Cut Piece 1964 es una obra pionera del arte escénico y del trabajo participativo interpretada por primera vez por la artista de vanguardia multimedia, música y activista por la paz japonesa-estadounidense Yoko Ono el 20 de julio de 1964 en la Sala de Conciertos Yamaichi en Kioto, Japón. [1] Es una de las primeras y más significativas obras del movimiento artístico feminista y Fluxus . [2] [ referencia circular ]
Ono ha interpretado la obra un total de seis veces. Basándose en una de sus partituras, un conjunto de instrucciones para una actuación, Ono se sentó en el escenario, colocó un par de tijeras frente a ella e invitó al público a cortar trozos de su ropa. Cut Piece se entiende que aborda el materialismo, el género, la clase, la memoria y la identidad cultural y se ha considerado una obra de arte escénico protofeminista icónica, pero también tiene un mensaje antibélico subyacente y una inspiración que se encuentra en el budismo zen y sintoísta. Además de las seis actuaciones de Ono, Cut Piece ha sido puesta en escena por muchos otros artistas y ha inspirado a artistas y colectivos feministas y antibélicos desde que se representó por primera vez en 1964.
Cut Piece es una partitura de evento compuesta por Yoko Ono interpretada por primera vez en 1964 y es una de sus obras más conocidas y se considera un ejemplo temprano de arte escénico. Ha interpretado la pieza un total de seis veces. Parte de la intención detrás de sus partituras de evento es que la obra pueda ser interpretada por cualquiera y Cut Piece ha sido interpretada por muchos artistas de todos los géneros. La partitura indica al intérprete que se siente en el escenario y permanezca inmóvil mientras los miembros del público se acercan y cortan trozos de la ropa del intérprete. Importante para la creación de significado en Cut Piece es la idea de la teoría de la recepción , la idea de que el espectador juega un papel tan importante en la dotación de significado de una obra de arte como lo hace el artista. [3] De hecho, debido a la relativa ambigüedad de la obra, suscita muchas lecturas, algunas intencionadas por la propia Ono y otras inferidas por el público, otros artistas e historiadores que consideran el género, la identidad nacional, la memoria y el contexto histórico. Basándose en la naturaleza de la interacción entre Ono y los miembros del público durante sus actuaciones en Nueva York y Londres, muchos lo han interpretado como una obra protofeminista que aborda cuestiones de violencia de género y de cosificación y subyugación de las mujeres.
Cut Piece también explora la relación entre el artista, la obra de arte y el espectador. La obra plantea preguntas sobre la relación entre el público y el artista, al convertir básicamente al público en colaborador. Debido a la ambigüedad y al potencial de azar, hay una apertura que permite la creación de múltiples significados. [3] Cada actuación varía en función del tono del público. Algunas actuaciones se mueven lentamente y otras a un ritmo rápido. Algunas personas cortan con suavidad y otras son más agresivas. En 1966 escribió sobre su experiencia en la actuación de Londres: "La gente siguió cortando las partes que no les gustaban de mí. Finalmente, solo quedó la piedra que estaba en mí, pero todavía no estaban satisfechos y querían saber cómo era en la piedra". [4]
Según Julia Bryan-Wilson, Cut Piece consta de tres gestos interconectados: la invitación, el sacrificio y el souvenir. [5] La invitación ocurre cuando Ono invita al público a participar, de hecho a interpretar la pieza acercándose al escenario y cortando un trozo de su ropa. Ono ha dicho que siempre llevaba un conjunto de sus mejores galas para la actuación, por lo que sería una verdadera ofrenda. Esta entrega de Ono al corte del público significa el sacrificio. El souvenir consiste en pedir al público que conserve el trozo de tela o, como en la actuación de 2003, que se lo envíe a un ser querido, un acto de compartir y de recordar continuamente.
