Pietro Paolini , llamado il Lucchese (3 de junio de 1603 - 12 de abril de 1681) fue un pintor italiano del período barroco . Trabajando en Roma , Venecia y finalmente su Lucca natal , fue un seguidor de Caravaggio a cuya obra respondió de manera muy personal. Fundó una Academia en su ciudad natal, en la que se formó la siguiente generación de pintores de Lucca. [1]
Pietro Paolini nació en Lucca , como el hijo menor de Tommaso Paolini y Ginevra Raffaelli. Su familia era acomodada ya que su madre era descendiente de una prominente familia Lucchese.
El padre de Paolini envió a su hijo a Roma, al taller de Angelo Caroselli, cuando tenía 16 años. [2] Angelo Caroselli fue un seguidor de Caravaggio que trabajó en un estilo ecléctico. [3] Mientras que en el pasado la relación entre Caroselli y Paolini se consideraba únicamente como la de un maestro y un aprendiz, los materiales descubiertos más recientemente apuntan a una relación más compleja, más parecida a la de los colaboradores y caracterizada por el intercambio de temas. Caroselli estuvo continuamente ausente de Roma desde junio de 1616 hasta febrero de 1623, por lo que hubiera sido imposible que Caroselli fuera el maestro de Paolini. La presencia documentada de Paolini en Lucca en 1626, al menos durante el período de junio a octubre, limita aún más el período de su interacción. [4] En el taller de Caroselli, Pietro Paolini tuvo la oportunidad de estudiar las diversas escuelas y técnicas, lo que se refleja en la flexibilidad estilística de su obra. [1]
En Roma, Paolini estuvo expuesto a la influencia de la segunda generación de pintores naturalistas de la tradición caravaggesa cuyo principal representante fue Bartolomeo Manfredi y también incluía a Cecco del Caravaggio y Bartolomeo Cavarozzi . [5]
Desde C. 1629-1631 vivió dos años en Venecia donde tuvo la oportunidad de admirar las obras de Paolo Veronese y Tintoretto . Regresó a Lucca, donde vivió el resto de su vida. Sus padres habían muerto en años anteriores y necesitaba mantener a sus muchos hermanos. Después de establecer un exitoso estudio en Lucca, se especializó en cuadros de gabinete que a menudo incluían temas alegóricos o musicales y naturalezas muertas, género que introdujo en la ciudad. [6] Recibió múltiples encargos de instituciones religiosas en Lucca, así como de ciudadanos locales prominentes. [7]
El 25 de noviembre de 1651, Paolini se casó con Maria Forisportam Angela di Girolamo Massei, con quien tuvo dos hijos: Andrea, que se convirtió en custodio de los Archivos Públicos, y Giovanni Tommaso. [8]
Alrededor de 1652 (o posiblemente incluso antes) Paolini fundó la "Academia de Pintura y Dibujo de Lucca", en la que ayudó a formar a muchos pintores. La Academia contribuyó a crear un ambiente artístico particularmente animado en Lucca en la segunda mitad del siglo XVII. En la Academia se formaron numerosos artistas, como Girolamo Scaglia , Simone del Tintore (pintora de bodegones) y sus hermanos Francesco y Cassiano, Antonio Franchi , Giovanni Coli y Filippo Gherardi . [8] [9] Pietro Testa también pudo haber sido alumno de Paolini. [10] Paolini poseía una colección de monedas y moldes de yeso tomados de modelos antiguos, así como una colección de armas antiguas y modernas que se utilizaron como modelos y accesorios en la Academia. [8]
Posteriormente, Paolini abandonó casi por completo la pintura para dedicarse a la docencia. [7]
Murió en Lucca en 1681. [8]
Sólo dos obras de la obra de Paolini pueden fecharse con certeza. Se trata de las Bodas Místicas de Santa Catalina firmadas y fechadas en 1636 y el Nacimiento de San Juan Bautista encargado el año siguiente para Santa María Corteorlandini. Ambos datan de inmediatamente después del regreso del artista a Lucca. El resto de su obra está en gran parte indocumentada. [11]
Los temas principales de la obra de Paolini fueron los temas popularizados por Caravaggio en la pintura romana a principios del siglo XVII. Incluían representaciones de personas de clase baja, como estafadores, charlatanes, vendedores ambulantes, prostitutas y músicos. Por lo general, sólo colocaba unas pocas figuras en una escena. Las características del trabajo de Paolini son la división equilibrada y simple de los lienzos, la plasticidad de las figuras, las expresiones enigmáticamente vagas, la tez suave y radiante de las figuras, así como la precisión con la que representó materiales y objetos como instrumentos musicales. [5]
Paolini también pintó composiciones religiosas y mitológicas durante sus primeros días y algunas por encargo cuando regresó a Lucca. Estas composiciones religiosas forman sólo una pequeña parte de su obra. [12] Un ejemplo de composición mitológica es la obra temprana Aquiles entre las hijas de Licomedes (1625-1630, Museo J. Paul Getty ).
