La primera cultura nativa americana era rica en ceremonias, rituales y narraciones. [1] Las historias que inspiran el teatro de los nativos americanos existen desde hace cientos de años, pero no obtuvieron el reconocimiento formal de la América colonial . [1] Esta falta de reconocimiento duró hasta la década de 1930, cuando Lynn Riggs , un dramaturgo de ascendencia Cherokee , puso el Teatro Nativo en el centro de atención a través del Teatro Forestal de la Reserva de las Seis Naciones en Ontario . A través de estos eventos, el Teatro Nativo se introdujo en la sociedad en general y nació el Teatro Nativo Americano contemporáneo. [1] Las culturas indígenas americanas han sido un aspecto importante del drama chicano . [2]
La primera cultura nativa americana era rica en ceremonias, rituales y narraciones. Estas ceremonias tenían elementos teatrales, pero no está claro si estas tradiciones son formas tempranas del teatro moderno o son prácticas culturales independientes. Según Henry Schafer, “una variedad de rituales y ceremonias podrían considerarse formas tempranas de teatro…. Otros ven esta interpretación como una devaluación de los rituales sagrados como simplemente una preforma del teatro secular”. [1]
Uno de los primeros practicantes del teatro nativo fue la dramaturga y actriz Séneca Gowongo Mohawk (1860-1924), cuya obra de 1892, Wep-Ton-No-Mah , se representó en el Reino Unido.
La poeta mohawk Emily Pauline Johnson (1861-1913) realizó lecturas dramáticas de sus poemas en la década de 1890.
Otros de los primeros contribuyentes a la escena teatral nativa canadiense incluyeron a un no nativo llamado Anthony Walsh, quien dirigió el “Can-Oos-Sez Skay-loo Drama Group”, de 1934 a 1942, y Emily General (Cayuga), quien estableció una serie de obras anuales que se representarán en el Great Pine Forest Theatre en la Reserva de las Seis Naciones en 1949. [1] En 1950, dos no nativos, Frank Morrison y Cecil West, escribieron y dirigieron la ópera Tzinquaw: The Thunderbird and the Killer Whale , que estrenada en Duncan, BC , interpretada por gente puramente nativa. En Canadá , los dramaturgos James Reaney , John Herbert y George Ryga hicieron su contribución al teatro nativo con The Ecstasy of Rita Joe (1970). Margo Kane (Saulteaux/Cree/Blackfoot) se unió a la producción de The Ecstasy of Rita Joe en 1978 y se convirtió en el primer actor nativo americano en interpretar el papel de Rita Joe en 1981.
Según Henry Schafer, 1985-1995 fue la “Edad de Oro” del teatro nativo. [1] Muchas compañías de teatro y dramaturgos nativos surgieron durante este período. Tomson Highway (Cree) se unió a Native Earth Performing Arts (NEPA), comenzando como director musical e intérprete. En 1985, el teatro mitológico Ondinnok fue fundado en Montreal por el dramaturgo nativo de habla francesa Yves Sioui Durand. Otras compañías de teatro nativo que surgieron durante este período fueron: Tunooniq Theatre, Awasikan Theatre, Urban Shaman y Native Youth Theatre R-Street Vision. En 1987, en Hobbema Reserve, Darrel y Lori Wildcat (Cree), junto con los cofundadores Rosa y Melvin John, fundaron Four Winds Theatre Group. Después del cierre del Four Winds Theatre Group en 1991, los John formaron Kehewin Native Performance Resource Network (KNPRN). "KNPRN se concentra en teatro tradicional, narración de cuentos y danza y trabaja con jóvenes y realiza giras por todo Canadá e internacionalmente". (1) En 1992, Margo Kane fundó Full Circle: First Nations Performance en Columbia Británica . Dos de las compañías de teatro nativo más recientes que han surgido son Saskatchewan Native Theatre Company (1999) y Red Sky Performance en Toronto (2000). Desde 1995 hasta la actualidad, Native Theatre ha luchado por mantener su tamaño y popularidad. Un problema importante que enfrentó la escena del teatro nativo fue la falta de financiación. Aunque algunas de las compañías de teatro cerraron y otras todavía luchan por sobrevivir, la escena teatral nativa continúa desarrollándose y madurando. “Aunque el teatro nativo es un fenómeno relativamente reciente en Canadá, ahora es una parte integral del paisaje cultural canadiense. Adopta muchas formas y se basa en diversas tradiciones, como la narración de cuentos, el teatro europeo , la danza tradicional y la multimedia. Se resiste a cualquier definición clara y explora constantemente nuevas formas de expresión”. [1]