La partitura de Cut Piece se imprimió en el programa del concierto de despedida de Yoko Ono: espectáculo de striptease en el Sogetsu Kaikan Hall de Tokio en 1964, junto con partituras de varias otras obras interpretadas esa noche. [3] La partitura también se incluyó en su libro de 1964, Grapefruit .
Tiempo medio de corte de pieza : 30'
Primera versión para intérprete único:
El artista se sienta en el escenario con un par de tijeras frente a él.
Se anuncia que los miembros del público podrán subir al escenario, uno a la vez, para cortar un pequeño trozo de la ropa del artista para llevárselo consigo.
El intérprete permanece inmóvil durante toda la pieza.
La pieza finaliza a elección del intérprete.
Segunda versión para público:
Se anuncia que los miembros de la audiencia podrán cortarse la ropa de los demás.
El público puede cortar tanto como quiera.
[3] [6]
En la reedición de 1971 de Grapefruit se añade a la partitura que "sin embargo, el intérprete no tiene por qué ser una mujer". [3] Es interesante que aquí haya dos versiones, sin embargo, Ono parece haber escenificado solo iteraciones de la Versión 1, que es la versión más conocida.
En el arte de performance, el artista o intérprete asume el papel del objeto de arte. En la mayoría de las performances, existe una relación implícita y mutuamente entendida entre el espectador y el intérprete. Cut Piece es única en el sentido de que este acuerdo se negocia constantemente debido al intenso nivel de participación del público y la interacción directa con el intérprete requeridos y siempre existe la amenaza de que una de las partes pueda sobrepasar los límites acordados. [6] Cut Piece invierte efectivamente la relación entre intérprete y espectador. En Cut Piece , Ono permanece pasiva y en silencio y se invita al público a cortar un trozo de su ropa. Para que la obra tenga éxito, el público debe participar, lo que lo hace responsable de su propia experiencia [6] y, de hecho, también de la progresión y el tono de la performance.
En esta obra, Ono asume el papel de un cuerpo exótico “otro”, así como de una mujer victimizada. Cut Piece depende parcialmente del público y de su participación para crear significado en la obra, que es donde reside el éxito de la obra, en la ambigüedad y los significados cambiantes que se encuentran en la obra al revisar las diversas representaciones y la forma diferente en que el público interactúa con Ono y entre sí. De hecho, Cut Piece redefine la relación y difumina los roles del cuerpo que actúa y el público que interpreta [5] al convertir esencialmente al público en intérpretes. En el caso de Cut Piece , la obra no sería posible de representar sin la actuación mutua entre el artista y el público. Ono está provocando una actuación específica de los miembros del público a través de sus instrucciones, la atmósfera y el contexto que ha construido para que tenga lugar el evento. Este modo de actuación probablemente habría sido completamente nuevo para el público durante la época de las primeras representaciones de la pieza en 1964.
La documentación también jugó un papel importante en la recepción futura de Cut Piece y en nuestra comprensión de la relación entre el artista y el público. Durante todas las performances, Ono invitó a fotógrafos y cineastas a documentarlas. Esto difiere de otros artistas de performance de esta época que deseaban que su trabajo permaneciera efímero, existiendo solo en el marco temporal en el que se realizaba. Dado que el trabajo de Ono se ocupa de la memoria, de conmemorar el evento y llevar este recuerdo al futuro, la documentación de la obra y el poder de la fotografía para transmitir el mensaje fueron importantes para la obra.
