La talla dorada en Portugal ( en portugués : talha dourada ) es, junto con los azulejos , una de las expresiones artísticas más originales y ricas del país. Se suele utilizar en la decoración interior de iglesias y catedrales y de salones nobles en palacios y grandes edificios públicos. Una impresionante colección de retablos se encuentra en las iglesias portuguesas. Originaria de la época gótica, la talla dorada portuguesa asumió un carácter nacionalista durante el siglo XVII y alcanzó su apogeo en el reinado de D. João V. En el siglo XIX perdió su originalidad y comenzó a desaparecer con el final de la era del renacimiento.
La talla de madera dorada es una forma de arte menos costosa y más llamativa que otros tipos de decoración técnicamente más exigentes, como la escultura o la pintura, aunque el azulejo también es económico. La cantidad de oro necesaria es relativamente pequeña y no requiere la formación extensa de un escultor o pintor. Las formas se copian y adaptan de la arquitectura decorativa y se toman inspiración de los libros. Durante el siglo XVII se desarrolló un vocabulario típicamente portugués que, después de ser transportado al imperio, se adaptó a las tradiciones y capacidades artísticas locales, como se puede ver en Brasil o en la India , principalmente en Goa .
Los artistas reciben encargos de encargos regionales para garantizar la actividad de su taller, realizando en ocasiones varias obras relacionadas en una zona geográfica concreta. Existen ejemplares en color, en blanco o en madera natural, pero sin el impacto visual de las tallas doradas.
La talla dorada en madera en Portugal se inició en el periodo gótico siguiendo modelos arquitectónicos, tomados principalmente de la escultura y la orfebrería, utilizando el vocabulario decorativo del estilo. Arcos góticos, pináculos , columnas, etc., se asocian a la escultura o la pintura . La forma típica era una estructura de madera, con la talla dorada reservada para la parte arquitectónica de la “máquina” y el resto de los elementos dejados en madera simple o cubiertos de color. A pesar del pequeño número de retablos supervivientes (la gran mayoría fue reemplazada durante el período barroco ), se sabe que siguieron el gusto internacional, como el retablo mayor de la antigua catedral de Coímbra .
El estilo manuelino sigue el vocabulario de la arquitectura, utilizando principalmente la estructura del portal, dando importancia a la heráldica , la esfera armilar , la cruz de Cristo y los elementos naturalistas esculpidos. Los principales ejemplos, retablo y sillería del coro, del Convento de la Orden de Cristo de Tomar y del Monasterio de Alcobaça , desaparecieron, pero se conserva la monumental sillería del coro del Monasterio de Santa Cruz de Coímbra. El dorado de la madera siguió el planteamiento del norte de Europa , ajustado a la estética portuguesa de la época y fue realizado por el maestro flamenco Machim .
El Renacimiento siguió la decoración arquitectónica, pero sin talla dorada, empleando pintura y escultura y siguiendo la imaginación clásica de los libros de la época. La decoración tallada en madera se acercaba a las formas pétreas previstas, visibles en portales, tumbas o incluso en la orfebrería. La preferencia por los grandes retablos en piedra o la pintura no permitió el desarrollo de la talla en madera como forma de expresión autónoma, dejándola como arte decorativo. El Manierismo posterior proporcionó las condiciones necesarias para que surgiera una talla en madera dorada autónoma.
.jpg/1280px-Igreja_de_Camarate_(Imagem).jpg)
Factores económicos y de otro tipo propiciaron la expansión de la talla dorada en madera durante la época manierista. La crisis económica de finales del siglo XVI, la creciente importancia de los jesuitas , la pérdida del comercio de especias y, finalmente, la muerte del rey D. Sebastião en Alcácer Quibir, provocaron una reducción paulatina de los recursos económicos y la reducción de los grandes programas de pintura y escultura costosas , por considerarse un arte mayor, y más sujeto a las reglas impuestas por el Concilio de Trento . La talla en madera era el tipo decorativo perfecto para una época de crisis económica y espiritual, consecuencia de la ruptura entre católicos y protestantes. Las tallas deslumbraron -dando la idea de riqueza- y se adaptaron a todas las directivas de la Iglesia católica , al tiempo que exploraban esencialmente la forma arquitectónica. El retablo se convirtió en una composición de carácter arquitectónico, a menudo diseñado por arquitectos y posteriormente adaptado por el artista. Las tallas a menudo cubrían una pared entera y funcionaban como marco de cuadros . La talla en madera ganó autonomía y dejó la simple tarea de enmarcar obras de arte.