Las historias que inspiran el teatro de los nativos americanos existen desde hace cientos de años, pero no obtuvieron el reconocimiento formal de la América colonial. [1] Esta falta de reconocimiento duró hasta la década de 1930, cuando Lynn Riggs , un dramaturgo de ascendencia Cherokee , puso el Teatro Nativo en el centro de atención a través del Teatro Forestal de la Reserva de las Seis Naciones. A través de estos eventos, el teatro nativo se introdujo en la sociedad en general y nació el teatro nativo americano contemporáneo. El dramaturgo canadiense Drew Hayden Taylor explica cómo el teatro nativo americano ha existido durante siglos, pero sólo recientemente ha sido destacado en los principales medios de comunicación norteamericanos: “El teatro nativo es mucho más antiguo que los escasos años. Es tan antiguo como este país, tan antiguo como las personas que han estado aquí durante miles de años, tan antiguo como las historias que todavía se cuentan hoy. Lo que ha cambiado es simplemente la presentación”. [1]
Desde la creación del teatro nativo americano contemporáneo, ha habido obras disponibles para publicación: “Actualmente hay más de 250 obras publicadas y más de 600 inéditas de unos 250 dramaturgos y grupos de teatro nativos americanos y de las Primeras Naciones en el mercado norteamericano”. [1] Estos números no incluyen las obras dentro de la colección de dramas indios norteamericanos a partir de 2006. Aunque hay una gran cantidad de obras disponibles para producción o análisis, el género dramático de los nativos americanos a menudo es pasado por alto no solo por el público en general. , sino también por las universidades. Shari Huhndorf afirma que "el drama sigue siendo el género más pasado por alto en la literatura nativa americana". [1] Es necesario que haya más investigación y aprecio por el drama de los nativos americanos y sus antecedentes. Es necesario mejorar la falta de conexión entre las obras de las reservas y las áreas urbanas para que haya más información desde diferentes ángulos y perspectivas presentadas a través de la literatura dramática. Esto puede proporcionar una mayor apreciación del teatro nativo americano.
El teatro nativo americano contemporáneo comenzó en el siglo XX y se desarrolló a partir de la cultura y la literatura oral. Estas historias se utilizaron para “educar, entretener y preservar” a las nuevas generaciones de nativos americanos. “Sin embargo, el teatro indígena estuvo ausente en la escritura nativa durante este período y las múltiples razones dadas para esta inexistencia generalmente reflejan una larga historia de silenciamiento, discriminación, opresión y desplazamiento ejercidos en el género”. [3] Estas historias generalmente se contaban oralmente acompañadas de baile, música y otras actuaciones mientras el narrador se acerca a la audiencia para brindarles un encuentro inmersivo de la historia y del narrador. Estas historias generalmente se exageraban para darle más dramatismo a la audiencia. "La existencia de esta vibrante literatura oral contrasta con la concepción occidental tradicional de que las culturas nativas americanas no tenían historia". [3] Un registro histórico no occidental dio la idea errónea de que los nativos americanos no tenían historia antes de la llegada de los inmigrantes europeos. Muchas tradiciones y costumbres de los nativos americanos fueron suprimidas debido a la colonización, lo que impidió que muchos pudieran contar sus historias mientras estaban oprimidos. “El surgimiento del Movimiento por los Derechos Civiles durante las décadas de 1960 y 1970 también contribuyó a este despertar de las culturas nativas, ya que apareció como un movimiento en el que las minorías exigían el fin de la discriminación y el derecho a hablar por sí mismas”. [3] Esto dio orgullo y animó a muchos a buscar inspiración en la historia y las raíces ancestrales. Hoy en día hay muchas producciones teatrales que representan obras de nativos americanos.
