El diseño de vestuario es la creación de ropa para la apariencia general de un personaje o intérprete. El traje puede referirse al estilo de vestir particular de una nación, una clase o un período. En muchos casos, puede contribuir a la plenitud del mundo artístico y visual que es exclusivo de una producción teatral o cinematográfica en particular. Los diseños más básicos se producen para denotar estatus, brindar protección o modestia, o brindar interés visual a un personaje. [1] Los disfraces pueden ser para teatro , cine , actuación musical, cosplay , fiestas u otros eventos. El diseño de vestuario no debe confundirse con la coordinación de vestuario , que simplemente implica alterar la ropa existente, aunque ambos crean ropa escénica .
En el diseño teatral se utilizan cuatro tipos de vestuario: histórico, fantástico, de danza y moderno. [2]
Se cree que las fiestas y procesiones de los pueblos griegos antiguos en honor a Dioniso (ver también: Dionysia ) son el origen del teatro y, por lo tanto, del vestuario teatral. Las esculturas y las pinturas de jarrones proporcionan la evidencia más clara de estos trajes. [1] Se utilizaron máscaras ritualizadas dando a cada personaje un aspecto específico. Variaban dependiendo de si se utilizaban con fines cómicos o dramáticos. Algunas máscaras se construyeron con un lado alegre y otro serio en el mismo rostro en un intento de indicar un cambio de emoción sin un cambio de máscara. [3] Lo mismo ocurre con los romanos, que continuaron la tradición de las máscaras; duplicar una máscara facilitó la duplicación de roles.
Durante la Baja Edad Media en Europa prevalecían las representaciones dramáticas de historias bíblicas, por lo que se usaban vestimentas cristianas reales, estilizadas de la vestimenta tradicional de la corte bizantina, como disfraces para mantener las representaciones lo más realistas posible. [1] La caracterización estereotipada fue clave a la hora de vestir a los artistas para este estilo de teatro. En la mayoría de los casos, los actores tenían que proporcionar sus propios disfraces cuando interpretaban un personaje de la vida cotidiana. [4]
Más tarde, en las representaciones isabelinas de los años 1500-1600 en Inglaterra, el traje se convirtió en el elemento visual más importante. Las prendas eran muy caras porque sólo se utilizaban los tejidos más finos. La mayoría de los personajes iban vestidos a la moda isabelina contemporánea. Los trajes se podían dividir en cinco categorías: "Antiguo", que era ropa pasada de moda y utilizada para representar otra época; "Antiguo", adiciones más antiguas a la ropa contemporánea para distinguir personajes clásicos; Prendas oníricas y "fantasiosas" para personajes sobrenaturales o alegóricos; Ropa "tradicional" que representaba sólo a unas pocas personas específicas, como Robin Hood, o trajes "nacionales o raciales" que pretendían distinguir a un grupo específico de personas pero que no tendían a ser históricamente precisos. [5]
"Por lo general, se usaban prendas de moda tanto en la comedia como en la tragedia hasta 1727, cuando Adrienne Lecouvreur adoptó el traje de corte mucho más elaborado y formal para la tragedia. Su práctica pronto se convirtió en estándar para todas las heroínas trágicas" [6] Los actores principales comenzaron a competir con uno otro sobre quién tendría el vestido de escenario más lujoso. Esta práctica continuó hasta alrededor de la década de 1750, cuando los disfraces volvieron a ser relevantes para el personaje. El arte comenzó a copiar la vida y se favorecieron las características realistas, especialmente durante el siglo XIX. Por ejemplo, Jorge II, duque de Sajonia-Meiningen, se interesó personalmente por el teatro y comenzó a dirigir compañías. Abogó por la autenticidad y precisión del guión y la época, por lo que se negó a permitir que los actores alteraran sus propios disfraces. También se aseguró de que los materiales fueran auténticos y específicos, utilizando cota de malla, armaduras, espadas, etc. reales. No se permitirían sustitutos baratos. [7]
En agosto de 1823, en un número de The Album , James Planché publicó un artículo diciendo que se debería prestar más atención a la época de las obras de Shakespeare, especialmente en lo que respecta al vestuario. Ese mismo año, una conversación informal dio lugar a uno de los efectos más duraderos de Planché en el teatro británico. Le observó a Charles Kemble , director de Covent Garden, que "mientras con frecuencia se prodigaban mil libras en una pantomima navideña o en un espectáculo de Pascua, las obras de Shakespeare se representaban en escena con decorados improvisados y, en el mejor de los casos, con una Uno o dos vestidos nuevos para los personajes principales". [8] [9] Kemble "vio la posible ventaja de contar con aparatos correctos que captaran el gusto de la ciudad" y acordó darle a Planché el control del vestuario para la próxima producción de King John , si él llevaba a cabo la investigación y diseñaba el vestuario. y supervisar la producción. [10] Planché tenía poca experiencia en esta área y buscó la ayuda de anticuarios como Francis Douce y Sir Samuel Meyrick . La investigación en cuestión despertó los intereses latentes de anticuario de Planché; estos llegaron a ocupar una cantidad cada vez mayor de su tiempo más adelante en la vida. [11]