Como señala Clare Johnson, muchas de las fotografías del evento muestran a Ono sentada tranquilamente mientras un miembro del público corta un pequeño trozo de su ropa. Sin embargo, las fotografías y el vídeo de los hermanos Maysles también recuerdan al espectador el potencial de violencia durante la actuación debido a la relación incierta entre el espectador y el artista. Las fotografías "contribuyen a la interpretación de esta obra como un trabajo que trata principalmente de la violencia de género". [7] El control de Ono se afirma a través de su calma y quietud. Crea un espacio de posibilidad y la cámara era una parte integral de él, sirviendo no solo para documentar sino como mediadora entre el artista y el público en el presente de las actuaciones. [7]
Las seis representaciones de Cut Piece difieren según la ubicación y la participación del público. Debido a sus múltiples iteraciones y a que cada vez que se interpreta la obra cambia según el contexto de tiempo, lugar, público e intención del artista, Clare Johnson ha descrito a Cut Piece como una representación de "una serie de tiempos presentes". [7]
La primera interpretación de Cut Piece se realizó en Kioto el 20 de julio de 1964 en el Yamaichi Hall de Kioto y fue parte de una velada de actuaciones de Ono, Tony Cox y Al Wonderlick, titulada Contemporary Avant-Garde Music Concert: Insound and Instructure . [1] [6] En el programa, Ono se identificó como una "música de vanguardia estadounidense". [6]
Ono se sentó sola con las piernas cruzadas en el escenario con su mejor ropa, su largo cabello sobre sus hombros. [5] El público se turnaba para caminar hacia ella en el escenario y unirse a su actuación, cortando trozos de su ropa con tijeras. Su expresión se mantuvo serena y en silencio mientras que su cuerpo permaneció inmóvil. Para la etapa final de la actuación, su cuerpo estuvo completamente expuesto. El público bajó las escaleras agarrando los restos de su ropa y se les permitió quedarse con estos trozos. [8] Como obra pionera, Ono coloca al espectador en una posición muy importante y es un elemento importante de Cut Piece.
Esa noche, interpretó otras obras, entre ellas Fly Piece y Word of Mouth Piece , otras dos performances conceptuales que también requerían la participación del público. Estas piezas preparaban al público para participar en Cut Piece , involucrándolos en la creación de la obra al involucrarlos en actividades de bajo riesgo, a menudo extravagantes o divertidas que requerían un espíritu de fantasía, interacción e imaginación. [5]
Ono recuerda los largos silencios durante esa primera actuación y lo difícil que era para la gente acercarse al escenario. [6] Hubo un caso de violencia potencial cuando un miembro del público extendió las tijeras como si fuera a apuñalarla. [6] Jieun Rhee se pregunta si esta rabia estaba dirigida hacia Ono como mujer o como estadounidense durante una época de ambivalencia japonesa hacia los EE. UU. debido a la política de posguerra. [6]
La segunda actuación se llevó a cabo en Tokio en el Sogetsu Kaikan Hall el 11 de agosto de 1964, actuando nuevamente con Tony Cox y su compañero artista de Fluxus Jeff Perkins, para el concierto de despedida de Yoko Ono: Strpiptease Show . [9] También figuraba en el programa Sproutmotional Whisper , así como un anuncio de su nuevo libro Grapefruit . [9] Más tarde dijo que el Striptease en el título de la actuación se refería a un "desnudo de la mente" en su ensayo de 1966 "To the Wesleyan People (Who Attended the Meeting)". [5] Además, en una entrevista que dio poco antes de salir de Japón, Ono opinó que "lo que un ser humano realmente quiere expresar es un striptease, y este es también el apogeo de las artes". [6] Quizás la relación física de su cuerpo con el espectador, y en última instancia la relación del alma del artista a través de su trabajo, esté relacionada con la intención de dar que deseaba expresar en Cut Piece .
