La integridad artística se define generalmente como la capacidad de omitir un nivel aceptable de valores opuestos, disruptivos y corruptores que de otro modo alterarían la visión original de un artista o entidades de una manera que viola sus propios estándares estéticos preconcebidos y valores personales. [1] [2] Son los altos estándares artísticos o estándares de alguien (el que tiene integridad artística) para hacer su trabajo, y la determinación de esa persona de no bajar esos estándares. [3] Esto no significa necesariamente que un artista deba ignorar las influencias externas en el proceso de creación. A menudo se estudia académicamente bajo el paraguas más amplio de la integridad personal , pero artículos recientes han demostrado la necesidad de sus propios estándares y estudios dado el amplio uso del concepto en la crítica del arte contemporáneo junto con la continua inversión gubernamental. [4] [5] [6] La definición en sí puede adoptar muchas formas y se ha debatido académicamente debido a la naturaleza matizada de la superposición de la integridad artística con formas no artísticas de integridad y los diferentes valores en los marcos filosóficos tanto de los artistas como de la comunidad en general. A pesar del uso generalizado del concepto en los medios de comunicación y en la industria creativa, la integridad artística a menudo ha sido ignorada filosóficamente en comparación con la integridad personal y mecánica . Un factor importante a considerar en el debate sobre la integridad artística es el contexto, no solo en términos del espíritu histórico , sino más prominentemente, la comprensión cultural y personal del término por parte de la comunidad y los artistas. Si se dice que un individuo posee integridad artística, eso no equivale a que esa persona también posea integridad personal; correspondientemente, la ausencia de integridad personal no equivale a la ausencia de integridad artística.
El concepto filosófico de integridad artística se remonta al desarrollo del movimiento romántico de finales del siglo XVII y principios del XVIII, junto con una mayor idealización de los artistas. Se sostiene que este es el punto de partida del concepto en sí y demuestra que se aplica de forma diferente según el movimiento artístico del que se trate. El movimiento romántico también provocó la diferenciación de los artistas de otros profesionales en genios byronianos reverenciados; este concepto de "genio artístico" está estrechamente relacionado con el hecho de que el artista en cuestión mantenga su integridad artística a los ojos de sus contemporáneos para proteger su condición de genio frente al mayor escrutinio público que conlleva el reconocimiento.
Al mismo tiempo que el movimiento romántico, se produjo un cambio económico hacia el capitalismo , cuyo impacto económico alteró la forma en que los artistas se ganaban la vida, lo que en última instancia dio lugar al surgimiento de los mercados del arte y la posterior industrialización. En la década de 1940, los teóricos comenzaron a debatir estos mercados del arte en el contexto de un término general acuñado como “industrias culturales”. Su enfoque ha sido criticado por centrarse demasiado en el valor económico del arte y pasar por alto los valores artísticos y sociales. La prevalencia de estas teorías y el impacto continuo de la comercialización masiva conducen a un choque entre la percepción romántica de los artistas y sus principios económicos. Quizás aquí es donde el “mito del artista torturado” entró en conflicto con la economía del capitalismo, lo que dio lugar a la idea generalizada de que los artistas pueden tener integridad si no comercializan su arte o tienen éxito financiero. [8]
Este conflicto en el ámbito académico sobre la integridad artística continuó durante la década de 1960, cuando el artista gráfico soviético Vladimir Favorsky midió y definió la integridad artística según en qué medida una obra de arte mostraba el tiempo invertido por el artista en ella. Sostenía que para ello los artistas tendrían que renunciar por completo a su personalidad y sumergirse sin distracciones en la obra de arte en sí, vinculando así la inversión de tiempo como una medida primaria de la integridad artística. [9]
Para resolver algunos de los problemas de la "industrialización" del arte, surgió filosófica y prácticamente la disciplina del marketing del arte, que finalmente condujo al desarrollo del primer modelo de orientaciones creativas de Elizabeth Hirschman, que ayudó a proporcionar un marco para que los académicos consideraran la integridad artística. [10]
Con el tiempo, los mercados del arte experimentaron un cambio desde las antiguas visiones elitistas del " gran " arte hacia formas de nicho más accesibles, como la escena musical " underground ", que se considera una representación más pura de la integridad artística que la música popular debido a su relativa falta de rentabilidad. Esto también se ejemplifica en el cine, donde los contemporáneos ven a los directores que participan en festivales de cine de nicho como más auténticos, lo que da como resultado una visión de que tienen más integridad artística que aquellos que crean para un público general.
Las últimas dos o tres décadas mostraron un creciente interés del público y de la comunidad artística en la integridad artística debido al creciente éxito comercial de ciertas formas de arte como el cine y la música, junto con un cuestionamiento adicional del valor estético debido a la politización y la inversión en la industria del arte con esta lucrativa expectativa de beneficios monetarios.
Su modelo de "orientaciones creativas" se ha utilizado para ayudar a contextualizar la integridad artística en el ámbito académico.
Hay tres orientaciones creativas principales que cohabitan en la industria del arte:
Los beneficios económicos pueden surgir inadvertidamente en el caso de las dos primeras orientaciones; sin embargo, no son la razón de la creación. Los participantes pueden trabajar en cualquier combinación de las tres orientaciones; pueden crear para sí mismos, para otros artistas o por razones puramente comerciales.
Los creadores egoístas establecen sus propios estándares internos de su arte por encima de los de los demás, incluso si eso significa arriesgarse a posibles pérdidas monetarias y reacciones sociales.
Los creadores orientados a sus pares también valoran la integridad artística por encima de las ganancias financieras, pero la opinión de los pares en la industria creativa es el centro de atención. Hirschman comenta que estas empresas creativas defienden la integridad artística como la norma de la industria; la metodología para garantizar que se cumplan estas expectativas es a través de la evaluación de pares.
