Canti es una colección de poemas de Giacomo Leopardi escrita en 1835. El Canti se considera generalmente una de las obras más importantes de la poesía italiana.
All'Italia y Sopra il monumento di Dante marcaron el comienzo de la serie de obras importantes. En los dos canti , aparece por primera vez el concepto de "exceso" o "sobrecivilización", perjudicial para la vida y la belleza. En el poema Toda Italia , Leopardi lamenta los caídos en la batalla de las Termópilas (480 a. C., librada entre los griegos bajo Leónidas y los persas bajo Jerjes ), y evoca la grandeza del pasado. En el segundo canto , pide compasión a Dante por el patético estado de su patria. En los grandes canti que siguen (cuarenta y uno, incluidos fragmentos), hay un abandono paulatino de las reminiscencias, de las alusiones literarias y de los convencionalismos.
En 1819, el poeta intentó escapar de su opresiva situación doméstica, viajando a Roma. Pero fue atrapado por su padre. En este período, su pesimismo personal evoluciona hacia el peculiar pesimismo filosófico intelectual de Leopardi.
Le Rimembranze y L'appressamento della morte también pertenecen a este período temprano del arte de Leopardi.
La máxima expresión de la poesía se alcanza en Leopardi en L'Infinito , que es a la vez filosofía y arte, ya que en la breve armonía de los versos se concentran las conclusiones de largas meditaciones filosóficas. El tema es un concepto que la mente sólo puede concebir con extrema dificultad. El poeta narra una experiencia que suele tener cuando se sienta en un lugar apartado sobre una colina. Sus ojos no pueden alcanzar el horizonte debido a un seto que rodea el lugar; su pensamiento, en cambio, es capaz de imaginar espacios sin límites. El silencio es profundo; cuando llega un soplo de viento, esta voz suena como la voz del tiempo presente y, por el contrario, evoca todos los tiempos pasados y la eternidad. Así, el pensamiento del poeta se ve abrumado por sugerencias nuevas y desconocidas, pero "il naufragar m'è dolce in questo mare" ("naufragio / me parece dulce en este mar". Traducción al inglés de AS Kline).
Leopardi vuelve a la evocación de épocas antiguas y exhorta a sus contemporáneos a buscar en los escritos de los clásicos las nobles virtudes antiguas.
Con motivo del descubrimiento del De Republica de Cicerón por parte de Mai , Leopardi escribió el poema Ad Angelo Mai ("A Angelo Mai") en el que invoca la figura de Tasso a la que se sentía tan apegado.
En las líricas Nelle nozze ("Sobre el matrimonio de mi hermana Paolina"), que nunca fueron celebradas, mientras desea la felicidad a su hermana, el poeta aprovecha la oportunidad para exaltar la fuerza y la virtud de las mujeres de la antigüedad y denigrar su propia época porque no permitía ser virtuoso y feliz, ya que sólo después de la muerte se alaba a quien ha vivido una vida moralmente buena.
El canto Ad un vincitor di pallone ("Al ganador de un partido de fútbol") expresa desdén por el tedio de una vida que no es más que una repetición monótona de los asuntos humanos y a la que sólo el peligro puede devolverle valor: sólo quien tiene estado cerca de las puertas de la muerte es capaz de encontrar dulzura en la vida.
En Bruto minore ("Brutus el Joven"), Bruto, el asesino de César, es representado como un hombre que siempre ha creído en el honor, la virtud y la libertad y que, en última instancia, lo ha sacrificado todo por estos ideales. Ha llegado a la conclusión, demasiado tarde para cambiar las cosas, de que todo fue hecho en vano, que todo ha sido inútil, que incluso morirá deshonrado y deshonrado por sus acciones bien intencionadas.
Sus meditaciones le llevan a la conclusión de que la moralidad no tiene sentido; Júpiter premia sólo a los egoístas y juega juegos arbitrarios con la humanidad desventurada. El hombre es más infeliz que el resto del reino animal porque estos últimos no saben que son infelices y por tanto no meditan sobre la cuestión del suicidio y, aunque pudieran, nada les impediría llevar a cabo el acto sin dudarlo.
Saffo ( Safo ) es también una figura trágica. En realidad, es un espíritu grande y generoso, una mente excepcional y un carácter sublime atrapado en un cuerpo miserable. Saffo amaba la luz (Faone) pero su vida estaba hecha de sombras; amaba la naturaleza y la belleza, pero la naturaleza ha sido para ella como una malvada madrastra y ella, que es sensible, culta y refinada, está encerrada en la prisión de un cuerpo deforme. La grandeza de su genio tampoco puede ayudarla a liberarla de este horror.
