El arte popular de los Apalaches es una forma regional de arte popular que tiene su origen en la región de los Apalaches , en los Estados Unidos. En un artículo sobre la forma contemporánea de este arte, Chuck Rosenak afirmó que "la definición de arte popular es confusa". [1] El arte popular es una forma de transmitir los sentimientos y los modales de las culturas a través del arte visual hecho a mano y comunica un mensaje al observador. Aunque el arte popular en sí fue traído a las Américas por los europeos, se ha adaptado a cada región y ha cultivado tradiciones en cada región. [2]
La región de los Apalaches, ubicada en la región noreste de los Estados Unidos, incluye partes de los siguientes 13 estados: Alabama, Georgia, Kentucky, Maryland, Mississippi, Nueva York, Carolina del Norte, Ohio, Pensilvania, Carolina del Sur, Tennessee, Virginia y Virginia Occidental. [3] La región incluye cadenas montañosas, mesetas y llanuras, así como comunidades tribales de indios americanos [4] que han inspirado el arte popular de los Apalaches y fundado las numerosas técnicas para crear dicho arte. Existe una variedad de métodos para expresar el arte popular de los Apalaches que se pueden ver en los diferentes textiles y formas de arte como la cestería , la cerámica y la talla de madera .
El arte popular de los Apalaches incluye la influencia de los nativos americanos que llegaron a la región de los Apalaches hace unos 16.000 años. [5] La colonización de los Estados Unidos trajo a los europeos a la región en el siglo XVII. [ cita requerida ] Muchas tribus indias fueron expulsadas de la tierra, pero algunas continuaron residiendo en la región de los Apalaches, fomentando su efecto en la cultura y el arte a través de su afición por la vida silvestre. La influencia europea complementa la estética natural de los nativos americanos por medio de las tradiciones folclóricas que trajeron de su tierra natal. [5]
Al llegar a una tierra habitada por tribus nativas americanas, los primeros europeos comenzaron a utilizar el entorno para ayudarlos a asimilarse a la zona. Los nativos americanos y los europeos introdujeron el arte popular de los Apalaches a través de actividades diarias y artículos como el tejido para hacer ropa y colchas o la cerámica para construir cuencos y otros artículos de uso diario. [6] Las costumbres continuaron a medida que pasaban las generaciones, pero las prácticas utilizadas para la herrería , el tejido y el tallado de madera ya no eran necesidades, sino que se convirtieron en arte y comenzaron a conservarse. [7]
Grupos como los " hillbillies ", que eran inmigrantes de Escocia, Irlanda y Alemania, crearon un estereotipo para la sociedad de los Apalaches, ya que se pensaba que estaban formados por personas blancas independientes, pero egoístas e intensas. La influencia de los hillbillies y los rednecks afectó al arte debido al prejuicio del estereotipo, y el arte encontró un propósito en defender la cultura de los Apalaches de la categorización. [5]
Los problemas económicos modernos comenzaron a afectar el arte creado en la región, ya que los artistas participaron en movimientos y crearon arte como una forma de expresar sus creencias sobre debates sociales y políticos. La región estaba empobrecida y aislada del campo, lo que también contribuyó a la necesidad de comprender la naturaleza por razones de supervivencia. [8] El conocimiento de las plantas y los animales también se atribuyó al enfoque de la naturaleza en el arte popular de los Apalaches. El movimiento moderno de preservación del arte ha llevado a la creación de museos, como el Museo de los Apalaches, [9] que ha llevado a una mayor comprensión y apreciación del arte popular de los Apalaches.