El conjunto se desarrolla en plantas, con varios tipos de soluciones. Los arcos de triunfo pueden combinarse con esculturas , generalmente en el coro, permitiendo ver el espacio detrás del retablo decorado. Ejemplos de ello son los monumentales retablos poco pintados del coro de la Iglesia de São Domingos de Benfica y de la Iglesia de la Luz en Carnide - Lisboa y el retablo de Carnide, muy pintado, ejecutado por Francisco Venegas con la colaboración de Diogo Teixeira .
El retablo mayor de la Iglesia de San Roque de Lisboa pertenece a otro grupo, típico de las iglesias jesuíticas. El de San Roque de Lisboa es la cabecera de la serie para todo el imperio portugués. Se caracteriza por su elaborada decoración, líneas bien estructuradas, con claras referencias clásicas, varios pisos, columnas y espacios bien compartimentados. El esquema fue muy repetido en las iglesias jesuitas. La Catedral de Portalegre exhibe una importante variación de este esquema. El retablo de pintura está enmarcado por un conjunto clásico de columnas, relieves y esculturas .
Este período fue la fase más monumental de la carpintería en Portugal y Brasil.
Con el fin de los 60 años de unificación ibérica forzosa bajo el gobierno de los reyes españoles Felipe II , III y IV , la restauración de la independencia en 1640 y la posterior guerra, la talla de madera en Portugal se desvinculó de los modelos barrocos españoles. En tiempos económicos difíciles, la talla de madera ganó en importancia, ya que la escultura y la pintura se redujeron en los retablos, dejando atrás las inspiraciones clásicas, tomadas de los libros internacionales que llegaban a través de España. La inspiración está claramente tomada de las portadas románicas y manuelinas. El diseño fluyó de las primeras mientras que la decoración adoptó el estilo naturalista de las segundas.
El retablo semeja una potente máquina, construida con arquivoltas concéntricas , columnas salomónicas clásicas, tribunas y trono. La decoración se basa principalmente en hojas dispersas que cubren todo el conjunto. El retablo es indudablemente barroco, aunque presenta características claramente opuestas a los modelos españoles.
La paz ibérica y el descubrimiento del oro y los diamantes brasileños convierten a Portugal, bajo el reinado de D. João V, en el país más rico de Europa, lo que permite el desarrollo del arte barroco internacional en todas sus formas. El gusto portugués se ajustó a los modelos internacionales y fue bautizado como "Joanina". Convirtió las arquivoltas en tallas recortadas, incorporó ángeles escultóricos, guirnaldas, formas vegetales, pájaros y elementos arquitectónicos. Mantuvo las columnas helicoidales, la galería y el trono. La decoración, que sugiere esculturas, se extiende por toda la iglesia, cubriendo todas las superficies disponibles: bóvedas, paredes, columnas, arcos y púlpitos. Los ejemplos notables se encuentran dispersos de norte a sur, pero los principales son la iglesia de São Francisco (Oporto) y la iglesia de Santa Clara (Oporto). Ambas estaban completamente cubiertas de talla barroca dorada en madera, lo que les daba el aspecto de una cueva dorada. Los ejemplos más significativos en Oporto son los siguientes:
El Rey poseía carruajes de madera tallada y dorada, entre los que se encuentran tres carruajes barrocos utilizados por su embajada ante el Papa , hoy en el Museu Nacional dos Coches (Museo Nacional de Carruajes), en Lisboa.
