Metateatro , y el término estrechamente relacionado metadrama , describe los aspectos de una obra que llaman la atención sobre su naturaleza como drama o teatro , o sobre las circunstancias de su representación. "Breaking the Fourth Wall" es un ejemplo de dispositivo metateatral.
Los dispositivos metateatrales pueden incluir: dirigirse directamente a la audiencia (especialmente en soliloquios , apartes , prólogos y epílogos ); expresión de una conciencia de la presencia de la audiencia (ya sea que se dirija a ella directamente o no); un reconocimiento del hecho de que las personas que actúan son actores (y no los personajes que interpretan); un elemento cuyo significado depende de la diferencia entre el tiempo y lugar representado del drama (el mundo ficticio) y el tiempo y lugar de su presentación teatral (la realidad del hecho teatral); obras de teatro dentro de obras de teatro (o mascaradas, espectáculos u otras formas de actuación dentro del drama); referencias a la actuación , el teatro, la escritura dramática, el espectador y la metáfora frecuentemente empleada según la cual " todo el mundo es un escenario " ( Theatrum mundi ); escenas de escuchas u otras situaciones en las que uno o varios personajes observan a otro u otros, de modo que los primeros relacionan el comportamiento de los segundos como si se tratara de una representación escenificada para su beneficio.
Las palabras "metateatro" y "metadrama" combinan teatro o drama con el prefijo griego "meta—", que implica "un nivel más allá" del tema al que califica.
La metateatralidad ha sido una dimensión del drama desde su invención en el teatro de la Grecia clásica hace 2.500 años. Uno de los principales objetivos de esta metateatralidad era mantener a los espectadores alejados de una total implicación o creencia en el desarrollo de la trama presentada. En particular , la comedia griega antigua lo utilizó con frecuencia (aunque también se pueden encontrar ejemplos en la tragedia ). [ ejemplo necesario ]
En el teatro inglés moderno temprano , los personajes a menudo adoptan una posición en el fondo del escenario en estrecho contacto con el público y comentan las acciones de los demás de manera sarcástica o crítica, mientras que los otros actores asumen la convención de que el primero permanece sin ser escuchado ni visto mientras lo hace. Siguiendo el trabajo de Robert Weimann y otros, los estudios teatrales utilizan los términos locus y platea (relacionados con "ubicación" y "lugar", tomados del teatro medieval ) para describir este efecto escénico: el locus está localizado dentro del drama de manera que sus personajes están absortos en su ficción y desconocen la presencia del público; mientras que la platea es un espacio neutro y en estrecho contacto con los espectadores que existe en el límite entre la ficción y la realidad del público.
Cuando la derrotada Cleopatra , interpretada por un joven actor en el quinto acto de Antonio y Cleopatra de Shakespeare , teme su humillación en los teatros de Roma en obras montadas para ridiculizarla, dice: "Y veré a algún muchacho chillón de Cleopatra, mi grandeza, en el postura de puta". Si bien en este punto el actor no está necesariamente involucrado en dirigirse directamente a la audiencia, la realidad del actor masculino debajo del personaje femenino se reconoce abierta y cómicamente (calificando de manera importante, respaldada aún más en la escena y la obra como en conjunto, el trágico acto de su inminente suicidio). Una metateatralidad de este tipo se encuentra en la mayoría de las obras de ese período.
En Hamlet , se produce el siguiente intercambio entre Hamlet y Polonio :
Hamlet: ... Mi señor, usted dice que jugó una vez en la universidad.
Polonio: Eso hice, mi señor, y fui tenido por buen actor.
Hamlet: ¿Y qué promulgaste?
Polonio: Promulgué a Julio César . Me mataron en el Capitolio. Bruto me mató.
Hamlet: Fue una parte brutal de él matar allí a un ternero tan importante.— Hamlet (3.2.95-100).
Si el único significado de este intercambio radicara en su referencia a personajes de otra obra, podría llamarse momento metadramático (o " intertextual "). Sin embargo, dentro de su contexto escénico original, hay una referencia metateatral más específica. Los historiadores suponen que Hamlet y Polonio fueron interpretados por los mismos actores que habían interpretado los papeles mencionados en Julio César de Shakespeare uno o dos años antes en el mismo escenario. [1] Aparte del vínculo dramático del personaje de Hamlet con el asesino Bruto (que presagia el asesinato de Polonio por parte de Hamlet más adelante en la obra), se hace referencia cómicamente a la conciencia del público sobre las identidades de los actores y sus roles anteriores.