La tesis de que Paolini fue un pintor de naturalezas muertas porque era el maestro de un destacado pintor de naturalezas muertas como Simone del Tintore no está bien fundamentada. En las pocas composiciones en las que se reconoce claramente su mano, queda claro que Paolini limitó su intervención a las figuras. [8]
Varias de sus pinturas tienen significados alegóricos, como la Alegoría de los cinco sentidos ( Museo de Arte Walters ). Esta composición representa una posada a oscuras con varias personas de mala vida dedicadas a hacer música y beber. Cada persona es una representación alegórica de uno de los cinco sentidos. El sonido está representado por la mujer con un laúd, en el centro; el gusto, por el hombre que vacía una petaca de vino; olor, del joven del melón; vista, por el hombre de la derecha sosteniendo un par de gafas; y tacto, por las dos personas que están peleando. Esta pintura data de sus primeros años en Roma y muestra el realismo y el fuerte claroscuro típico de Caravaggio y sus seguidores. [13]
Sus obras a menudo se inspiraron directamente en las composiciones de Caravaggio. Ejemplos de ello son dos pinturas de concierto, El Concierto (c. 1620-1630, anteriormente en el Museo J. Paul Getty, Malibú) y el Concierto Báquico (c. 1625-30, Museo de Arte de Dallas ), de sus primeros días en Roma. Las dos obras representan la reacción del artista ante Los músicos de Caravaggio , que pudo haber visto en la colección del Cardenal del Monte.
Las características generales de El Concierto y varios de sus detalles, como la naturaleza muerta del violín y el libro abierto con una página vuelta hacia arriba, se derivan directamente de la composición de Caravaggio. Paolini reemplazó a los jóvenes andróginos de Caravaggio con blusas holgadas por tres mujeres con vestimenta contemporánea, una de las cuales toca una cítara mientras las demás tocan el laúd. Las fisonomías individualizadas sugieren retratos y Paolini claramente pretendía sugerir una actuación real.
Los tríos de músicas femeninas alcanzaron una fama considerable en este período. La inclusión de Cupido , que sustituye el autorretrato de Caravaggio por un cornetto, muestra que la imagen pretendía ser una alegoría del Amor y la Música presentada bajo la apariencia de un concierto real. Este era un tema común en la tradición pictórica del siglo XVI, que representaba al Amor naciendo de la Música, o al Amor estando siempre en compañía de la Música". El clavel rojo ofrecido por Cupido a una de las mujeres es una clara alusión. a esta relación entre Amor y Música. El gesto también puede implicar que las tres mujeres ofrecen su amor al espectador, un tema de muchas pinturas del siglo XVI con temas musicales [14] .
Paolini creó una serie de retratos, a menudo con un significado alegórico y que representan a personas dedicadas a una determinada profesión o actividad. Todas estas obras se pueden fechar entre la tercera y cuarta décadas del siglo XVII.
Un ejemplo es Una joven sosteniendo una brújula (en Sotheby's el 9 de diciembre de 2009, Londres, lote 28). Representa a una mujer joven que sostiene una brújula en su mano derecha y parece estar dibujando diseños geométricos para un arco en una hoja de papel que sostiene en su mano izquierda. Como era muy inusual en aquella época mostrar a una mujer dedicada al diseño arquitectónico, se ha sugerido que la obra puede ser un retrato alegórico que representa la Arquitectura. Por otra parte, la fisonomía altamente naturalista de la figura es demasiado específica para un retrato "alegórico" o "idealizado". La expresión de la modelo parece observada de una persona específica y viste un vestido contemporáneo.
La combinación de lo real y lo ideal es también característica del retrato masculino de Paolini. Su Hombre con una máscara , a pesar de sus connotaciones emblemáticas, muestra a un joven cuyos rasgos se asemejan a los de una persona real. [9] Esta mezcla de fidelidad a la vida e idealización, lo misterioso y fascinante también está presente en un grupo de cinco pinturas ovaladas que datan de la primera mitad del siglo XVII. Incluyen un retrato de un paje joven , un laudista , un violinista , una anciana cosiendo y una anciana hilando . Estos retratos son pinturas de género que probablemente transmiten un significado alegórico sobre el tema de la armonía. [1]
Paolini también realizó algunos retratos de actores entre los que se encuentran dos del actor Tiberio Fiorilli como Scaramouche . Es posible que Paolini haya conocido al actor en Roma o en Toscana cuando Fiorilli vivía allí. [15]
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