El arte no es un instrumento ni una comodidad, sino una lógica secreta de la imaginación. Es otra manera de ver, cuyo sentido y valor residen en su autonomía, en su distancia respecto de la realidad, en su alteridad. [1]
—Louis le Brocquy
Una familia es un óleo sobre lienzo de 1951 delartista irlandés Louis le Brocquy . Representa a una mujer medio tumbada sobre una mesa y mirando al espectador acompañada de un gato en primer plano, un hombre sentado encorvado en el fondo y un niño que sostiene un ramo de flores a un lado, mirando a la mujer. La paleta de colores grises austera de la pintura y su representación del abatimiento dentro de la unidad familiar atrajeron fuertes críticas de algunos contemporáneos en la Irlanda de posguerra , mientras que otros elogiaron la voluntad del artista de abordar los problemas de la época en la obra. Actualmente se exhibe en la Galería Nacional de Irlanda .
En su representación de la cruda condición humana tras la Segunda Guerra Mundial, Síghle Bhreathnach-Lynch, curadora de arte irlandés en la Galería Nacional de Irlanda, señala: «La madre, tumbada sobre una mesa, apoyada en un brazo, mira con tranquila dignidad mientras un gato de aspecto amenazador observa desde debajo de la sábana. Al fondo, el padre está sentado, con la cabeza inclinada, en una pose que sugiere un abatimiento total. Parece no darse cuenta de que el niño pequeño sostiene un ramo de flores, un símbolo de esperanza. Las tres figuras pintadas de forma sombría habitan un búnker de hormigón gris, iluminado por una bombilla desnuda. El tema de esta obra inquietantemente sombría es la naturaleza del aislamiento individual y la ruptura de las normas sociales». [2]
Una familia pertenece al período gris del artista (1951-1955). Ampliamente reconocida como la obra maestra del artista de este período, la pintura marca un cambio en la paleta de colores desde el trabajo comparativamente colorido de finales de los años cuarenta a los blancos y grises predominantes. El crítico de arte John Berger escribe en Art News and Review : "Su estilo ha evolucionado y cambiado; sus colores son pálidos y severos; la Familia es mayoritariamente gris; sus formas, en su movimiento tanto a lo largo como a lo ancho del cuadro, son precisas. Esta delicadeza implica -porque el motivo de Le Brocquy es siempre humano- una ternura que no es sentimental y una sensación de asombro que es exacta; uno piensa dos veces sobre la construcción bastante ordinaria pero de hecho milagrosa de la espalda de cualquier hombre después de haber visto al padre en La familia". [3]
Según el crítico de arte John Russell : «A principios de los años cincuenta, sobre todo, se nos presentó como un hombre que buscaba la imagen que compondría todas las demás imágenes. Cualquiera que estuviera presente en esa época y se interesara por lo que se llamó "arte británico de posguerra" recordará el cuadro titulado "Una familia".» [4] Louis le Brocquy explica: «Siempre me ha fascinado la monumentalidad horizontal de la pintura tradicional de odaliscas , la mujer reclinada representada voluptuosamente por un maestro tras otro a lo largo de la historia del arte europeo: la Venus de Urbino de Tiziano , la Venus del espejo de Velázquez dándole la espalda a la corte española, la Maja vestida y desnuda de Goya , la Odalisca reclinada de Ingres en su serrallo y, finalmente, la gran Olimpia de Édouard Manet celebrando a su modelo favorita, Victorine Meurent . Mi propio cuadro Una familia fue concebido en 1950 en circunstancias muy diferentes, frente a la amenaza atómica, la agitación social y los refugiados de la Segunda Guerra Mundial y sus secuelas. Los elementos de su composición corresponden en algunos aspectos a los de Olimpia, si no a la fría sensualidad de Manet. La figura femenina de Una familia puede parecer que adquiere un significado muy diferente. El hombre, que sustituye al sirviente negro de Manet por un ramo de flores, está sentado solo. El ramo se reduce a un simple mechón que sostiene un niño. El gato negro olímpico, a su vez, se vuelve blanco, emergiendo siniestramente de las sábanas. Así es como Una familia se me aparece hoy. Hace cincuenta años fue pintada mientras contemplaba una condición humana reducida a circunstancias paleolíticas bajo bombillas eléctricas. [5]
La pintura se exhibió por primera vez en Londres en Gimpel Fils en junio de 1951, donde recibió elogios considerables. [6] [7] En 1952, un grupo de mecenas de arte se ofreció a presentar la pintura a la galería Hugh Lane , pero el Comité Asesor de Arte rechazó el obsequio por motivos de "incompetencia". El rechazo provocó disputas públicas entre artistas y críticos de arte que reflejaron opiniones divididas sobre los méritos del arte moderno . Con el tiempo, las actitudes hacia la pintura se volvieron más positivas. En junio de 1956, Louis le Brocquy representó a Irlanda en la Bienal de Venecia y A Family recibió el Premio Aquisitato, otorgado por Nestlé . En la Feria Mundial de 1958 en Bruselas , fue reconocido por su impacto histórico en la exposición Cinquante Ans d'Art Moderne ("Cincuenta años de arte moderno"). [2]