Los creadores con orientación comercial se centran en las ganancias monetarias durante todo el proceso creativo. Esta orientación financiera ha hecho que esta orientación sea la más controvertida, ya que refleja la industria creativa a través de críticas sobre el daño a la integridad artística debido a su naturaleza centrada en el marketing. La expectativa de este enfoque centrado en el mercado es que la rentabilidad y la exposición generalizada se darán mediante principios de marketing; sin embargo, tanto los artistas como los consumidores creen que esto depende en gran medida de un intercambio de integridad artística por exposición. Esto se conoce como "venderse" y generalmente se considera que tiene una connotación negativa de la calidad del trabajo del artista.
Bajo el autonomismo se presume que el arte en sí no tiene asociación con otras formas de realidad y por lo tanto no puede ser juzgado como algo más que libertad de expresión, lo que a su vez omite que el arte sea evaluado moral e incluso cognitivamente, haciendo de la integridad artística un concepto vacío. [11]
La compleja historia y la falta de variedad en el estudio de la integridad artística se reflejan en la multiplicidad de la percepción de los artistas sobre la integridad artística. De las entrevistas realizadas en el ámbito académico surgieron características comunes que involucraban la importancia de la integridad artística para los creadores y la presencia de un marco interno en el que la definían; contextualmente, su percepción de lo que esperaban de sí mismos y cuál era la percepción del público dentro de su ideología personal. Sin embargo, las interpretaciones y definiciones generales de la integridad artística diferían radicalmente de un artista a otro y, a veces, se consideraban contradictorias. Estos hallazgos pusieron en tela de juicio la validez del uso moderno del término en sí, lo que abogaba por una mayor representación de los artistas para definir la legitimidad y las connotaciones de su propia integridad.
La integridad artística se refiere a que la traducción final sea “una versión que presente, en el entorno de la lengua meta, un mensaje al lector lo más cercano posible al mensaje original a los ojos del lector de la lengua fuente”. [12] Como la traducción palabra por palabra rara vez se aplica, se espera que el traductor intente mantener cada característica del texto inicial (dentro de los límites matemáticos de la traducción perfecta) a través de ajustes factuales para mantener la integridad artística del texto original. Se enfatiza mucho que esto no equivale a que el traductor ignore los hechos literarios en la traducción, sino que estas omisiones solo se hacen para preservar la integridad artística cuando es necesario, ya que de lo contrario se perdería todo el mensaje original en la traducción. La integridad artística no solo se ocupa de las palabras en sí, sino del alma del texto en el sentido de que considera el significado en más niveles que el literal; también considera las imágenes, los logos del texto meta y los matices que podrían contribuir tanto como las palabras literales de la lengua fuente.
El enfoque de integridad artística en la traducción gira en torno a cuatro procesos: penetración, adquisición, transición y presentación.
Muchos países del primer mundo han identificado la importancia de la participación del arte en el bienestar de su economía y sus comunidades, lo que ha impulsado la financiación pública de iniciativas y políticas artísticas. Estas incluyen la inversión en educación artística superior con la esperanza de impulsar la viabilidad financiera de la industria artística, manteniendo al mismo tiempo la naturaleza "culturalmente específica" de las formas de arte. Algunos ejemplos de países que emplean la inversión de los contribuyentes en estas industrias creativas son Australia, Nueva Zelanda, Canadá, Irlanda y Finlandia [13].
La novela de 1884 ha sido objeto de controversia debido a que menciona la palabra N 219 veces y a que fue escrita por un hombre caucásico. [14] El discurso principal gira en torno a su uso en el sistema educativo estadounidense, donde un lado argumenta que debería enseñarse utilizando una versión censurada o no enseñarse en absoluto, mientras que el otro lado piensa que censurar la obra conduce a la pérdida de su integridad artística, ya que algunas interpretaciones literarias muestran que el uso de la palabra no era para promover el racismo, sino más bien para desacreditarlo. [15] Se considera que las versiones editadas de la novela que usan la palabra esclavo en su lugar han perdido la integridad artística del texto original; sin embargo, algunos profesores y estudiantes se sienten agobiados por decir una palabra tan despectiva. [16] [17]
En una carta de 1816 de James Stanier Clarke , el bibliotecario de la Casa Coburg de Su Alteza Real, se sugirió que Jane escribiera un romance histórico ambientado en esa casa, ya que habría sido políticamente ventajoso para el Príncipe y rentable para la propia Jane. [18] Sus memorias más tarde revelaron que ella rechazó su sugerencia porque reconoció que sería popular y rentable, pero que chocaría con su estilo hasta el punto de que teóricamente se ahorcaría antes de escribir un capítulo del libro sugerido.
El artículo de 2006 Sex Pistols sell out (Los Sex Pistols se venden) analizaba la controversia en torno a la decisión de la banda punk Sex Pistols de ceder la propiedad de su música a Universal Music Publishing Group, que explotará su música a través de anuncios y otros medios comerciales. El autor del artículo expresó su disgusto por la falta de integridad artística provocada por esta decisión. [19] Los comentarios en torno a este artículo también argumentaban que la discografía de los Sex Pistols siempre los ha construido como artistas que no se preocupan por nada más que por ellos mismos y que tal vez sus seguidores no deberían sorprenderse por esta acción, ya que parece estar en línea con el propio sentido de integridad artística de la banda. Este es un ejemplo contemporáneo de artistas que tienen un sentido de integridad artística diferente al del público y que, en contexto, "venderse" está totalmente dentro de los límites de su integridad artística.
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