Ono interpretó Cut Piece por tercera vez en el Carnegie Recital Hall de la ciudad de Nueva York el 21 de marzo de 1965 en New Works of Yoko Ono. La respuesta del público en la actuación de Nueva York pareció diferir drásticamente de la de Japón. La actuación fue capturada en película por los documentalistas Albert y David Maysles . Los espectadores se acercan sin dudarlo y hacen sus cortes rápidamente. Las mujeres tienden a tener más cuidado y cortan pequeños trozos de áreas discretas, como los bordes de las mangas o la parte posterior del escote. Aun así, el ritmo de todo hace que resulte desgarrador de ver. Se puede ver que algunos de los participantes, hombres, se sienten con derecho a trabajar en el corte durante mucho tiempo o se quedan de pie siniestramente encima de ella, mirándola claramente con lascivia o tal vez disfrutando de su poder sobre ella. En cierto momento, la respiración de Ono se acelera y parece nerviosa. El público se ríe entre dientes durante todo el tiempo, y sus ruidos ambientales y su habla apagada son los únicos sonidos en el video, lo que le da un tono siniestro. Alrededor del minuto 7:30, un hombre se acerca por segunda vez, la primera vez después de haberle cortado una parte de la camisa por encima del pecho, y comienza a cortar la blusa por delante, entre sus senos. Mientras lo hace, le habla a la audiencia como si estuviera narrando su delicada operación, mientras es rápido y brusco con las tijeras. Sigue cortando y uno puede preguntarse cuándo se detendrá. En un momento, Ono se acerca para detenerlo, pero se contiene, tal vez tratando de ceñirse a su papel de dadora o víctima pasiva. Él afirma que tomará un tiempo, pero no tanto. Continúa hasta que ha cortado la blusa y procede a cortar los tirantes de su sujetador. Una mujer le dice "deja de ser tan tonta", al hombre con las tijeras o a otro hombre que habla inaudiblemente, no está claro. En este punto, Ono se sostiene los senos con las manos para evitar que caiga el frente del sujetador. La película termina poco después. [10]
La cuarta y quinta iteraciones de Cut Piece se realizaron durante dos noches como parte del Simposio sobre la Destrucción del Arte , el 9 y 10 de septiembre de 1966, en el Centro África de Londres. El simposio fue organizado por el artista y activista Gustav Metzger y estaba alineado con la política de izquierdas y la protesta cultural. Metzger comentó sobre Cut Piece: "Fue mejor de lo que esperaba. Más fuerte. Y muy inquietante". [5] La inclusión de Cut Piece en este simposio situó la obra en el contexto de la protesta.
37 años después de sus actuaciones de 1966, Ono realizó una sexta representación de Cut Piece en 2003 en París, en el Theatre le Ranelagh, dos años después de los ataques del 11 de septiembre al World Trade Center en Nueva York y el mismo año en que las tropas estadounidenses invadieron Irak. Esta actuación incluía la instrucción adicional de enviar un fragmento de tela del tamaño de una postal a un ser querido como signo de reconciliación. Este nuevo gesto significa una temporalidad continua, que extiende la actuación más allá de su contenedor y hacia el futuro, ya que el acto potencialmente violento de cortar se convierte en una cuestión de reparación. [7] Esta iteración de la actuación pone de relieve con mayor claridad el mensaje contra la guerra y el énfasis en la creación de una memoria futura a través de la conmemoración del pasado.
Después de casi 40 años, cuando repitió Cut Piece , su mentalidad también era muy diferente a la de cuando la interpretó por primera vez. Ono dijo: "La fuerza y la intimidación estaban en el aire. La gente estaba silenciada. Cut Piece es mi esperanza para la paz mundial. Cuando interpreté esta obra por primera vez, en 1964, lo hice con algo de ira y turbulencia en mi corazón [11] ". Al mismo tiempo, habló en el escenario: "Ven y corta un trozo de mi ropa donde quieras - del tamaño de menos de una postal - y envíaselo a la persona que amas [12] ".
