La técnica de imagen multidinámica es el nombre dado por su creador canadiense Christopher Chapman (24 de enero de 1927 – 24 de octubre de 2015) a una innovación cinematográfica que muestra varias imágenes que se desplazan simultáneamente en paneles en ángulo recto dentro de la imagen general, y dichos paneles contienen una sola imagen o forman parte de una imagen completada por uno o varios paneles más. El proceso se utilizó por primera vez en su película A Place to Stand , producida para el pabellón de Ontario en la Expo 67 , celebrada en Montreal .
La película de ciencia ficción y fantasía The Door in the Wall (dir. Glenn Alvey, guion de Alvey y HG Wells), estrenada en 1956 por Associated British - Pathe , puede considerarse un precursor primitivo de la técnica de Chapman. Utilizando lo que anunciaba como "el marco dinámico, en el que la forma y el tamaño de la imagen cambian según las necesidades dramáticas de la historia", [1] la película, sin embargo, no mostraba movimiento de paneles de imágenes ni multiplicidad o división de imágenes. Chapman sintió que "estaba claro que su fracaso era creativo, no técnico" y decidió no seguir el consejo de emplear esta técnica de enmarañado cuando hizo una película para el pabellón de la Telephone Association en la Expo 67. [2]
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Chapman tuvo inicialmente grandes dificultades con los aspectos técnicos de su concepto ampliado para A Place to Stand y casi abandonó la idea como resultado; en sus propias palabras, "no tenía nada que leer sobre cómo hacerlo". Trabajando a partir de 350 páginas de notas, [3] se limitó a editar en una moviola con dos cabezales de imagen , de modo que solo se pudieran ver dos imágenes simultáneamente; "nunca podía 'ver' cómo se desarrollaba la película". [2]
Las tomas se analizaban "teniendo en cuenta los encuadres verticales y horizontales, los encuadres extraños, los encuadres pequeños y los encuadres grandes". [2] Era importante filmar también material que fuera de interés limitado, para no confundir al espectador con demasiados estímulos visuales. [2] La edición requería prestar mucha atención a hacia dónde dirigirían la mirada del espectador las distintas imágenes. [4]
La técnica empleada en A Place to Stand permitía mostrar hasta 15 imágenes a la vez. De esta manera, la película de menos de 18 minutos contenía una hora y media real de metraje. Las dimensiones de la pantalla original utilizada eran 66 pies o 20,12 m (ancho) por 30 pies o 9,14 m (alto). [2] A diferencia de otras películas con múltiples imágenes, no requería un equipo especial ni una sala especial. [5]
La película y su innovadora técnica gozaron de una gran popularidad inmediata. Se calcula que dos millones de personas la vieron en la Expo 67 y, más tarde, se distribuyó en los cines, llegando a una audiencia estimada de 100 millones de personas en América del Norte y Europa. [6] [4]
A Place to Stand fue nominada en dos categorías en la 40.ª edición de los Premios Óscar de 1967, que se entregaron el 10 de abril de 1968: Mejor cortometraje documental y Mejor cortometraje de acción real , y ganó en esta última. También le valió a Chapman el premio Canadian Film Award (que luego se convertiría en el premio Genie ) a la película del año (y además ganó el premio a la mejor edición de sonido no cinematográfica). [7] El propio Chapman fue finalmente nombrado miembro de la Orden de Canadá en 1987. [8]
Los ejecutivos, productores y directores de casi todos los estudios más importantes de Hollywood compraron copias de la película de Chapman para que las vieran. [2] La técnica ha inspirado muchas películas y series de televisión, la más notable es la película de Norman Jewison de 1968 The Thomas Crown Affair . Steve McQueen , estrella de la película, estuvo presente en la proyección de estreno de A Place to Stand en los estudios Todd-AO en Hollywood, y le dijo personalmente a un inseguro Chapman (que "pensó que era un fracaso") que estaba muy impresionado; al año siguiente, Norman Jewison había incorporado la técnica a la película, insertando las escenas en el producto ya terminado. [4] (Chapman luego disuadió a un "muy decepcionado" McQueen de usar la técnica en su vehículo de 1971 Le Mans , alegando que "era una película demasiado grande, con demasiados escritores; no funcionaría de esa manera". Ha declarado que "muchos cineastas adoptaron entonces la imagen multidinámica aunque pocos la entendían"). [3]
El estrangulador de Boston , también de 1968 (director Richard Fleischer ), tiene varias secuencias largas de múltiples fotogramas claramente basadas en el original de Chapman en términos de disposición y ritmo; aquí, sin embargo, los paneles permanecen estáticos y no muestran imágenes idénticas en multiplicidad simultánea. Fleischer utilizó la técnica nuevamente, esta vez con imágenes subdivididas y paneles en movimiento más cercanos al original de Chapman, en la secuencia de título de su película de 1973 Soylent Green . [9]
La innovación de Chapman encontró rápidamente aceptación en la televisión de finales de los años 1960 y 1970, especialmente en las secuencias de títulos. Mannix , Barnaby Jones , Kojak , Medical Center , The Odd Couple , Dallas , Phyllis , Lancelot Link , Me and the Chimp , The Brady Bunch y The Bob Newhart Show (comenzando con la quinta temporada en 1976-77) son todos ejemplos de la técnica utilizada en los créditos iniciales hasta cierto punto, ya sea combinando múltiples paneles como en A Place to Stand o superponiendo paneles en imágenes de pantalla completa (como con The Bob Newhart Show ). De hecho, la técnica de imagen multidinámica ha sido mencionada en la prensa como el "efecto Brady Bunch". [10] [11] La serie de televisión estadounidense de acción dramática más contemporánea 24 , así como la serie documental canadiense Final 24, también utilizan la técnica.
En términos más generales, se ha atribuido a la técnica de imagen multidinámica el mérito de haber sentado las bases para el formato IMAX . [12]