Sídney. [3] Aunque la fundición fabricaría los elementos de las esculturas, Oliver se encargaría de las etapas iniciales, capacitando al personal de la fundición y supervisando su actividad. Algunas de las piezas ensambladas para crear las esculturas se hicieron con varillas de cobre, mientras que otras se formaron utilizando la técnica de fundición a la cera perdida . Las piezas individuales tardaban hasta dos meses en completarse. [4]
Oliver no era de las que intelectualizaba su creatividad: prefería hablar del proceso de creación de sus obras de arte en lugar de sus significados. [3] Cuando se le preguntó sobre su enfoque del arte, afirmó:
Mi obra trata de estructura y orden. Es la búsqueda de una especie de lógica: una lógica formal, escultórica y poética. Es un proceso conceptual y físico de construcción y de eliminación al mismo tiempo. Me propuse despojar las ideas y asociaciones hasta dejarlas (física y metafóricamente) en los huesos, exponiendo la vida que aún se mantiene en el interior. [41]
Aunque Oliver se mostraba reticente a hablar del significado de sus obras, los críticos han identificado temas recurrentes. Hannah Fink, al igual que el crítico de arte John McDonald, señaló que existe un patrón en las formas y estructuras de la obra de Oliver. Fink lo describió como "un vocabulario consistente de formas elementales -la espiral, el meandro, el bucle y la esfera- en un repertorio de arquetipos característicos". [42] McDonald dijo que la Naturaleza es "omnipresente" y se refirió a ellos como organismos o sus restos. [43] [44]
A pesar de su apariencia orgánica, la propia opinión de Oliver era que su obra no se basaba en las estructuras de la naturaleza. [45] Sin embargo, los críticos han identificado las cualidades realistas de las primeras piezas que se parecían a conchas, garras o colas, [32] o han notado las aparentes similitudes con formas biológicas. [46] McDonald comentó que "para Oliver negar la naturaleza es similar a que Balthus diga que no hay nada erótico en sus pinturas o que Rothko afirme que sus obras no son abstractas". [43] Las dos principales reseñas de la obra de Oliver publicadas en vida (el ensayo de Fenner de 1995 y el artículo de revista de Fink de 2002) llaman la atención sobre el dualismo y la contradicción en las esculturas: Fenner las describe como "delicadas y efímeras, [pero] estructuralmente robustas y duraderas"; Fink las ve como "etéreas pero sólidas, fluidas pero rígidas, abiertas pero cerradas". [47] [48]
Las esculturas de Oliver son admiradas por su naturaleza táctil, su estética y las habilidades técnicas demostradas en su producción. Se han elogiado obras particulares. Un escritor que reseñó Vine en el Sydney Hilton admiró cómo "se enrosca como un tallo de frijoles de cuento de hadas hacia el techo, como si la luz del sol que entra a raudales desde un gran espacio abierto adyacente le diera poder". [49] La descripción que hizo la periodista Catherine Keenan en 2005 de cómo la imponente escultura demostraba valores tanto estéticos como de producción es típica de los comentarios sobre el trabajo de Oliver:
Tiene la delicada y adamantina belleza que caracteriza a muchas de sus piezas, pero también es una maravilla de la ingeniería: 380 kilogramos de metal que fueron entregados en la parte trasera de un camión de gran tamaño y ahora cuelgan de una única varilla especialmente fabricada y fijada al techo. [4]
John McDonald, el escritor de arte del Sydney Morning Herald , dijo sobre su obra: "A menudo me parece que solo tiene una melodía, pero es una melodía bastante buena". [4] Más tarde explicó:
Es un cliché que cada artista sigue haciendo la misma obra, pero en el caso de Oliver, aunque algunas formas se parecen a criaturas marinas y otras a brotes de plantas, los lazos familiares entre incluso las piezas más diversas son muy fuertes... nada fue improvisado ni juntado. Cada pieza parece haber sido minuciosamente pensada, con cada hebra de alambre de cobre soldada exactamente en el lugar correcto... Todo lo que se ha dicho recientemente sobre Oliver –que era hermosa, inteligente, encantadora– también podría decirse de la obra. [44]
A pesar de esta coherencia en su producción y de los temas coherentes de su obra , también hubo variedad. El crítico Bruce James consideró que su exposición de 2002, y en particular una pequeña obra titulada Crackled , demostraban una gama artística más amplia: " Crackled es... formalmente sorprendente, evidencia de que Oliver no se contenta con confiar en una receta ganadora de convolución para sus conceptos. Ante ella se abren áreas completamente nuevas de exploración física y artística". [34] Hannah Fink, reflexionando sobre las últimas esculturas de Oliver, escribió:
La maestría de sus últimas obras parece desafiar la imaginación; uno no puede sino maravillarse ante el ingenio de su construcción y la perfección de su realización. La gran variedad de su exposición póstuma... echó por tierra cualquier sugerencia de que hubiera llegado a un final natural para su obra: casi todas sus obras eran diferentes y estaban llenas de innovación. [50]