Ono ha dicho que la intención original de la pieza era sobre el poder de dar y dejar ir el ego, diciendo: "En lugar de dar a la audiencia lo que el artista elige dar, el artista da lo que la audiencia elige tomar". [3] Ella continúa diciendo que durante las actuaciones estaba mirando al vacío, como si estuviera rezando y sentía que se estaba sacrificando voluntariamente. [3] Ono ha citado historias budistas, específicamente la historia de Jataka , o la Tigresa Hambrienta, como inspiración para Cut Piece y el espíritu de máxima entrega y entrega que pretendía para las actuaciones. [6] En la historia, el Buda le dio al mundo todo lo que se le pidió, incluso hasta el punto de permitir que una tigresa consumiera su cuerpo para poder producir leche para sus cachorros. [6] En una entrevista de 2000, agrega que Cut Piece reflejaba cómo se sentía después de la brutal crítica que recibió sobre una exposición de su trabajo en Tokio. "Hubo muchas cosas que me hicieron en ese momento, y seguí luchando", recuerda. [13]
En el contexto del budismo sintoísta, que fue una inspiración para Ono y con la que los espectadores japoneses estarían familiarizados, existe un entrelazamiento de lo sexual y lo espiritual. La declaración de Ono sobre el artista que “da lo que el público elige tomar” [6] evoca antiguas prácticas sintoístas, incluidas las de las Kumano bikuni , un grupo de monjas que viajaban dando sermones y también se dedicaban a la prostitución como una forma de recaudar fondos, lo que puede verse como “la 'donación' femenina al servicio de un objetivo superior”. [6]
También es interesante la asociación de la ropa con el espíritu de quien la lleva en la tradición espiritual japonesa. [6] Según Liza Dalby, en Japón, la ropa está tan estrechamente asociada con quien la lleva, que la prenda se impregna de la esencia del espíritu de una persona. El concepto de kami, que hace referencia a "la espiritualización de todas las cosas del universo", [6] así como la espiritualización del objeto, o mono , nos ayudan a entender la reverencia expresada por el público en las actuaciones de Kioto y Tokio, así como el significado de la destrucción de la ropa occidental como representación de la tensión entre Japón y Occidente. [6] Considerar la ropa en el contexto de kami y "el poder de dar" significa que cada persona que corta, está cortando y tomando un pedazo de su alma. Esto puede verse tanto como un acto violento como algo así como un acto de comunión, donde Ono ha ofrecido su ropa y, por lo tanto, su espíritu como una muestra de conmemoración.
La propia definición de identidad de Ono en sus representaciones significó que interpretó un cuerpo exótico tanto en el contexto oriental como en el occidental. [6] La exploración de la alteridad en Cut Piece alimentó las expectativas y los sentimientos expuestos que cada audiencia tenía sobre el otro. En el caso del público japonés, alimentó sus expectativas y su enojo hacia los estadounidenses o hacia Ono como una persona japonesa que ahora se identificaba como estadounidense. Mientras que en las representaciones de Nueva York y Londres alimentó los estereotipos y las fantasías sexuales sobre las mujeres japonesas.
La reacción del público japonés contrasta marcadamente con las actuaciones en el Carnegie Hall en 1965 y en el Africa Center de Londres en 1966, donde Ono se presentó como una artista tradicional japonesa y el público la vio como una “joven dama oriental”, como se evidencia en una reseña de Alaster Niven. [6] En ambas actuaciones parece que el público recibió la obra como un striptease, la “exposición de un cuerpo femenino exótico”. [6]
Parece que, aparte de un espectador masculino que la amenaza con las tijeras, según los recuerdos de Ono, hubo reverencia y cuidado por parte del público en Japón. [6] Ono describió al público cortando lentamente su ropa "con movimientos tranquilos y hermosos". [5] En fotos y grabaciones de las actuaciones, se observa que Ono siempre se sentaba en una posición baja de rodillas en el escenario, la posición formal sentada seiza , que significaba cortesía y habría sido reconocida como tal en Japón. [5] Esta misma posición sentada en las actuaciones de Nueva York y Londres podría haber contribuido a la fetichización occidental de una mujer asiática silenciosa y sumisa, [5] retorciendo y complicando aún más la dinámica de poder presente en la obra. Clare Johnson observa que Ono le dio al público la oportunidad de representar la dinámica de poder implícita en esta fantasía, de alguna manera representando "la cosificación del otro asiático". [7] Sin embargo, en la iteración de Nueva York, los miembros masculinos del público se sienten casi demasiado confiados en ejercer control y propiedad sobre su cuerpo. En el cortometraje de ocho minutos hubo múltiples momentos de casi hostilidad, hasta el punto en que algunos espectadores sintieron que estaban presenciando un posible asalto. [10]
Jieun Rhee postula que en sus representaciones de Cut Piece en Japón, Ono tenía una "estrategia para Occidente", una que le permitiría pasar de su identidad como "músico de vanguardia estadounidense" a la de una "artista japonesa tradicional", utilizando sus identidades duales y fluidas para crear contexto y una relación adversaria u otredad entre el artista/intérprete y el público en ambos casos, [6] señalando que la obra es un marco bien pensado de la fricción entre la cultura japonesa y estadounidense, el contexto de posguerra y el género. [6] Como mujer que desafió el papel tradicional de la mujer japonesa, y como una de las pocas mujeres involucradas en la vanguardia japonesa, Ono soportó el peso de las actitudes patriarcales japonesas y se le hizo difícil encontrar aceptación en el mundo del arte dominado por los hombres, [6] lo que probablemente fue una razón para su partida de regreso a los EE. UU. en 1964 después de sus dos representaciones de Cut Piece .