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Las mujeres de los Apalaches tienen un legado de creación artística a través del tejido de mantas de montaña, que han ganado reconocimiento como una importante forma de arte estadounidense. Las tejedoras manuales de los Apalaches también crearon telas que se utilizaron para hacer diversos artículos para el hogar en telares familiares. El tejido de mantas era una obra de valor estético que requería mucho talento y energía para lograrse y expresaba con mayor claridad la creatividad y la personalidad de la tejedora. [10]
Las mujeres de los Apalaches utilizaban materias primas asequibles y fáciles de conseguir, como lana y lino de cosecha propia o algodón comprado por fardos, para crear su arte. Teñían las fibras hiladas a mano con materia vegetal natural o compraban tintes envasados y también utilizaban trozos de sus tejidos caseros para confeccionar colchas. A pesar de la disponibilidad de cobertores de cama más baratos y fáciles de fabricar, las tejedoras artísticas del sur de los Apalaches optaron por seguir las tradiciones artesanales de sus antepasadas. [10]
Las primeras artes decorativas de los Apalaches fueron el resultado de la autosuficiencia y de la capacidad de arreglárselas con los materiales que tenían a mano. La preservación y comercialización de las artesanías tradicionales comenzó a principios del siglo XX, cuando las escuelas de los asentamientos y los trabajadores misioneros vieron en las artesanías un medio para generar ingresos en efectivo. [11]
El aislamiento de la región de los Apalaches proporcionó un entorno propicio para el desarrollo de prácticas culturales distintivas, una de las cuales es su propia forma de hacer acolchados. Este tipo de acolchado es una fusión de diversas tradiciones populares de las culturas escocesa, irlandesa y alemana, con influencias locales de las comunidades nativas americanas, amish y cuáqueras. [12]
La cestería de Tennessee es un arte antiguo que fue inventado por personas de todas partes del mundo. Los nativos americanos de Tennessee usaban cestas hechas de caña de río y roble blanco disponibles localmente para una variedad de necesidades, como transportar agua, cocinar, tamizar harina de maíz y tejer calzado y sombreros. A medida que los exploradores blancos se mudaron al área, descubrieron que los nativos americanos sustituyeron las cestas por muchos artículos que los europeos hacían de metal o madera. Las tribus Cherokee , Choctaw , Creek y Chickasaw usaban tintes vegetales hechos de raíces, corteza, hojas, cáscaras, flores, frutas, tallos, semillas o la planta completa para colorear sus cestas. Los colonos blancos en las montañas del este de Tennessee trajeron técnicas y tradiciones de cestería aprendidas en Inglaterra, Escocia e Irlanda, y las adaptaron a los materiales locales de Tennessee, como el roble, el nogal americano, el abedul, las agujas de pino, el sauce, las hojas de maíz y la caña de río. [13]
Muchos tejedores de cestas aprendieron el oficio observando a sus madres y reuniendo materiales. Utilizaban patrones y diseños que eran una continuación del legado cultural. Las cestas suelen ser ovaladas o con forma de jarrón, a veces con tapas o asas. Los etnógrafos identificaron y nombraron casi dos docenas de patrones de cestas tejidas tradicionalmente por la Banda Oriental de Cherokee, muchas de las cuales están teñidas con plantas para crear contraste de colores. La fabricación de cestas desempeña un papel importante en la economía de los Cherokee, pero el aumento del turismo y el desarrollo de la tierra ha hecho que sea más difícil encontrar materiales para la fabricación de cestas en la naturaleza. [14]
Los dos tipos más utilizados por los primeros colonos de Tennessee eran las cestas de listones y las acanaladas. Las cestas de listones se hacían con tiras de roble blanco, mientras que las acanaladas se construían con nervaduras, aros y hendiduras. La tradicional cesta para huevos, o cesta de molleja, era la forma más destacada producida mediante la técnica de la cesta acanalada. Las cestas para algodón y trabajo del oeste de Tennessee tenían forma de cesto con dos asas y hendiduras de nogal americano, fresno y abedul cortadas en bruto. Las cestas para tabaco eran formas similares a bandejas con listones planos que se utilizaban para transportar el tabaco cortado desde el campo hasta el granero de curado y luego al mercado. [13]
Aunque los clavos se incorporaron durante la Revolución Industrial del siglo XIX, la cestería de Tennessee se ha mantenido prácticamente sin cambios hasta el siglo XX. Hoy en día, se pueden encontrar cestas de todo tipo y materiales en diversas ferias y tiendas de artesanías de todo Tennessee, y las técnicas de cestería siguen siendo prácticamente las mismas que en el pasado. [13]
La Nación Catawba tiene la tradición de alfarería más antigua de América del Norte e influyó en la alfarería Cherokee. Las mujeres eran tradicionalmente las alfareras en las culturas Catawba y Cherokee. La alfarería Cherokee se hacía utilizando un método de construcción en espiral, se imprimían diseños utilizando paletas de madera tallada y se pulía con piedras. La preparación, construcción y pulido correctos de la arcilla son necesarios para que la alfarería no se agriete ni se lije de manera áspera. La alfarería Cherokee no está esmaltada, se cuece en pozos utilizando maderas nativas y se impermeabiliza con mazorcas de maíz y salvado. [15]