Según Rolland Meinholtz, “instructor y director artístico de teatro y danza en el Instituto de Artes Indígenas Americanas ”, los jóvenes deben comprender las luchas de la cultura nativa americana a través de obras de teatro contemporáneas. [4] “Necesitaban conocerlo, comprenderlo, afrontarlo, luchar con él,, con suerte, integrarlo y, por último, construir sobre él”. [4] Para producir una obra que transmita un mensaje temático de los nativos americanos, se necesita danza, verso, tambores, máscaras y pintura facial. Incluso cuando la obra está compuesta por personas no nativas americanas, el drama nativo americano tiene que ver con la historia y la presentación, no con aquellos que interpretan los papeles. “Sin embargo, no cabía la menor duda de qué teatro estábamos presenciando. El escenario sobrio, los tambores, los cantos y cantos, el baile, su naturaleza episódica y su punto de vista irónico proclamaban con orgullo que esto era teatro indio”. [4] Coyote es una metáfora para describir el carácter del teatro nativo americano. La producción de teatro nativo americano que no se ajusta a las convenciones occidentales no puede clasificarse fácilmente como comedia o tragedia. Por lo tanto, el coyote embaucador representa la naturaleza cambiante del propio Native Theatre. “Para el teatro indio, no existe una división clara entre comedia y tragedia como se encuentra, por ejemplo, en el drama griego antiguo . La comedia y la tragedia son una: un extremo se transforma en el otro. Todo lo que los humanos perciben como fijo es en realidad transitorio y sujeto a transformación”. Según Meinholtz, el drama Noh japonés es una guía para lograr los objetivos espirituales que pretendía para el drama nativo americano. Meinholtz se inspira en la antigua arquitectura nativa americana para crear espacios teatrales contemporáneos. “Las Grandes Kivas no fueron los únicos ejemplos de estructuras teatrales entre los nativos americanos. El pueblo Zuni construye en sus casas habitaciones específicamente diseñadas para albergar la ceremonia anual Shalako ”. [4]
Geraldine Keams ( actriz de cine y televisión de Navajo Nation) rompe con los estereotipos de los nativos americanos en su trabajo. Keams ha desafiado los estereotipos escribiendo y creando obras de teatro que incluyen la historia de los nativos americanos, como Flight of The Army Worm , presentada por primera vez en 1976 en Navajo Community College . Flight of the Army Worm es una de las primeras obras de teatro contemporáneas publicadas realizada por una mujer nativa americana. A través de Flight of The Army Worm , Keams pudo educar a otros sobre la Nación Navajo. “El personaje del locutor brinda al público información objetiva sobre acontecimientos históricos, mientras que a través de la canción, el Guitarrista insta a la revolución. Esta combinación de modos de presentación tiene como objetivo agudizar el análisis del espectador de los acontecimientos históricos que ve y escucha. Keams combina las pedagogías occidentales e indígenas al trasladar la historia del relato intelectual del locutor al relato personal de la abuela”. [5]
El Movimiento de Teatro Nativo se construyó a partir de varios teatros, como el American Indian Theatre Ensemble, el Thunderbird Theatre y el Spiderwoman Theatre . [6] Estas compañías de teatro ayudaron a consolidar un movimiento de teatro nativo a nivel nacional en los Estados Unidos y Canadá. El drama nativo americano tuvo que luchar contra la indiferencia y la falta de conocimiento por parte de algunos públicos convencionales. Los dramaturgos nativos americanos escriben para un público más amplio que tal vez no sepa que los nativos americanos son un grupo demográfico importante. Esto crea una doble carga para la necesidad de educar y crear drama. Las "Tres hermanas Miguel" fundaron el Teatro Spiderwoman (1975); su drama ha elevado el perfil público de figuras y temas de las historias tradicionales de los nativos americanos. A medida que se publican más antologías de dramas nativos americanos contemporáneos, la variedad y creatividad de la escena contemporánea se ha vuelto más evidente: "El solo hecho de que estés en el escenario contando estas historias es político, el solo hecho de que estés allí... es un acto público, afirmar la propia identidad nativa es un acto político". [6] El Native American Theatre Ensemble (1973) presentó a los nativos americanos en sus propios términos para combatir las tergiversaciones estereotipadas de los indios.