Las lecturas feministas de Cut Piece a menudo se centran en el concepto feminista de la "mirada", refiriéndose a la cosificación del cuerpo femenino y la violencia ejercida sobre él "mediada por regímenes de visión". [5] En este contexto, la obra aborda el voyeurismo, la agresión sexual, la subordinación de género, la violación del espacio personal y la violencia contra las mujeres. [5] Cut Piece es la primera pieza de performance que aborda el potencial de la violencia sexual en el espectáculo público. [14] Cuando se le preguntó sobre el feminismo de Cut Piece, Ono dijo que "no tenía ninguna noción de feminismo". [3] Sin embargo, como mujer que funcionaba en el mundo del arte misógino y dominado por los hombres de la década de 1960, ciertamente habría sido consciente de la dinámica de poder del género y la subordinación de las mujeres que eventualmente desencadenarían el movimiento de liberación de las mujeres y no se ha opuesto a las lecturas feministas de su trabajo.
El espacio de la performance contiene el potencial de violencia, donde el público es el agresor masculino y Ono desempeña el papel de víctima femenina. Esta lectura toma el cuerpo de Ono como un sustituto de todos los cuerpos femeninos y la considera como el objeto de arte femenino objetivado que no tiene poder, está sujeto a la violencia y al escrutinio de la mirada del público. [5] Ver a algunos de los miembros masculinos del público en la película de la performance es bastante desgarrador y uno puede entender por qué la obra se ha convertido en una obra feminista tan importante en relación con estos temas. Durante al menos una de las performances de Londres, Ono fue desnudada por completo. La dinámica de poder presente en la performance de Nueva York se intensificó en la de Londres donde, según un relato del crítico Alaster Niven, parece que un maestro de ceremonias incitó al público durante todo el espectáculo, incluso pidiendo a alguien que quitara la última tira de la ropa interior de Ono. [6] Aunque Ono permanece en silencio como parte de los parámetros de Cut Piece , el hecho de que un presentador masculino hablara por ella en esta versión de la obra funciona para silenciarla y cosificarla aún más. Tal vez sean momentos como estos los que han llevado a algunos espectadores a describir Cut Piece como "más como una violación que como una representación artística". [5]
La amenaza de violencia potencial en Cut Piece es palpable y las lecturas feministas son válidas; sin embargo, esta lectura a menudo pasa por alto la interacción del género con la identidad y la historia personal de Ono de una manera que puede expandirla aún más. Según Julia Bryan-Wilson, en Cut Piece el cuerpo puede leerse como un receptor de riesgos y amenazas, pero también como una fuente de regalos. [5] Ella afirma que Ono en realidad conserva su capacidad de acción al instruir al público sobre qué hacer con las tijeras, así como también afirma su derecho a terminar la actuación "a opción del intérprete". También toma el control en ciertos puntos, como durante la actuación de Nueva York, después de una interacción particularmente angustiosa con un miembro del público que le corta toda la parte superior y corta los tirantes de su sujetador, mueve sus brazos para evitar que los restos caigan y que sus pechos queden expuestos. [5] Sus acciones en Cut Piece difieren de trabajos feministas posteriores, aunque inspirados en Cut Piece , como Rhythm 0 (1974) de Marina Abromovic, donde la artista se entregó completamente a los caprichos y deseos de la audiencia durante un evento de seis horas de duración donde los miembros de la audiencia tenían la opción de 72 objetos, incluyendo uñas, lápiz labial, fósforos y una pistola. [7]
