La Sinfonía n.º 2 La edad de la angustia de Leonard Bernstein es una pieza para orquesta y piano solo . La pieza fue compuesta entre 1948 y 1949 en Estados Unidos e Israel , y fue revisada en 1965. Su título hace referencia al poema homónimo de WH Auden y está dedicada a Serge Koussevitzky .
Se dice que un amigo le dio a Bernstein la idea de escribir música basada en La era de la ansiedad en una carta:
Al comenzar a escribir la pieza, Bernstein afirmó que el poema de Auden era "uno de los ejemplos más deslumbrantes de virtuosismo puro en la historia de la poesía inglesa" y que una "composición de una sinfonía basada en La edad de la angustia adquirió una calidad casi compulsiva". [1] Después de que "La edad de la angustia" de Auden ganara el Premio Pulitzer en 1948, Bernstein la elogió, diciendo "Cuando leí el libro por primera vez me quedé sin aliento". Bernstein trabajó en la composición "en Taos, Filadelfia, Richmond, Massachusetts, en Tel Aviv, en aviones, en vestíbulos de hoteles..." [2] Aunque se llama sinfonía, "La edad de la angustia" no sigue la forma sinfónica tradicional: en lugar de una obra convencional de cuatro movimientos, exclusivamente orquestal, Bernstein la compuso para piano solo y orquesta, y dividió la pieza en seis subsecciones, reflejando el texto de Auden, divididas equitativamente en dos partes que se interpretan sin pausa. [2] Completó la pieza el 20 de marzo de 1949 en la ciudad de Nueva York. Insatisfecho con el final de la composición, Bernstein la revisó en 1965 para establecer firmemente su idea del verdadero final. [ cita requerida ] La obra fue dedicada y encargada por Serge Koussevitzky, quien se preparaba para terminar su carrera de 25 años dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Boston.
La sinfonía está compuesta para una orquesta que contiene 2 flautas, flautín, 2 oboes, corno inglés, 2 clarinetes, clarinete bajo, 2 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, percusión, 2 arpas, celesta, pianino (piano vertical), cuerdas y piano solo. [2]
Estructuralmente, hay dos partes, cada una de ellas compuesta por tres secciones. Cada movimiento recibe el nombre de las seis secciones del poema de Auden, intentando reflejar los estados de ánimo y los acontecimientos del poema. [1]
De acuerdo con el “Prólogo” de Auden, el poema comienza con cuatro individuos solitarios (tres hombres y una mujer) en un bar, cada uno reflexionando sobre su propia inquietud mientras reconoce la presencia de los demás. Musicalmente, un dueto de clarinete quejumbroso señala el comienzo del viaje de los personajes, con una larga escala descendente que señala su retirada a un inconsciente compartido. [2] Es aquí donde los personajes comienzan a hablar de la vida desde sus propios puntos de vista, pasando a “Las siete edades”. Aquí, Bernstein compuso un conjunto de variaciones que son únicas en el hecho de que, en lugar de compartir todas la misma melodía o material temático como lo haría un tema y variaciones tradicionales, cada variación juega con el material de la variación inmediatamente anterior. Esto le da a la obra un paisaje en constante cambio que recuerda al pasado pero progresa hacia el futuro. Luego pasa a “The Seven Stages”, que cuenta la historia del mismo “grupo [que se embarca] en un sueño colectivo, uno de conciencia aún más acentuada, intentando redescubrir el significado más profundo de su propia humanidad”. [2] Emulando los ideales y deseos conflictivos de los personajes, Bernstein teje un tapiz musical frenético y confuso que muestra a los personajes tratando desesperadamente de encontrar lo que están buscando, pero sin lograrlo, aunque se están acercando debido a su experiencia. Esto lleva la primera mitad de la pieza a un final dramático y abrupto.
La segunda mitad de la pieza se abre con “The Dirge”, un tema, introducido por primera vez por el piano solo, basado en una fila de 12 tonos que da paso a una sección central contrastante, que recuerda al romanticismo de Brahms. [2] En el poema, los cuatro viajan al apartamento de las mujeres en taxi, lamentando la pérdida de su figura paterna caída ("Dad"). Una vez que llegan al apartamento, los cuatro están decididos a hacer una fiesta, pero se niegan a desviar la atención de cualquiera de los demás, y todos optan por acostarse por la noche. [2] “The Masque” es un solo de piano rápido que se acompaña de ritmos sincopados en varios instrumentos de percusión. El tema principal es la melodía de Ain't Got No Tears Left, una canción cortada de On The Town . El resto de la orquesta se une al piano por un tiempo antes de que se retire por completo, quedando "traumatizada" mientras intenta llegar a un acuerdo con su "vida escapista". [1] La energía de “La máscara” se desvanece y toda la orquesta entra a repetir los compases que había estado tocando antes, ahora acompañada por las cuerdas y comenzando “El epílogo”. Aquí, resuenan ecos del “Prólogo” mientras el solista de piano rememora el nuevo tema de 4 notas. En respuesta a los pedidos de claridad de la orquesta, una cadencia de piano solo, agregada en 1965, retoma el viaje de los personajes y es retomada por la orquesta completa, que va construyendo hasta un final radiante. El oyente, así como el lector, descubre que “lo que queda, resulta, es la fe”. [2]
La obra se estrenó el 8 de abril de 1949, con Serge Koussevitzky dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Boston y el compositor al piano. Recibió buenas críticas y tuvo una nueva interpretación en Tanglewood ese verano. [1] Fue grabada por primera vez por Columbia Records en 1950 con el propio Bernstein dirigiendo la Filarmónica de Nueva York con el pianista Lukas Foss como solista. Una interpretación típica de la obra dura aproximadamente entre 35 y 40 minutos.
WH Auden, a quien no le gustaba el ballet y lo consideraba un "arte muy, muy menor", parece no haber apreciado la traducción de su poema a otros medios. Después del estreno de la sinfonía, comentó que "realmente no tiene nada que ver conmigo. Cualquier conexión con mi libro es bastante lejana". [3]
Jerome Robbins coreografió un ballet para esta sinfonía en 1950 para el New York City Ballet . [4] La coreografía se ha perdido. [ cita requerida ] La obra se estrenó en el New York City Center Theater en 1950 y mostró el arte de Jerome Robbins, Todd Bolender , Francisco Moncion y Tanaquil Le Clercq . [5] [6]
John Neumeier utilizó la partitura para un ballet estrenado por Ballet West en 1991. [7] Liam Scarlett creó otra versión para el Royal Ballet en 2014. [8]