Los dramaturgos nativos americanos desafían siglos de estereotipos para crear personajes realistas concebidos a partir de sus propias experiencias personales. El American Indian Theatre Ensemble decidió no sólo rectificar la imagen cultural de los nativos americanos, sino también producir un cuerpo de teatro destinado principalmente a la comunidad india. "El propósito de hacer que la empresa fuera pantribal era deconstruir los estereotipos". [6] Hanay Geiogamah participó activamente en los años de fundación del American Indian Theatre Ensemble, que produjo su obra de un acto Body Indian . Body Indian es una obra pantribal que demuestra los problemas que enfrentan los dramaturgos nativos americanos al crear dramas realistas basados en la vida contemporánea de los nativos americanos. Si bien los pueblos nativos han actuado en los escenarios del teatro estadounidense desde el siglo XIX, a principios del siglo XXI sólo se han publicado un puñado de artículos sobre teatro nativo, y la mayoría apareció en revistas más que en revistas académicas. Los académicos en Canadá adoptaron el teatro de las Primeras Naciones más rápidamente, y gran parte de los estudios durante la década de 1990 aparecieron en revistas canadienses y fueron publicados por imprentas canadienses. Ahora, veinte años después, académicos nativos y no nativos buscan redefinir el lugar del teatro indígena dentro de la historia del teatro "americano" o, más exactamente, del teatro de las Américas. [6]
Las culturas indígenas americanas han sido un aspecto importante del drama chicano . [2]
Los dramaturgos chicanos se han inspirado en la mitología y la historia de los nativos americanos mediante el uso de simbolismos y personajes para representar a los chicanos, quienes son considerados descendientes del México indígena. Antes del final de la Guerra Mexicana (1848), México estaba formado por Texas y California . El uso de símbolos en las obras chicanas va desde el uso de personajes en el escenario de la obra o “en otras ocasiones se imagina al Indio mediante el uso de música, flautas y tambores indígenas”. [2] Estos símbolos proporcionan información que no se ve fácilmente e influyen en la acción de la obra y fueron influenciados por las raíces indígenas de los chicanos.
En la obra El día de las golondrinas , Estela Portillo Trambley utiliza un personaje masculino indígena para representar las raíces nativas americanas del protagonista. El personaje principal aparece como el “ buen salvaje ” que representa al Indio en la obra y Eduardo está emparejado con un personaje contrastante, Josefa, que está conectada con su herencia y es tradicionalmente femenina. La conexión de Josefa con su herencia en esta obra “es a través de imágenes que sólo ella puede ver y sentir”. [2] Esta obra utiliza estas visiones como símbolos que están influenciados por su herencia indígena. “Eduardo simboliza lo mejor y lo peor de la humanidad en el mundo de Josefa, pues es la Naturaleza personificada en Hombre”. Venado Momificado fue escrita en 1984 por Luis Valdez . Su personaje Cajeme, un venado bailarín que lleva el nombre de un famoso yaqui que luchó contra el gobierno mexicano, es retratado a través de diferentes elementos en la obra. “Cajeme representa sus pensamientos internos, sus miedos, su sangre y su ser yaqui”. [2] Estas obras fueron escritas para reconectar a los chicanos con sus raíces nativas americanas.
Estela Portillo Trambley y Luis Valdez fueron los autores más conocidos del drama indígena chicano. Fueron los primeros defensores de incorporar raíces indígenas a las obras chicanas. Trambley declaró en una entrevista: "Espero que... [los chicanos] todavía se relacionen con las estaciones, las plantas, los colores, el viento y el indio que hay en ellos, o el elemento más cercano a la Tierra". [2] Trambley es “considerada por la mayoría de los críticos y académicos chicanos como la autora que inspiró y abrió las puertas a todas las escritoras chicanas que la siguieron”. Ambos dramaturgos utilizaron su propio estilo al escribir sus obras individuales. Trambley se centró más en escribir en el estilo del realismo, que era más general sin indicación de pueblos indígenas específicos, mientras que Valdez escribió y produjo en comunidades más específicas, así como utilizando "una visión surrealista de la condición postmoderna distorsionada y colonizada internamente del chicano". .” Trambley declaró en una entrevista: "Espero que... [los chicanos] todavía se relacionen con las estaciones, las plantas, los colores, el viento y el indio que hay en ellos, o el elemento más cercano a la Tierra". [2]