Época del álbum

No fue hasta mediados de la década de 1960, cuando the Beatles comenzó a lanzar LP artísticamente ambiciosos y vendidos masivamente, secundados por artistas rock y pop que siguieron su ejemplo, de forma que la industria abrazó los álbumes por su éxito inmenso, mientras que un floreciente periodismo musical reivindicó su valor cultural.

En la década siguiente, el LP había surgido como una unidad artística fundamental y un artículo muy popular entre los jóvenes, a menudo comercializado utilizando la idea de un álbum conceptual, criterio empleado especialmente por los intérpretes de música progresiva tanto rock como soul.

La industria discográfica combatió esta tendencia desplazando gradualmente los LP por los CD, lanzando menos singles que fueran éxitos para forzar las ventas de los álbumes que los acompañaban, inflando los precios de los álbumes en CD durante las siguientes dos décadas, cuando su producción proliferó.

Las cantantes y los músicos negros continuaron ganando reconocimiento crítico entre el canon predominantemente masculino blanco y orientado al rock de la era de los álbumes, con el floreciente género del hip hop creando estándares basados en álbumes por derecho propio.

Si bien las ventas de música física disminuyeron aún más en todo el mundo, el CD siguió siendo popular en algunos países como Japón, debido en parte al marketing y a la fidelidad de los seguidores que rodea a los ídolos locales más populares, cuyo éxito representó un alejamiento creciente del dominio global de la música en inglés.

[4]​ La introducción del vinilo en la producción de discos permitió obtener un soporte que se reproducía con menos ruido y mayor durabilidad.

Los artistas de jazz especialmente, como Duke Ellington, Miles Davis y Dave Brubeck, prefirieron el LP por la forma en que su capacidad les permitió grabar sesiones completas de sus composiciones con arreglos particulares e improvisaciones.

[18]​[19]​ Siguiendo el ejemplo de los Beatles, en 1966 se lanzaron varios álbumes de rock pensados como declaraciones artísticas, incluidos The Rolling Stones con Aftermath, The Beach Boys con Pet Sounds, Bob Dylan con Blonde on Blonde, o el propio Revolver de los Beatles , y The Who con A Quick One.

[24]​ Chuck Eddy se refiere a la "era de los grandes álbumes" comenzando con Sgt.

[26]​ Su lanzamiento en mayo de 1967 coincidió con el surgimiento del periodismo musical especializado en los Estados Unidos y la irrupción de intelectuales que buscaban que se consideraran los álbumes pop como obras culturales válidas.

[28]​ Reforzando su ambición creativa, el Sargent Pepper's estaba empaquetada en una portada desplegable incluyendo una hoja con las letras, tipificando una tendencia por la que los músicos ahora encargaban a asociados del mundo del arte que diseñaran sus carátulas de LP y presentaban sus álbumes a la compañía discográfica para su lanzamiento.

[40]​ Pink Floyd lanzó LPs temáticamente conceptuales e intrincadamente producidos que supusieron la reinvención de los estándares del rock para la década siguiente, en especial con su álbum de 1973 The Dark Side of the Moon.

[41]​ El músico-productor Brian Eno surgió a través de un trabajo prolífico que utilizó a fondo el formato con enfoques experimentales del rock progresivo, alcanzando su punto máximo en la era del álbum con sus grabaciones en solitario, así como con los LPs de Roxy Music, David Bowie, Talking Heads y U2.

[47]​ Añadiendo una observación más, Pareles señala que: "Las sucesivas canciones se convierten en una especie de narrativa, unida por la imagen y las fantasías del intérprete".

Esto llevó al desarrollo del lanzamiento del álbum moderno, destinado a impulsar su comercialización durante un período de tiempo prolongado, que va desde muchas semanas y meses hasta más de un año.

[53]​ Dependiendo de medios como la MTV, que emitía exclusivamente canciones de éxito, las compañías discográficas ejercían más presión sobre sus artistas para lograr el éxito comercial y la comercialización instantáneos.

A medida que siguió la década, Prince, Kate Bush y Public Enemy surgieron como más excepciones en el canon predominantemente masculino blanco y orientado al rock de la era de los álbumes.

[32]​ Según Hogan, "la difusión de casetes y CD en los años 80 supuso el declive del álbum, que además vio amenazada su condición de obra unitaria con las cintas caseras y un fácil acceso a las canciones más deseadas".

[44]​ En 1987, la industria de la música experimentó su año más rentable debido a la creciente popularidad del CD, destacada por éxitos de marketing como los de Michael Jackson, U2, Bruce Springsteen, Prince, Paul Simon, Whitney Houston, Sting, Bon Jovi y Def Leppard, con estos dos últimos representando el "boom" del glam metal en la industria.

[56]​ Sin embargo, muchas obras antiguas se pasaron por alto para su publicación digital "debido a problemas legales y contractuales, así como a simples criterios de elección", explica Strauss.

Los utilizaron principalmente como materia prima, buscando crear ritmos a partir de ellos".

[29]​ En 1999, el servicio de Internet Napster (ideado para compartir archivos en línea) permitió a los usuarios descargar fácilmente canciones individuales en formato MP3, que habían sido volcadas desde los archivos digitales originales contenidos en los CD.

Para los críticos, estos trabajos se convirtieron en otra forma de los discos art pop de larga duración que habían definido la era del álbum con una tradición basada en la guitarra rock, que se complicó aún más por la aclamación canónica otorgada al álbum electrónico post-rock de Radiohead Kid A (2000).

[79]​ Personas cercanas a la industria de la música[80]​ y escritores en la década de 2010, como Jon Caramanica[81]​ y Kevin Whitehead,[82]​ han descrito este período en la historia del álbum como la "era posterior al álbum".

En unas declaraciones posteriores a la década para Deseret News, Court Mann dijo que "servicios como Spotify y Apple Music han trasladado nuestras bibliotecas [de música] desde los discos duros personales, los iPods y los CDs, a la nube.

[87]​ Al año siguiente, la cantante repitió la estrategia con su álbum Lemonade y volvió a demostrar que "el Zeitgeist (en alemán, el espíritu de una época) podía ser capturado y celebrado en solo una noche", como explica Curto.

En 2019, cuando las ventas de CD y descargas digitales se desplomaron y las teorías sobre la "muerte" del formato del álbum físico aún persistían, Christgau encontró su premisa original todavía más válida.

Según su observación, muchos artistas discográficos habían revitalizado el álbum conceptual en torno a narrativas autobiográficas y temas personales, como la intimidad, interseccionalidad, la vida afroamericana, los límites entre las mujeres y el dolor asociado con la muerte.

Desarrollando este punto, el crítico de Los Angeles Times Mikael Wood dijo: "Sin embargo, mientras mantenía su música fuera de Spotify, condicionando a su audiencia leal a pensar en comprar sus canciones y álbumes como un acto de devoción, artistas más jóvenes como Ariana Grande surgieron para establecerse ellos mismos como los favoritos en las redes".

Sobre los próximos desarrollos en 2021, Tryon predice que los lanzamientos regionales de todo el mundo aumentarán en el mercado global, "la música generativa aumentará como resultado de las listas de reproducción contextuales" y "los álbumes continuarán disminuyendo a medida que la era posterior al álbum se vuelva cada vez más intensa".