El regreso a la idea de que una mujer entrega un pedazo de su alma, o permite que se la quiten a través del corte de ropa, también se relaciona con la teoría feminista y las expectativas que se ponen sobre las mujeres para que sacrifiquen todo en pos de las tareas de cuidado de la maternidad. Ono ha afirmado que “las mujeres [son] las únicas personas que conocen el orgullo y la alegría de la entrega”. [6] Esto puede estar relacionado con un tipo de libertad de alegría que se siente en el acto de verdadera entrega, sin embargo, el concepto de entrega en relación con Cut Piece también podría referirse a una expectativa de pasividad o sumisión de las mujeres en los roles de género tradicionales como esposa, madre y cuidadora. Esto también requiere una entrega a las circunstancias, a la dinámica de poder, al dominio masculino.
En el contexto de la donación que Ono afirma que era su intención original, así como el concepto del sacrificio, ambos parte del mito budista que inspiró a Ono y el análisis de Julia Bryan-Wilson del sacrificio como una parte importante de la obra, es quizás importante considerar que una parte importante de la actuación para Ono fue el compromiso de continuar "dando" al público "lo que quisieran tomar", incluso cuando el tomar no siempre es amable o gentil. El reconocimiento de la violencia y la generosidad inherentes a la pieza son importantes tanto para las lecturas feministas como para las antibélicas de la misma.
La pieza también puede leerse como una protesta contra la guerra y como una respuesta específica a los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial, incluida la experiencia de la propia familia de Ono. [5] Esta lectura es particularmente relevante a la luz del activismo antibélico de toda la vida de Ono. Cut Piece puede examinarse en el contexto de la devastación masiva de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki y sus consecuencias, así como de la violencia inminente de la Guerra de Vietnam, que pronto dominaría la conciencia global. Ambos eventos ignoraron cualquier distinción entre civiles y combatientes, donde la mayoría de las víctimas civiles fueron mujeres y niños. [5] Esta lectura amplía la perspectiva feminista general de “desvestirse como violencia” y abre el trabajo a un feminismo más amplio que entiende la guerra como un tema profundamente feminista y considera la “circulación del cuerpo femenino dentro de la política global”. [5] Traer las atrocidades de la guerra y las consecuencias emocionales y materiales que sufren sus víctimas al ámbito de la preocupación feminista abre el discurso a discusiones no solo sobre la violencia infligida al individuo sino también sobre la devastación infligida a una población colectiva y el impacto de la guerra en las mujeres.