En Saffo, Leopardi se ve reflejado, pero en realidad la poetisa de Lesbos no era ni deforme ni infeliz como la describe Leopardi, quien basó su descripción en una falsa creencia tradicional de la época. Saffo conoció, saboreó y cantó sobre la belleza y el amor más de lo que le era posible a Leopardi. Pero la resignación a la infelicidad, al dolor y a la soledad, y la renuncia a las alegrías de la vida, suena en los versos de Leopardi como el suspiro sincero de un alma femenina.
El canto es un dulce apóstrofe de las plácidas noches, alguna vez queridas por la serena poetisa, pero las palabras se convierten rápidamente en una violenta evocación de la naturaleza en tempestad que hace eco de su agitación interior. Las preguntas angustiosas y acusatorias que Leopardi plantea a un destino que ha negado la belleza al miserable Saffo se ven truncadas por el pensamiento de la muerte. Después de haber deseado en vano al hombre que ha amado ese poquito de felicidad que es posible alcanzar en esta tierra, Saffo concluye afirmando que de todas las esperanzas de alegría, de todas las ilusiones, a ella sólo le espera el Tártaro .
Los canti Alla primavera ("A la primavera") y Al conte Carlo Pepoli ("Al conde Carlo Pepoli") surgen de la misma situación espiritual. El primero lamenta la caída de las grandes ilusiones ("gli ameni inganni") y de los mundos mitológicos imaginarios del pasado, que embellecieron y enriquecieron la fantasía del hombre. El segundo denuncia la pérdida de felicidad que ha resultado.
En Alla primavera , Leopardi elogia los tiempos antiguos en los que las ninfas poblaban los campos, los bosques, las fuentes, las flores y los árboles. Aunque el estilo lírico es aparentemente clásico, también está impregnado del característico descontento con el presente de los románticos. Leopardi, aquí, romantiza las intenciones puras de los griegos, ya que en realidad era romántico en sus sentimientos y clásico en su imaginación e intelecto.
En el Epistolario a Carlo Pepoli , Leopardi intenta demostrar a su amigo la tesis (que recuerda al budismo) según la cual, dado que la vida no tiene otro objetivo que la felicidad y que la felicidad es inalcanzable, toda la vida no es más que una lucha interminable. Pero quien se niega a trabajar está oprimido por el tedio de la vida y debe buscar distracción en pasatiempos inútiles. Además, quienes se dedican a la poesía, si no tienen patria, se ven más atormentados que quienes la hacen por la falta de libertad porque aprecian plenamente el valor de la idea de nación.
En este punto, un Leopardi desilusionado se plantea abandonar la poesía por la filosofía, pero sin ninguna esperanza de gloria. Se ha resignado a la certeza del dolor y del aburrimiento a que está condenada la humanidad y por ello cree necesario abandonar las ilusiones y la poesía para especular sobre las leyes y el destino del universo.
Después de 1823, Leopardi abandonó los mitos y las figuras ilustres del pasado, que ahora consideraba transformados en símbolos sin sentido, y se dedicó a escribir sobre el sufrimiento en un sentido más "cósmico".
En 1823 escribió el canto Alla sua donna ("A su mujer"), en el que expresa su ardiente aspiración a un ideal femenino que, con amor, pudiera hacer la vida bella y deseable. Durante su juventud había soñado en vano con encontrar una mujer que encarnara tal ideal femenino: una idea platónica, perfecta, intocable, pura, incorpórea, evanescente e ilusoria.
Es un himno no a uno de los muchos "amores" de Leopardi, sino al descubrimiento que inesperadamente había hecho -en esa cima de su vida de la que más tarde declinaría- que lo que había estado buscando en la dama que amaba era " algo" más allá de ella, que se hacía visible en ella, que se comunicaba a través de ella, pero que estaba más allá de ella.
En 1828, Leopardi volvió a la poesía lírica con Risorgimento ("Resurgimiento"). El poema es esencialmente una historia del desarrollo espiritual del poeta desde el día en que llegó a creer que todo pulso de vida se había extinguido en su alma hasta el momento en que lo lírico y lo sentimental volvieron a despertar en él. Un extraño letargo lo había vuelto apático, indiferente al sufrimiento, al amor, al deseo y a la esperanza. La vida le había parecido desolada hasta que el hielo empezó a derretirse y el alma, al despertar, sintió finalmente la revivificación de las antiguas ilusiones. Habiendo reconquistado el don del sentimiento, el poeta acepta la vida tal como es porque la revive el sentimiento de sufrimiento que atormenta su corazón y, mientras viva, no se rebelará contra quienes lo condenan a vivir. Esta serenidad recuperada consiste en la contemplación de la propia conciencia de los propios sentimientos, incluso cuando la desolación y la desesperación envuelven el alma.
