La cobertura de cámara , o cobertura , es la cantidad y el tipo de material filmado que se utiliza para capturar una escena en la producción cinematográfica y de video . El editor de películas utiliza la cobertura en la posproducción para ensamblar el corte final .
La técnica de la cobertura implica filmar desde más posiciones de las que se utilizarán en la película final, lo que permite al director elegir tomas durante el proceso de edición. Esto evita la necesidad de traer de vuelta al elenco y al equipo para retoques posteriores y nuevas tomas si el director no está satisfecho con los resultados de las posiciones de cámara que se planificaron originalmente. [1] Incluso las películas meticulosamente planificadas, guionizadas y ensayadas pueden encontrar la necesidad de una cobertura. [2] La cobertura también permite al editor tomar el control de una actuación, ajustando el tiempo para que se satisfagan las necesidades de la audiencia (en lugar de las del director o el actor). [3]
En general, existen cuatro tipos de cinematografía: [4]
La cobertura es parte del método de escena maestra, [5] y puede usarse en el método de forma libre. [6]
La cantidad y el tipo de cobertura generalmente la determina el director en consulta con el director de fotografía durante la etapa de preproducción . [7] La cobertura proporciona al director y al editor la capacidad de cambiar el ritmo de la escena, reenfocar la escena en diferentes imágenes o incluso utilizar diferentes tomas. La cobertura también permite al editor evitar errores en la cinematografía, [8] la falta de fotogramas limpios o errores de continuidad . [1] Se necesita más cobertura cuando se filman explosiones o acrobacias, ya que son extremadamente difíciles de replicar exactamente. La actuación de un solo actor que es particularmente difícil, o una escena que tiene una gran cantidad de personajes, generalmente requerirá más cobertura que una escena de dos personas con un diálogo simple. [1]
En la Edad de Oro de Hollywood , un estilo coherente de actuación, dirección, edición, cinematografía, realismo teatral , sonido y diseño de producción , conocido colectivamente como el "estilo Hollywood", dictaba la cobertura. A los directores y directores de fotografía se les enseñó explícitamente a capturar una toma maestra, tomas medias, primeros planos y cortes desde varios ángulos diferentes. Esto le dio al director y al editor, así como a los productores y ejecutivos del estudio, la máxima libertad para cortar la película. [7] Desde la desaparición del sistema de estudios , la cobertura ha adquirido menos importancia en términos de elaboración de una escena debido al énfasis en la teoría del autor de la realización cinematográfica. [9] El veterano editor de largometrajes John Rosenberg ha argumentado, sin embargo, que alejarse del "estilo Hollywood" y del sistema de estudios ha llevado a una cinematografía de menor calidad. En su opinión, la cobertura es demasiado limitada, las tomas terminan sin despejar un encuadre, la composición está mal pensada, la iluminación es deficiente y las tomas que preparan la escena son escasas. [10] [a]
Los editores utilizan la cobertura para superar los problemas de visualización y narración. Un buen editor tiene un fuerte sentido estético, una comprensión completa de los aspectos técnicos de la realización cinematográfica y una sólida capacidad para contar una historia. Un editor utiliza estas habilidades para diagnosticar problemas con una escena y corregirlos mediante la cobertura. [13]
En la producción de largometrajes, la cobertura se entrega todos los días al editor en forma de " dailies " (también conocidos como "rushes"). Se trata de todas las tomas del día anterior que el director consideró conveniente imprimir. [14] No es necesario utilizar toda la cobertura en el montaje final. [15]
En el método de la escena maestra, el guion y el plano maestro son la "hoja de ruta" que el editor utiliza para crear la escena. [16] El plano maestro se filma primero, ya que la cobertura debe coincidir con lo que ocurre en el plano maestro. [5] La cobertura consiste en todos los demás planos ( primeros planos , planos medios , planos desde el punto de vista , planos inversos y otros) que requiere el director para contar la historia. Todos estos planos deben obedecer la regla de los 180 grados . [17] Los planos de "llamada" (el plano del primer actor, elemento, espacio) y "respuesta" (planos del siguiente actor, elemento o espacio) utilizan el mismo tamaño de lente y distancia de enfoque, de modo que los elementos en el plano mantengan una distancia constante con respecto a la cámara. [18] [19]