Después de los bombardeos, el ejército estadounidense documentó la devastación y los efectos en los sobrevivientes, que incluyeron muchas fotos de personas cuya ropa había sido parcialmente destrozada por la explosión. Originalmente suprimidas, estas imágenes, así como los relatos de los sobrevivientes, se hicieron públicos y parte de la ropa real se exhibió en museos. Esto fue acompañado por una avalancha de relatos personales y obras de arte realizadas por hibakusha , los sobrevivientes japoneses de la guerra atómica, muchas de las cuales mostraban ropa rasgada. [5] Estas imágenes son precedentes de Cut Piece, y el cuerpo de Ono en la obra puede verse como si estuviera en diálogo con ellos. [5] El corte involucrado en Cut Piece, reduciendo la ropa de Ono a jirones, mientras ella se sienta firme en su ofrenda, es una recreación viva y cambiante de la violencia de las explosiones nucleares, que funciona como un acto de recuerdo. Al dejar a los participantes con el recuerdo de la tela que cortaron, es un gesto esperanzador de reparación, así como una muestra de memoria, algo que les impide olvidar. [5] En este contexto, “el arte de Ono no presenta a la sobreviviente femenina como herida, sino a la sobreviviente como testigo; no al cuerpo como una fuente auténtica de dolor y experiencia, sino como mediado por la historia y sus efectos. [5]
El acto de dar y recordar que se lleva a cabo en Cut Piece refleja el optimismo inherente a muchas de sus obras, como Promise Piece (1966) y Morning Piece (1964), que, al igual que Cut Piece, emplean nociones de conmemoración y dejan al público con objetos conmemorativos, los souvenirs, que también sirven para incluir al espectador en la historia del evento y lo encargan de construir la memoria. [5] Este acto de dar y recibir conecta el pasado, el presente y el futuro y convierte al espectador/participante en un portador de la memoria. El optimismo, aunque esté teñido de la violencia del pasado, evoca una promesa para el futuro, si podemos evitar la guerra y la violencia futuras. Los fragmentos de estas performances sirven como recordatorios de la devastación de esa violencia. Las lecturas contra la guerra dan espacio para que la obra funcione como "un gesto de reparación y un ritual de recuerdo" [5], así como para explorar la compleja relación entre la agresión y la generosidad en la obra. La actuación posterior de Ono, en 2003, deja más claro este aspecto de la obra, ya que declara explícitamente su intención de difundir la paz y la reconciliación tras los ataques terroristas del 11 de septiembre y la guerra inminente al compartir un artefacto de la actuación: un trozo de su ropa.
Cut Piece causó sensación e inspiró mucha discusión. Después de su presentación inicial, Ono mencionó que uno de los propósitos del espectáculo era compartir y dar una parte de lo mejor de ella. [15] Por eso eligió usar su mejor traje. En una de sus primeras entrevistas, dijo: "Fue una forma de dar, dar y recibir. Fue una especie de crítica contra los artistas, que siempre están dando lo que quieren dar. Quería que la gente tomara lo que quisiera, así que era muy importante decir que puedes cortar donde quieras [3] ". Y también mencionó que parte de su inspiración vino del budismo .
Paradójicamente, Cut Piece es una obra feminista clásica y universalmente reconocida en público. En una entrevista de 1994, Ono negó que tuviera ideas feministas cuando la interpretó por primera vez. [15] En la performance, invita a una reflexión más profunda que simplemente revelar la conexión entre la intérprete (el objeto) y el público. Crea su relación con el público al darles la oportunidad de participar en la performance, así como de contemplar la obra y reflexionar sobre ella desde su propia perspectiva.
Cut Piece presenta con audacia la violencia contra los cuerpos de las mujeres en forma de prendas recortadas. La mayoría de la gente define esto como arte de performance feminista. Pero Ono sigue siendo ambigua al respecto, otorgando casi por completo al espectador la responsabilidad y el derecho de juzgar la obra. La interpretación de la pieza hizo famosa a Ono, pero desató mucha controversia. Thomas E. Crow elogió en 1966 que "es difícil pensar en una obra de arte anterior que señale con tanta precisión la cuestión política de la vulnerabilidad física de las mujeres mediada por regímenes de visión [16] ". En un escrito de 1994, Marcia Tanner criticó Cut Piece como "realmente bastante horripilante, más parecida a una violación que a una performance artística [17] ". Sostiene que la obra está llena de agresión y violencia contra las mujeres y es deliberadamente pasiva y sexualmente controladora. Ono se reduce a un objeto para ser examinado, violado por el público y sometido a la mirada masculina. Al mismo tiempo, el papel del espectador cambia de voyeur a victimario, sádico y agresor, siendo peligroso y amenazante. [5]