Leopardi se alegra de haber redescubierto en sí mismo la capacidad de conmoverse y de experimentar dolor, después de un largo período de impasibilidad y aburrimiento. Con Risorgimento , el lirismo se despierta en el poeta, que compone canti, generalmente breves, en los que una pequeña chispa o una escena se expande extendiéndose en una visión eterna de la existencia. Revoca imágenes, recuerdos y momentos de felicidad pasada.
En 1828, Leopardi compuso quizás su poema más famoso, A Silvia ("A Silvia"). La joven del título, posiblemente hija de un sirviente de la casa Leopardi, es la imagen de las esperanzas e ilusiones del joven poeta, destinado a sucumbir demasiado pronto en la lucha contra la realidad, del mismo modo que lo hace la juventud de Silvia. destruido por la tuberculosis, el "chiuso morbo". [1] A menudo se pregunta si Leopardi estaba realmente enamorado de esta joven, pero buscar la confirmación en evidencia biográfica es perder el sentido del poema. Una Silvia es la expresión de un amor profundo y trágico por la vida misma, que Leopardi, a pesar de todos los sufrimientos, los tormentos psicológicos y el filosofar negativo, no pudo reprimir en su espíritu. Este poema demuestra por qué el llamado "nihilismo" de Leopardi no es lo suficientemente profundo como para tocar la fuente de su poesía: su amor por el hombre, la naturaleza y la belleza. Sin embargo, es muy fuerte la acusación que Leopardi hace contra la Naturaleza, como responsable de los dulces sueños de la juventud y del sufrimiento posterior, después de que "la aparición de la verdad" ( l'apparir del vero , v.60) los ha hecho añicos.
El canto Il passero solitario ("El gorrión solitario") es de una perfección clásica por la estructura de los versos y por la nitidez de las imágenes. Leopardi contempla la generosidad de la naturaleza y el mundo que le sonríe tentadoramente, pero el poeta se ha vuelto misantrópico y desconsolado por el deterioro de su salud y su juventud y la privación de toda alegría. Siente el festín que la naturaleza le ofrece, pero no puede participar en él y prevé el remordimiento que lo asaltará en los años venideros, cuando lamentará la vida juvenil que nunca vivió. En este sentido, él solo es igual o peor que el gorrión, ya que éste vive solo por instinto, mientras que el poeta está dotado de razón y libre albedrío.
En 1829, en Recanati, a donde se vio obligado a regresar, en contra de sus deseos, debido a sus crecientes enfermedades y dificultades financieras, el poeta escribió Le Ricordanze ("Memorias"), quizás el poema donde los elementos autobiográficos son más evidentes. Narra la historia de la alegría dolorosa del hombre que siente conmover sus sentimientos al volver a ver lugares llenos de recuerdos de infancia y adolescencia. Estos sentimientos ahora enfrentan una realidad horrible y despiadada y un profundo pesar por la juventud perdida. La felicidad efímera está encarnada en Nerina (personaje quizás basado en la misma inspiración que Silvia, Teresa Fattorini).
Nerina y Silvia son ambas sueños, fantasmas evanescentes; La vida para Leopardi es una ilusión, la única realidad es la muerte. La mujer, Silvia, Nerina o "la sua donna" son siempre sólo el reflejo del propio poeta, ya que la vida misma es, para él, un fantasma esquivo y engañoso.
En 1829, Leopardi escribió La quiete dopo la tempesta ("La calma después de la tormenta"), en la que los versos ligeros y tranquilizadores del principio evolucionan hacia la oscura desesperación de la estrofa final, donde el placer y la alegría se conciben como sólo momentáneos. El cese del sufrimiento y el placer más elevado lo proporciona sólo la muerte.
Il sabato del villaggio del mismo año ("Sábado en el pueblo"), como La quiete dopo la tempesta , comienza con la descripción de la escena tranquila y tranquilizadora de la gente del pueblo (Recanati) preparándose para el descanso y la fiesta del domingo. Posteriormente, al igual que en el otro poema, se expande hacia consideraciones poético-filosóficas profundas, aunque breves y contenidas, sobre el vacío de la vida: la alegría y la ilusión de la expectativa deben llegar a un final insatisfactorio en la fiesta dominical; Asimismo, todos los dulces sueños y expectativas de la juventud se convertirán en amarga desilusión.