La talla de madera en los Apalaches es tanto una habilidad práctica como una forma de arte. La madera era el material principal utilizado para fabricar herramientas, utensilios y juguetes en granjas autosuficientes. Los talladores comenzaron a embellecer sus creaciones con adornos y a venderlas como arte popular. Las figuras humanas, los temas religiosos y los animales son temas comunes para los talladores de los Apalaches. Las serpientes, los caballos y los perros de caza son especialmente populares. La talla de madera puede realizarse con fines prácticos o simplemente por placer. [16]
La pintura de los Apalaches se refiere a una amplia gama de estilos de pintura decorativa que se originaron en la región de los Apalaches de los Estados Unidos. Estos estilos abarcan técnicas, motivos y materiales extraídos de una variedad de influencias culturales, incluidas las tradiciones de los nativos americanos, los afroamericanos y los europeos. Desde finales del siglo XVIII hasta la era del New Deal , tanto los artistas itinerantes como los locales emplearon técnicas comunes y económicas de veteado y jaspeado para imitar maderas y mármoles raros y costosos, así como paisajes pintados y otros motivos como puntos focales en interiores privados y públicos. Las pinturas decorativas han sobrevivido en muchos ejemplos históricos en todo el estado de Tennessee y en otras áreas de los Apalaches. La belleza natural de la región, la vida rural y el patrimonio cultural también han inspirado pinturas murales creadas a través de los programas de arte del New Deal del presidente Franklin D. Roosevelt de los años 1930 y 1940, que tenían como objetivo apoyar las artes visuales y proporcionar empleo a los artistas durante la Gran Depresión. [17] Un destacado pintor popular moderno de los Apalaches es Mike Ousley, cuyo trabajo se basa en historias y folclore que ha escuchado y experimentado a lo largo de su vida en el este de Kentucky. [18]
Clay Burnette es un artista célebre que crea cestas en espiral con agujas de pino locales. Su obra se ha exhibido en más de 250 eventos, ha ganado múltiples premios y ha aparecido en varias exposiciones y publicaciones. Sus cestas están impregnadas con una mezcla conservante y firmadas con sus iniciales. [19]
Nellie Mae Rowe fue una artista autodidacta negra nacida en Georgia en 1900. A pesar de una vida marcada por la segregación y la opresión, Rowe creó una obra de arte alegre y colorida que transformó su hogar y su jardín en un espacio al que llamó su "casa de juegos". Retrató a sus amigos, vecinos y a ella misma en sus obras de arte, transmitiendo la belleza negra y la alegría de espíritu libre en una sociedad en la que rara vez aparecían mujeres negras en sus obras de arte. Su arte era una forma de transmitir gratitud y recuperar una infancia perdida por el trabajo y la pobreza, y creó un mundo que encarnaba la riqueza de la vida. [20]
Bill Traylor nació esclavo en Alabama en 1853 y permaneció en la plantación después de la Guerra Civil como trabajador. Se mudó a Montgomery en 1910 y comenzó a dibujar y pintar en 1939, creando escenas que representaban la cultura y la historia afroamericanas. Su arte fue salvado por un grupo de artistas blancos en Montgomery y ganó un amplio reconocimiento en la década de 1980. Traylor murió en la pobreza en 1949 y fue enterrado en una tumba sin nombre. Hoy, se lo celebra como un artista autodidacta cuyo trabajo captura la complejidad de la vida afroamericana en el sur de Estados Unidos bajo la era de Jim Crow. [21]
Mose Ernest Tolliver fue un célebre artista popular de Alabama, conocido por sus vibrantes y coloridas pinturas de frutas, verduras, animales y personas. Trabajó en empleos ocasionales para mantener a su numerosa familia antes de dedicarse al arte después de una lesión relacionada con el trabajo. Su estilo autodidacta y el uso de pintura para casas sobre cartón, madera, metal y muebles lo colocaron en el género del arte marginal. Su trabajo se presentó en galerías de todo el país y sus piezas Moose Lady se hicieron populares. Murió en 2006. [22]
El artista Jimmy Lee Sudduth utiliza barro mezclado con agua azucarada y tintes naturales para crear pinturas que presentan una amplia gama de temas, desde autorretratos hasta paisajes urbanos. Pinta sobre madera contrachapada utilizando sus dedos en lugar de pinceles, y sus obras a menudo exploran el anonimato de la vida urbana. [23]
Howard Finster fue un artista religioso que sintió el llamado a crear arte sacro en 1976. Construyó Paradise Garden, una escultura ambiental en constante cambio hecha con piezas de tecnología desechadas, para honrar a los inventores humanos y crear un "monumento a Dios". [24]
La abuela Moses era una artista autodidacta que comenzó a pintar a los 78 años debido a una artritis. Sus cuadros reflejaban recuerdos felices de la infancia en la granja, omitiendo intencionadamente la industrialización. Sus cuadros se hicieron inmensamente populares y fueron apreciados por su encanto nostálgico. Continuó pintando hasta unos meses antes de su muerte a los 101 años, exponiendo internacionalmente. [25]
Charlie Fields, también conocido como "Cedar Creek Charlie", era un soltero excéntrico que vivía con su madre en una granja de tabaco. Después de su muerte, comenzó a decorar y construir proyectos que ocuparon sus momentos libres durante el resto de su vida. Fields decoró su casa con varios patrones, siendo su favorito los lunares, y cubrió todo el interior y el exterior con rojo, blanco y azul. También construyó un patio parecido a un parque de diversiones y dio la bienvenida a los visitantes, especialmente a los niños. [26]
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