En 2000, la revista Australian Art Collector incluyó a Oliver en su lista de los 50 "artistas más coleccionables" de Australia. En 2005, los comerciantes de subastas identificaron su obra como una de las de mayor interés en el mercado de arte secundario . [29] [51]
Oliver fue a veces caracterizada como solitaria tanto en el mundo artístico como en el social. [3] [44] Su maestro y profesor asociado durante mucho tiempo Ian Howard la describió como alguien que tenía "una desconfianza subyacente y a veces dolorosa de las relaciones que forman parte de nuestra vida cotidiana". [9] Su amiga íntima y galerista, Roslyn Oxley, observó que era "muy privada. Impedía que la gente entrara en su mundo la mayor parte del tiempo". [3] La hermana de Oliver, Helen, la había descrito como una "persona poderosa y frágil", mientras que el biógrafo Fink observó "[una] persona profundamente asocial, [que] no obstante mantuvo amistades duraderas con un pequeño grupo de personas en las que confiaba". [13] El período final de la vida personal de Oliver fue objeto de relatos contradictorios. Oxley dijo que Oliver en 2006 experimentó el final de una relación de 20 años, [6] y la obituarista Joyce Morgan, que habló con Huon Hooke después de la muerte de Oliver, describió a Hooke como la "ex" pareja de Oliver. [3] aunque otros que escribieron poco después de su muerte no indicaron que la relación con Hooke había terminado, [14] incluido un obituario de Howard, [52] uno escrito por el crítico de arte John McDonald, [44] y homenajes de sus dos biógrafos, Felicity Fenner [1] y Hannah Fink. [50]
Algunos años después, la autora Katrina Strickland entrevistó a personas cercanas a Oliver y le informaron que habían notado un deterioro gradual en su personalidad a lo largo de los años; se volvió "solitaria, obsesiva, ansiosa" y "difícil e impaciente, y completamente obsesionada con su dieta". En esas circunstancias, Hooke sintió que "solo quería estar en otro lugar" y abandonó la relación a fines de mayo de 2006. En ese momento, contó Strickland, "Oliver se derrumbó". [53]
Su amiga Roslyn Oxley concluyó posteriormente que, en algún momento, Oliver había planeado suicidarse. La periodista Sunanda Creagh entrevistó a Oxley mientras la galerista preparaba la última exposición de la obra de su amiga:
Oliver hizo preparativos meticulosos para su último espectáculo, dice Oxley. "Nombró todo y escribió una nota diciendo que quería que el espectáculo siguiera adelante. Fue muy claro. Terminó todo el trabajo que dijo que terminaría. Nunca decepcionó a nadie, nunca. Estar bajo esa tensión y obviamente tener el suicidio en mente, pero cumplir con todas las obligaciones antes de hacerlo..." La frase de Oxley se apaga. [6]
Oliver se suicidó el 10 de julio de 2006. [9] [54] McDonald relata que, algunas semanas después de su muerte, Hooke indicó en una entrevista que Oliver era "una persona muy problemática", pero ninguna de las fuentes ofreció nada definitivo sobre por qué se quitó la vida; el propio McDonald concluyó que "nunca lo sabremos". [44] En 2013, se informó que el análisis de una muestra del cabello de Oliver contenía un nivel muy alto de cobre, casi 8 veces lo normal. [53] Los efectos debilitantes de los altos niveles de cobre, que están asociados con algunas enfermedades mentales, pueden haber sido exacerbados por un desequilibrio creado por los bajos niveles de zinc en su dieta, que carecía de carne roja. [53]
Poco antes de su muerte, Oliver había sido preseleccionada para el Premio de Arte Contemporáneo Clemenger de 2006. [55] Al año siguiente, Oliver estuvo entre los 60 artistas perfilados en el libro de Sonia Payes Untitled: Portraits of Australian Artists , [56] mientras que en 2008 sus obras finales se incluyeron en la Bienal de Arte Australiano de Adelaida. [1] Mientras tanto, el mercado de arte secundario estaba devolviendo sumas de seis cifras por sus obras en subasta; en 2007 se estableció un récord para el trabajo de Oliver cuando Skein (2004) se vendió por 192.000 dólares. [57] En 2010, se informó que el presidente de la Bienal de Sídney, Luca Belgiorno-Nettis, había pagado 300.000 dólares por una de las esculturas de Oliver, titulada Tracery . [58] En 2011, la Facultad de Bellas Artes de Sídney anunció que su nuevo estudio de esculturas llevaría el nombre de Oliver. [14] A finales de 2017 , Kip Williams lanzó en Carthona el libro de Hannah Fink , Bronwyn Oliver: Strange Things . [59]
Las obras de Oliver se conservan en la mayoría de las principales colecciones de arte australianas, incluidas la Galería Nacional de Australia, [23] la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, [54] la Galería Nacional de Victoria, [10] la Galería de Arte de Queensland , la Galería de Arte del Sur de Australia , la Galería de Arte de Auckland , [29] el Museo y Galería de Arte de Tasmania , [11] la Galería de la Ciudad de Wollongong, [16] la Galería Regional de Orange, [60] y la colección del gobierno australiano Artbank . [61] La primera "encuesta exhaustiva de 50 obras clave, desde mediados de la década de 1980 hasta la exposición individual final en 2006" se realizó en el Museo de Arte de Tarrawarra en Healesville, Victoria, del 19 de noviembre de 2016 al 5 de febrero de 2017. [62] [43]