A pesar de las reservas de los actores, El rey Juan fue un éxito y dio lugar a una serie de producciones de Shakespeare con disfraces similares de Kemble y Planché ( Enrique IV, Parte I , Como gustéis , Otelo , Cimbelina , Julio César ). [11] Se publicaron los diseños y representaciones del rey Juan , Enrique IV , Como gustéis , Otelo , Hamlet y el Mercader de Venecia , aunque no hay evidencia de que Hamlet y el Mercader de Venecia alguna vez fueran producidos con los diseños de vestuario históricamente precisos de Planché. Planché también escribió una serie de obras de teatro o adaptaciones que se representaron con trajes históricamente precisos ( Cortez , La mujer que nunca se molesta , La boda del mercader , Carlos XII , Los partisanos , El jefe bandido y Hofer ). [12] Después de 1830, aunque todavía usaba trajes de época, ya no reivindicaba precisión histórica por su trabajo en obras de teatro. Su trabajo en King John había provocado una "revolución en la práctica escénica del siglo XIX" [12] que duró casi un siglo. [13]
En 1923, la primera de una serie de innovadoras producciones modernas de obras de Shakespeare , Cymbeline , dirigida por HK Ayliff , se estrenó en el Birmingham Repertory Theatre de Barry Jackson en Inglaterra . [14]
El vestuario en el teatro chino es muy importante, especialmente en la Ópera de Beijing. Por lo general, tienen muchos estampados con colores intensos y brillantes. Los artículos estándar constan de al menos 300 piezas e indican el tipo de personaje, la edad y el estatus social de los actores a través de adornos, diseños, colores y accesorios. "El color siempre se usa simbólicamente: rojo para lealtad y alta posición, amarillo para realeza y carmesí oscuro para bárbaros o asesores militares". [15] El significado simbólico también se encuentra en los diseños utilizados para los emblemas. Por ejemplo, el tigre representa el poder y la fuerza masculina. La mayoría de la ropa, independientemente del rango, está hecha de materiales ricos y lujosos. El maquillaje también se usa simbólicamente y completa el look general.
En el drama Noh japonés siempre se utilizan máscaras y el aspecto destacado del disfraz. Están hechos de madera y suelen durar generaciones. Hay cinco tipos básicos: masculino, femenino, anciano, deidades y monstruos, todos con muchas variaciones. [16] Las máscaras se cambian con frecuencia a lo largo de la obra. En Kabuki, otra forma de teatro japonés, los actores no usan máscaras sino que dependen en gran medida del maquillaje para sus caracterizaciones. Las características se exageran o eliminan y, para algunos de los roles atléticos, la musculatura se delinea en un patrón específico. Para cada papel se utilizan trajes tradicionales, basados en prendas históricas que se modifican para lograr un efecto dramático. "Algunos disfraces pesan hasta cincuenta libras y los asistentes de escena ayudan a los actores a mantenerlos correctamente arreglados mientras están en el escenario" [17]
En el siglo XXI, las tecnologías digitales han marcado el comienzo de una nueva era en el diseño de vestuario. Tradicionalmente, los trajes de teatro se confeccionaban manualmente, mediante costura y patrones redactados en papel. Ahora, los trajes de teatro se pueden diseñar utilizando impresoras 3D, software de modelado y otras herramientas digitales para crear trajes de manera más eficiente. [18] La utilización de programas de modelado de vestuario 3D e impresoras 3D permite a los diseñadores encontrar las formas más eficientes de ahorrar la cantidad de materiales utilizados en un proyecto. [19] Los diseñadores pueden optimizar el uso de materiales con softwares de diseño y reducir costos mediante materiales más baratos impresos a partir de impresión 3D. Además, estas tecnologías ahorran tiempo, ya que los modelos se pueden ajustar en tiempo real a la información correspondiente mediante ajustes y costuras virtuales. [20]
El vestuario en el teatro chino es muy importante, especialmente en la Ópera de Beijing. Por lo general, tienen muchos estampados con colores intensos y brillantes. Los artículos estándar constan de al menos 300 piezas e indican el tipo de personaje, la edad y el estatus social de los actores a través de adornos, diseños, colores y accesorios. "El color siempre se usa simbólicamente: rojo para lealtad y alta posición, amarillo para realeza y carmesí oscuro para bárbaros o asesores militares". [1] El significado simbólico también se encuentra en los diseños utilizados para los emblemas. Por ejemplo, el tigre representa el poder y la fuerza masculina. La mayoría de la ropa, independientemente del rango, está hecha de materiales ricos y lujosos. El maquillaje también se usa simbólicamente y completa el look general.