El director y el editor generalmente entienden que la toma maestra se cortará en pedazos y se insertarán otros planos para crear el corte final. [16] La cobertura también implica filmar suficiente película adicional para permitir que el editor encuentre puntos de corte. En aquellos puntos en los que el director pretende insertar la cobertura, el diálogo o la acción deben detenerse y el director de fotografía debe mantener la toma durante un segundo o dos. Esto le da al editor la capacidad de elegir dónde terminar la escena. Si la inserción viene antes del comienzo del diálogo o la acción, el director de fotografía debe comenzar a filmar un segundo o dos antes (creando lo que se conoce como un "cuadro limpio") para que el editor trabaje con él. [18]
La cobertura también puede incluir la filmación de tomas de transición para introducir o ayudar a salir de una escena. [18]
En el método de forma libre, el director de fotografía casi siempre mantiene la cámara enfocada en la persona que está hablando o en la acción principal. Incluso si la escena se filma varias veces, esto prácticamente no deja variación en cada toma. [6]
Cuando se aplica al método de forma libre, la cobertura toma la forma de un pase de diálogo, un pase de reacción y un pase de forma libre. En el pase de diálogo, la cámara permanece enfocada en quien está hablando o donde está la acción. En el pase de reacción, la cámara se enfoca solo en la persona que escucha o reacciona ante el orador, o en aquellos que miran la acción. En el pase de forma libre, el director de fotografía elige en qué enfocar: el orador, el reactor, un plano general, un primer plano o lo que parezca apropiado. Estos tres pases le dan al editor flexibilidad para construir la escena. [6]
Las tomas de cobertura son necesarias porque la toma maestra de toma larga parece estática y teatral para el público moderno. [16]
La toma de situación es un tipo de toma de cobertura. Ayuda a situar al espectador en un contexto físico y evita que la película tenga una sensación claustrofóbica. [16]
Los planos de corte se consideran parte de la cobertura. Se trata de imágenes que no pertenecen a la acción principal o al diálogo. "Un plano de corte puede ser un plano de reacción, lo que ve un personaje, un fragmento del entorno o un objeto". [1] Los planos de corte se pueden utilizar cuando falta cobertura, pero también pueden ser elementos integrales de la cobertura diseñados para implementar la visualización de la escena. [1]
El corte inicial o final es otra toma de cobertura útil. Después de tomar la toma maestra, se fotografía un plano medio desde el mismo ángulo. El editor puede cortar hacia adelante y hacia atrás entre las dos tomas. El corte inicial o final ayuda a cubrir la edición cuando se elimina el diálogo ("se comprime"), puede ser utilizado por el director o el editor para elegir la mejor interpretación de un actor e incluso puede servir como una forma de corte de coincidencia que sirve para ubicar la acción en contexto. [1]
Si bien la cobertura generalmente se considera en términos de tomas y ángulos, la cobertura también puede incluir el uso de diferentes distancias focales . [1]
El editor Conrad Buff ha hablado sobre el uso de la cobertura en una escena crítica de la película de 2004 El rey Arturo . La escena involucraba una batalla entre dos grandes ejércitos en un lago helado. Durante la batalla, el hielo se rompe y uno de los ejércitos cae al agua helada. La falta de tiempo y otros problemas dejaron al director solo dos días para filmar lo que debería haber llevado de siete a diez días de producción. El primer día se dedicó a filmar tomas panorámicas de los ejércitos que se acercaban. El segundo día se dedicó a filmar la batalla. [20]
Buff descubrió que, aunque se habían filmado tomas principales de los actores principales, se incluyó poca cobertura adicional. Faltaban primeros planos de los actores principales, tomas de filas de arqueros disparando flechas, descargas de flechas en vuelo, tomas medias y primeras planas de hombres en batalla, soldados muriendo en batalla e incluso el hielo rompiéndose. Ninguna de las tomas en los diarios estaba en orden narrativo. Buff pudo armar un corte preliminar usando la cobertura limitada que tenía. Luego, Buff le indicó al director las tomas que faltaban: primeros planos necesarios, tomas desde el punto de vista , tomas de reacción y más. Afortunadamente, la unidad principal pudo programar tiempo para filmar los primeros planos y las tomas de reacción contra una pantalla verde . La segunda unidad filmó tomas medias en un estudio de sonido con un tanque de agua, utilizando extras y especialistas para capturar la escena de batalla y los elementos de la ruptura del hielo. Luego, el equipo de efectos visuales gastó tiempo y dinero adicionales para transformar estas tomas en una cobertura aceptable. [20]