Otro ejemplo de Shakespeare se encuentra en el acto V de El sueño de una noche de verano . Los rudos mecánicos presentan a Píramo y Tisbe a los nobles atenienses, quienes comentan abiertamente sobre la actuación a medida que se desarrolla. La historia de Píramo y Tisbe es muy paralela a la historia de Lisandro y Hermia, lo que sugiere que la de ellos podría haber terminado trágicamente. Luego, Puck, que ha roto la cuarta pared varias veces para compartir apartes con el público, sale de la acción de la obra para dirigirse directamente al público. Su discurso final se despide del público y les pide que piensen en la obra como sólo un sueño si les ha ofendido. Esto se relaciona con la forma en que Bottom racionaliza su experiencia en el bosque como sólo un sueño. Estas capas metateatrales sugieren que todos habitamos los roles de observadores y observados en el escenario mundano y que es posible descartar experiencias extrañas como sueños.
En la era moderna, el auge del realismo y el naturalismo condujo al desarrollo de una convención escénica conocida como la " cuarta pared ". La metáfora sugiere una relación con la puesta en escena detrás de un arco de proscenio . Cuando una escena se desarrolla en un interior y tres de las paredes de su sala se presentan en el escenario, la "cuarta" de ellas discurriría a lo largo de la línea que divide la sala del auditorio (técnicamente llamada "proscenio"). La cuarta pared es, por tanto, una pared invisible e imaginada que separa a los actores del público. Si bien el público puede ver a través de este "muro", asume la convención, los actores actúan como si no pudieran. En este sentido, la "cuarta pared" es una convención de actuación , más que de escenografía . Puede crearse independientemente de la presencia de paredes reales en el decorado, de la disposición física del edificio del teatro o del espacio de actuación, o de la distancia o proximidad de los actores al público.
"Romper la cuarta pared" es cualquier caso en el que se ignora esta convención de interpretación, adoptada de manera más general en el drama. La suspensión temporal del convenio de esta manera llama la atención sobre su uso en el resto de la actuación. Este acto de llamar la atención sobre las convenciones de interpretación de una obra es metateatral.
Un efecto similar de metareferencia se logra cuando se suspende temporalmente la convención de actuación de evitar el contacto directo con la cámara, generalmente utilizada por los actores en una película o drama televisivo. La frase "romper la cuarta pared" se utiliza para describir tales efectos en esos medios.
Ejemplos de metateatralidad distintos de "romper la cuarta pared" ocurren en obras de muchos dramaturgos realistas, incluidos Henrik Ibsen , August Strindberg y Anton Chejov . Como ocurre con el modernismo en general, la metareferencia en forma de metateatralidad llega a desempeñar un papel mucho más central y significativo en el teatro modernista, particularmente en la obra de Bertolt Brecht , Vsevolod Meyerhold , Luigi Pirandello , Thornton Wilder , Samuel Beckett y muchos otros. .
En tiempos más recientes, Con la gente del puente de Dimitris Lyacos emplea técnicas metateatrales mediante las cuales una obra improvisada centrada en la leyenda del vampiro se ve desde el ángulo de un espectador que registra en su diario el escenario y los preparativos, así como la secuencia de la soliloquios de los actores intercalados con notas personales sobre el desarrollo de la actuación.
El término "metateatro" fue acuñado por Lionel Abel en 1963 y desde entonces ha entrado en un uso crítico común. Abel describió el metateatro como un reflejo de la comedia y la tragedia, al mismo tiempo, donde el público puede reírse del protagonista y al mismo tiempo sentir empatía. [2] Abel lo relaciona con el personaje de Don Quijote , a quien considera el personaje prototípico, metateatral, autorreferente. Don Quijote busca situaciones de las que quiere formar parte, sin esperar a que la vida lo obligue, sino sustituyendo la realidad por la imaginación cuando el mundo carece de sus deseos. [3] El personaje es consciente de su propia teatralidad. El cruce Meta-Theater de Khalil-Ghibran mezcla el término con el prefijo griego como antes, pero los matices poéticos transmiten el sentimiento familiar de conciencia.