En el drama Noh japonés siempre se utilizan máscaras y el aspecto destacado del disfraz. Están hechos de madera y suelen durar generaciones. Hay cinco tipos básicos: masculino, femenino, anciano, deidades y monstruos, todos con muchas variaciones. [2] Las máscaras se cambian con frecuencia a lo largo de la obra. En Kabuki, otra forma de teatro japonés, los actores no usan máscaras sino que dependen en gran medida del maquillaje para sus caracterizaciones. Las características se exageran o eliminan y, para algunos de los roles atléticos, la musculatura se delinea en un patrón específico. Para cada papel se utilizan trajes tradicionales, basados en prendas históricas que se modifican para lograr un efecto dramático. "Algunos disfraces pesan hasta cincuenta libras y los asistentes de escena ayudan a los actores a mantenerlos correctamente organizados mientras están en el escenario" [3]
En el siglo XXI, las tecnologías digitales han marcado el comienzo de una nueva era en el diseño de vestuario. Tradicionalmente, los trajes de teatro se confeccionaban manualmente, mediante costura y patrones redactados en papel. Ahora, los trajes de teatro se pueden diseñar utilizando impresoras 3D, software de modelado y otras herramientas digitales para crear trajes de manera más eficiente. [4] La utilización de programas de modelado de vestuario 3D e impresoras 3D permite a los diseñadores encontrar las formas más eficientes de ahorrar la cantidad de materiales utilizados en un proyecto. [5] Los diseñadores pueden optimizar el uso de materiales con softwares de diseño y reducir costos mediante materiales más baratos impresos a partir de impresión 3D. Además, estas tecnologías ahorran tiempo, ya que los modelos se pueden ajustar en tiempo real a la información correspondiente mediante ajustes y costuras virtuales. [6]
El proceso de diseño de vestuario implica muchos pasos y, aunque difieren de un género a otro, comúnmente se utiliza un método básico.
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1. Análisis :
El primer paso es un análisis del guión, composición musical, coreografía, etc. Se establecen los parámetros de vestuario para el espectáculo y se crea una trama de vestuario aproximada. Una trama de vestuario describe qué personaje está en cada escena, cuándo cambian los actores y qué disfraces se mencionan en el guión.
2. Colaboración en el diseño : una fase importante del proceso es cuando todos los diseñadores se reúnen con el director. Debe haber una comprensión clara del concepto general del espectáculo. Todos los diseñadores deben estar en sintonía con el director en términos de temas para el programa y qué mensajes quieren que la audiencia reciba del programa.
3. Investigación de vestuario : una vez que el director y los diseñadores están en la misma página, el siguiente paso es que el diseñador de vestuario recopile la investigación. Los diseñadores de vestuario suelen comenzar con una investigación donde encuentran recursos para establecer el mundo donde se desarrolla la obra. Esto ayuda a los diseñadores a establecer las reglas del mundo y luego, a su vez, a comprender mejor a los personajes. Luego, el diseñador realizará una investigación amplia sobre cada personaje para tratar de establecer sus personalidades a través de su disfraz.
4. Bocetos preliminares y distribución del color : una vez que se obtiene suficiente información, los diseñadores de vestuario comienzan creando bocetos preliminares. Comenzando con bocetos muy rápidos, el diseñador puede tener una idea básica de cómo se verá el espectáculo y si se mantienen las reglas del mundo. Luego, el diseñador de vestuario realizará bocetos más detallados y determinará el vestuario y los colores específicos del personaje. Los bocetos ayudan a ver el espectáculo como un todo sin que tengan que dedicarles demasiado tiempo.
5. Bocetos finales : una vez que el diseñador de vestuario y el director se ponen de acuerdo sobre el vestuario y las ideas están completamente definidas, el diseñador creará los bocetos finales. Estos se llaman renderizados y generalmente se pintan con acuarelas o pinturas acrílicas. Estos bocetos finales muestran cómo el diseñador quiere que se vea el personaje y los colores del disfraz.
[21]
Una vez diseñado el espectáculo, es necesario planificar de dónde se obtendrán los artículos. Hay cuatro opciones. Las prendas pueden ser:
Hay dos formas en que se puede empezar a construir una prenda; ya sea con patrón redactado o drapeado, y muchas veces ambos métodos se usarán juntos. La elaboración de patrones comienza utilizando un conjunto de bloques de patrones básicos desarrollados a partir de las medidas del actor. Primero se dibujan en papel, luego se transfieren a tela y se cosen para probar el ajuste. [22]
Drapear implica manipular un trozo de tela en un vestido o maniquí que tiene medidas estrechamente relacionadas con las del actor. Es un proceso que toma un trozo plano de tela y le da forma para que la tela adquiera un cuerpo tridimensional mediante corte y fijación con alfileres.
Sin embargo, una vez construido, el disfraz no ha terminado de "funcionar". Un aspecto más importante del vestuario es la forma en que afecta las actuaciones de los actores y su funcionamiento dentro de sus escenarios. Los mejores diseñadores de vestuario construyen sus ideas originales después de evaluar las condiciones visuales y espaciales del vestuario. [23]
Sin embargo, una vez construido, el disfraz no ha terminado de "funcionar". Un aspecto más importante del vestuario es la forma en que afecta las actuaciones de los actores y su funcionamiento dentro de sus escenarios. Los mejores diseñadores de vestuario construyen sus ideas originales después de evaluar las condiciones visuales y espaciales del vestuario. [1]
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