El rey D. João V fue sucedido por su hijo, el rey D. José . La abundancia de recursos sostuvo la política de esplendor, basada en diamantes y metales preciosos de Brasil, lo que permitió una arquitectura de lujo y programas decorativos modernos, posteriores al rococó . Durante el período, Portugal sobrevivió a su peor catástrofe natural y una de las peores de Europa: el terremoto de Lisboa de 1755 .
La talla dorada rococó se subdivide en varias corrientes o estilos regionales, lo que le permite mantener la variedad y originalidad, de norte a sur. Conchas, ángeles, volutas, hojas, puti, columnas, columnas espirales (pseudo-salomónicas), materiales pintados y mucho oro son su vocabulario formal.
En torno a Lisboa se desarrollaron dos grandes variantes. Algunas obras siguieron a la casa real, caracterizadas por la elegancia y la calidad de los motivos decorativos, pero con el vocabulario rococó y con influencias que permanecieron de la talla joanina y de la capilla de São João Baptista en la iglesia de São Roque. Algunos ejemplos son:
Las iglesias pombalinas desarrollaron una expresión diferente. En la reconstrucción tras el terremoto se utilizaron materiales prefabricados. Estos edificios presentan una decoración interior rococó, materiales pintados en madera y yeso, tribuna y trono en el altar mayor, columnas, formas arquitectónicas, algunas formas doradas, algunas pinturas (la obra de Pedro Alexandrino de Carvalho es la más importante) y esculturas. Ejemplos de ello son: Iglesia de Santo António de Lisboa (construida en la casa natal de San Antonio ), Iglesia de la Encarnación, Iglesia de la Magdalena y Basílica de Nossa Senhora dos Mártires. En los edificios menos destruidos, se buscó armonizar las formas pombalinas con la decoración existente.
La influencia francesa no sacra ("profana") fue visible. Se caracterizó por suntuosas decoraciones en tallas de madera doradas y/o materiales que simulaban yeso, normalmente en el interior de los palacios. Fue popular entre la aristocracia. El principal ejemplo es la sala del trono del Palacio Nacional de Queluz .
En la zona de Coimbra se inició una escuela regional con el retablo mayor de la Iglesia del Monasterio de Santa Cruz . Las estructuras son rococó, pero la influencia pombalina es evidente en los mármoles pintados, las columnas, la galería y el trono. La influencia de "Joanina", sobre todo en la conclusión superior, con un simpático frontón y esculturas de aspecto angelical, es visible.
El norte de Portugal desarrolló una impresionante lista de retablos rococó, que fusionan el rococó y el joanino. Las obras eran completamente doradas y estaban asociadas a la pintura o la escultura.
En los alrededores de Braga , gracias a la obra de André Soares , se desarrolló otra escuela regional, caracterizada por la fusión del color y el oro, en retablos de gran elegancia y calidad. Estos auguran la llegada del período clasicista . Ejemplos de ello son:
En el sur de Portugal, la talla de madera es menos común debido a la abundancia de mármol, lo que evita la necesidad de desarrollar estructuras de madera que imitan el mármol. Ejemplos notables en el Alentejo y el Algarve son diferentes del resto del país. Esta originalidad es particularmente visible en Évora , en:
Los carruajes siguieron luciendo tallas y dorados. El reinado de D. María I produjo los últimos ejemplos importantes que se exhiben en el Museo Nacional de Coches.
El Neoclasicismo marcó el fin de la talla de calidad en Portugal. Se construyeron pocas iglesias y se conservaron pocos ejemplos. Siguen los modelos clásicos romanos y, debido a la exigencia de respetar los órdenes arquitectónicos clásicos, se perdió su originalidad. Ejemplos notables son la Iglesia de la Orden Terceira de São Francisco y el altar de la Iglesia de Lapa (Oporto). Otro factor importante fue el exilio de la familia real a Brasil durante la invasión francesa, donde el país (Reino Unido de Portugal y Brasil) concentró sus inversiones artísticas. Diecisiete años después, cuando el Rey regresó, el Romanticismo se instaló y la talla dorada había perdido su significado y originalidad, abrumada por la moda revivalista.