En 2002, A Family entró en la colección permanente de la Galería Nacional de Irlanda como regalo de Lochlann y Brenda Quinn . [8] Fue la primera pintura que entró en la colección permanente de la Galería mientras su artista aún estaba con vida. La curadora de la galería, Síghle Bhreathnach-Lynch, comentó que " A Family es reconocida con razón como una pintura seminal en la historia del arte irlandés del siglo XX. No es solo una obra de transición importante en la obra del artista, sino una que anticipa el modernismo como un estilo cotidiano en el arte irlandés". [2]
Durante su primera exposición en Gimpel Fils en 1951, la pintura recibió muchos elogios. John Berger observó en Art News and Review : «Le Brocquy está completamente libre de la tendencia contemporánea a la megalomanía cósmica. Se ha vuelto pretencioso hablar de la humildad de un artista, pero eso es lo que distingue su obra; sus estudios dan testimonio de su paciencia, y su cuadro final, de gran tamaño, de su negativa a evadir problemas simples pero difíciles recurriendo al cliché grandioso... La mitad derecha del gran grupo de la Familia es, por sí misma, la mejor pieza de pintura contemporánea que he visto en mucho tiempo, y ahora estoy convencido de que Le Brocquy es uno de los pintores británicos [sic] realmente prometedores (en este caso, esa palabra exasperante no es una excusa sino un logro) de su generación». [6] Eric Newton destacó a Le Brocquy como «un artista lírico con un don evocador excepcional». [7]
Tras su rechazo por parte de la Hugh Lane Gallery, la pintura alimentó una hostilidad generalizada del público hacia el arte moderno en la prensa, mientras que un pequeño grupo de artistas encabezó protestas ineficaces en apoyo del arte contemporáneo. Los críticos vieron la pintura como una "distorsión malsana y satánica de la belleza natural"; [9] la aversión se resumió en una opinión publicada por el Dublin Evening Mail : "Hay un lugar para monstruosidades en el Colegio de Cirujanos -hay muchas allí- y me daría mucho placer encontrar un lugar para cosas como "La familia" [sic] ... No le es dado al hombre ver el futuro, pero estoy bastante seguro de que en otros 100 años las obras de Turner , Constable y una galaxia de verdaderos artistas, cuyo trabajo todavía está con nosotros, serán apreciadas y admiradas, mientras que cosas como La familia [sic] habrán regresado al olvido del que nunca deberían haber surgido. [10] Como señala la Dra. Síghle Bhreathnach-Lynch, 'la imagen que el artista hace de la cruda realidad en forma de la aterradora incertidumbre de la era de posguerra y el aislamiento resultante de la unidad familiar impactó más que confortó. Un escritor de cartas a The Irish Times afirmó inequívocamente que el cuadro en cuestión está tan alejado de la belleza como la imaginación mortal más intensa puede concebir. Las figuras son bestiales, horriblemente deformes, con cabezas y rostros de idiotas. Si la gente común se encontrara con esas figuras en las calles, huiría de ellas aterrorizada. El crítico Tony Gray no vio ternura en las formas retratadas. Más bien sintió que eran "deprimentes y aterradoras" y que la paleta sombría simplemente "realzaba la desesperación de su tema". El Evening Herald tituló su reseña "De qué se trata todo esto" y criticó la exposición de Le Brocquy por representar lo que llamó "la izquierda en el arte" (una referencia oblicua al modernismo). Se acusó al artista de haber seguido el camino de todo lo sensacionalista, superficial y efímero. La columna “Man About Town” del Evening Mail consideró que toda la composición era “desconcertante y repulsiva” (¡la longitud del cuello de la mujer parecía ser especialmente aborrecible!). Se planteó una pregunta retórica que implicaba una respuesta negativa: “¿Cuál es el valor estético de estas distorsiones?”. Un editorial del mismo periódico amplió la investigación a una consideración del valor genuino del arte moderno en general. [2]
John Ryan, sin embargo, escribió en el Dublin Evening Mail : «Louis le Brocquy descubrió su modo de expresión peculiarmente individual al principio de su carrera y lo empleó con valentía incluso cuando ello significaba que tenía que descartar un estilo que prometía un futuro lucrativo y de moda como retratista al estilo tradicional. Que la opinión pública no le ha perdonado esta rebelión contra sus normas quedó ampliamente demostrado por el deplorable ataque al pintor en el Evening Herald recientemente. Sin embargo, la postura de Le Brocquy y su posterior desarrollo como artista le granjearon la admiración y el respeto de la opinión inteligente allí donde se ha exhibido su obra. En Gran Bretaña se le acepta como uno de los pocos pintores realmente brillantes de esta generación, mientras que Estados Unidos, en la medida en que ha tenido la oportunidad de juzgarlo, ha reaccionado de manera similar. A pesar de las críticas del Evening Herald, es satisfactorio observar que la exposición en sí ha sido un éxito sobresaliente en todos los aspectos». [11]