La expresión musical es el arte de tocar o cantar con una respuesta personal a la música . [1]
A nivel práctico, esto significa hacer un uso apropiado de la dinámica , el fraseo , el timbre y la articulación para darle vida a la música. [2] Los compositores pueden especificar estos aspectos de la expresión en mayor o menor medida en la notación de su partitura musical .
La naturaleza de la expresión musical también se ha discutido a nivel teórico a lo largo de la historia de la música clásica . Una visión común es que la música expresa y evoca emociones, formando un conducto para la comunicación emocional entre el músico y el público. Esta visión ha estado presente durante la mayor parte de la historia de la música, aunque se expresó con mayor claridad en el romanticismo musical . [3] Sin embargo, el papel de la emoción en la música ha sido cuestionado en ocasiones por aquellos como Igor Stravinsky , que ven la música como una forma de arte pura y la expresión como una distracción irrelevante.
En los períodos barroco y clásico de la música, la música (y la estética en su conjunto) se vio fuertemente influenciada por la teoría de la mímesis de Aristóteles . El arte representaba la perfección y la imitación de la naturaleza, el habla y la emoción. [4]
Como el habla se tomó como modelo para la música, la composición y la interpretación en el período barroco estuvieron fuertemente influenciadas por la retórica . Según lo que se ha dado en llamar la teoría del afecto , se esperaba que un músico despertara sentimientos en su audiencia de la misma manera que un orador pronuncia un discurso de acuerdo con las reglas de la retórica clásica. Como resultado, el objetivo de una pieza musical era producir una emoción particular, por ejemplo alegría, tristeza, ira o calma. La armonía, la melodía, la tonalidad, el metro y la estructura de la música trabajaban para este fin, al igual que todos los aspectos bajo el control del intérprete, como la articulación y la dinámica. [5]
Como escribió Johann Joachim Quantz :
El orador y el músico tienen, en el fondo, el mismo fin, tanto en la preparación como en la ejecución final de sus producciones, a saber, hacerse dueños de los corazones de sus oyentes, despertar o calmar sus pasiones y transportarlos ora a este sentimiento, ora a aquel.
— Joseph Joachim Quantz, On Playing the Flute (trad. de ER Reilly), Londres y Nueva York, 1966
Los compositores barrocos utilizaban marcas expresivas con relativa poca frecuencia, por lo que interpretar partituras barrocas puede ser un desafío para los músicos actuales, en particular si adoptan una perspectiva interpretativa informada históricamente y apuntan a recrear un enfoque que podría haber sido reconocido en ese momento. Existen algunos principios generales. Si nos fijamos en el ritmo de una pieza, los ritmos lentos tienden a ser serios, mientras que los rápidos tienden a ser ligeros y frívolos. En la línea melódica, los intervalos pequeños generalmente representaban la melancolía, mientras que los saltos grandes se usaban para representar la alegría. [6] En armonía, la elección de las disonancias utilizadas tuvo un efecto significativo en qué emoción se pretendía (o se producía), y Quantz recomendó que cuanto más extrema fuera la disonancia, más fuerte debería tocarse. Una cadencia normalmente representaba el final de una oración. [7]
El enfoque retórico de la música planteaba la cuestión filosófica de si despertar las pasiones del oyente de esta manera era compatible con la idea de Aristóteles de que el arte sólo era eficaz porque imitaba a la naturaleza. Algunos escritores sobre música del siglo XVIII se mantuvieron fieles a Aristóteles, como Charles Batteux, que escribió que el único principio unificador del gusto y la belleza era la reproducción de la forma ideal que se encontraba detrás de las cosas naturales. Sin embargo, esta opinión fue cuestionada por otros que creían que el papel de la música era producir un efecto emocional. Por ejemplo, Sir William Jones escribió en 1772 que: "'parecerá que las partes más bellas de la poesía, la música y la pintura expresan las pasiones y actúan en nuestras mentes por simpatía; que las partes inferiores de ellas describen objetos naturales y nos afectan principalmente por sustitución'". [8]
En 1785, Michel de Chabanon propuso que la música se entendía mejor como un lenguaje propio, que luego provocaba una respuesta emocional vinculada a la expresión musical, pero no limitada por ella. La misma música podía asociarse con una amplia gama de respuestas emocionales en el oyente. Chabanon rechazó el enfoque retórico de la música, porque no creía que hubiera una correspondencia simple entre las características musicales y los afectos emocionales. Gran parte de la filosofía de la música posterior dependió de las opiniones de Chabanon. [9]
A principios del siglo XIX, la idea de la música como una especie de "lenguaje supremo de las emociones" [10] empezó a ganar popularidad. La nueva doctrina estética del Romanticismo situó la emoción sublime y exaltada en el centro de la experiencia artística, y la comunicación de estas emociones se convirtió en el objetivo de la interpretación musical. Se esperaba que la música transmitiera sentimientos intensos, muy personales para la visión del compositor. A medida que avanzaba el siglo XIX, el nacionalismo musical extendió estas emociones más allá del nivel personal para encarnar los sentimientos de naciones enteras. [11]
Este énfasis en la comunicación emocional fue apoyado por una creciente confianza en el uso de armonías más complejas y por instrumentos y conjuntos capaces de mayores extremos de dinámica . A principios del siglo XIX, las marcas dinámicas como " pp " y " ff " eran las más utilizadas, pero a finales de siglo, marcas como " pppp " y " ffff " comenzaron a aparecer en la partitura. Los compositores románticos también hicieron un uso cada vez más detallado de marcas expresivas como crescendos y diminuendos, acentos y marcas de articulación. [12]
Tras el creciente predominio de la expresión y la emoción en la música durante el siglo XIX y principios del XX, se produjo una reacción violenta. [13]
“A la mayoría de la gente le gusta la música porque les proporciona ciertas emociones, como alegría, pena, tristeza, imágenes de la naturaleza, un tema para soñar despiertos o, mejor aún, para olvidarse de la “vida cotidiana”. Quieren una droga, un porro… La música no valdría mucho si se redujera a ese fin. Cuando la gente haya aprendido a amar la música por sí misma, cuando la escuche con otros oídos, su disfrute será de un orden mucho más alto y más potente, y podrán juzgarla en un plano superior y darse cuenta de su valor intrínseco.” - Igor Stravinsky [14]