Hacia finales de 1829 o primeros meses de 1830, Leopardi compuso el Canto notturno di un pastore errante dell'Asia ("Canto nocturno de un pastor asiático errante"). Para escribir este artículo, Leopardi se inspiró en la lectura del Voyage d'Orenbourg à Boukhara fait en 1820 del barón ruso Meyendorff , en la que el barón cuenta cómo ciertos pastores de ovejas de Asia central pertenecientes a la población kirguís practicaban una especie de Canto ritual formado por largas y dulces estrofas dirigidas a la luna llena. El canto, que se divide en cinco estrofas de igual duración, toma la forma de un diálogo entre un pastor de ovejas y la luna. Sin embargo, el canto comienza con las palabras " Che fai tu Luna in ciel? Dimmi, che fai, / silenziosa Luna? " ("¿Qué haces Luna en el cielo? Dime, ¿qué haces, / Luna silenciosa?" ). De hecho, a lo largo de todo el poema, la luna permanece en silencio, y el diálogo se transforma, por tanto, en un largo y urgente monólogo existencial del pastor de ovejas, en una búsqueda desesperada de explicaciones para dar sentido a la inutilidad de la existencia. Los dos personajes están inmersos en un espacio y un tiempo indeterminados, acentuando el carácter universal y simbólico de su encuentro: el pastor representa a la especie humana en su conjunto y sus dudas no son contingentes —es decir, ancladas a un aquí y ahora— sino que son más bien características del hombre en todos los tiempos; la luna, en cambio, representa la Naturaleza, la fuerza "bella y terrible" [2] que fascina y, al mismo tiempo, aterroriza al poeta.
El pastor de ovejas, hombre de condición humilde, dirige sus palabras a la luna en un tono cortés pero insistente, hirviendo de melancolía. Es precisamente la ausencia de respuesta por parte de la esfera celeste lo que le lleva a seguir investigando, cada vez más profundamente, el papel de la Luna, y por tanto de la humanidad, respecto de la vida y del mundo, definiendo cada vez más más agudamente la "verdad árida" tan querida por la poesía de Leopardi. En efecto, en la primera estrofa, el pastor de ovejas, aun cuando define la luna como silenciosa, espera de ella una respuesta y descubre muchas analogías entre su propia condición y la de la luna: ambas se levantan por la mañana, siguen sus caminos siempre idénticos y finalmente se detienen a descansar. La vida de la luna, tanto como la del pastor de ovejas, parece completamente absurda. Aparece, sin embargo, en medio de esta estrofa, una distinción muy importante: el curso de la vida humana es finito y su paso, similar al de un "vecchierel bianco" (Petrarca, Canzoniere , XVI), termina trágicamente en el " abismo horrible" de la muerte. Tal condición, que se define en la segunda estrofa como una condición de profundo sufrimiento ("se la vita è sventura, perché da noi si dura?") es extremadamente diferente de la de la Luna, que en cambio parece eterna ". virgen" e "intacta".
En la tercera estrofa, el pastor de ovejas vuelve a mirar a la Luna con renovado vigor y esperanza, creyendo que la órbita, precisamente por esta privilegiada condición extramundana, puede proporcionarle las respuestas a sus preguntas más urgentes: ¿qué es la vida? ¿Cuál podría ser su propósito ya que es necesariamente finito? ¿Cuál es la causa primera de todo ser? Pero la luna, como aprende rápidamente el pastor de ovejas, no puede dar respuestas a estas preguntas aunque las conociera, ya que así es la naturaleza: distante, incomprensible, muda, si no indiferente, ante las preocupaciones del hombre. La búsqueda de sentido y felicidad del pastor de ovejas continúa hasta las dos estrofas finales. En el cuarto, el pastor se dirige a su rebaño y observa cómo la falta de conciencia de sí misma que tiene cada oveja le permite vivir, en aparente tranquilidad, su breve existencia, sin sufrimiento ni aburrimiento. Pero esta idea es finalmente rechazada por el propio pastor de ovejas en la estrofa final, en la que admite que, probablemente, en cualquier forma que nazca y se manifieste la vida, ya sea la luna, la oveja o el hombre, sea lo que sea que sea capaz de hacer, la vida es igualmente sombrío y trágico.
Durante este período, las relaciones de Leopardi con su familia se reducen al mínimo y se ve obligado a mantenerse económicamente solo. En 1830, después de dieciséis meses de "notte orribile" (noche terrible), aceptó una generosa oferta de sus amigos toscanos que le permitió abandonar Recanati.
En los últimos canti predomina la investigación filosófica, a excepción de Tramonto della Luna ("La decadencia de la luna") que supone un retorno decisivo al lirismo idílico.
En 1831, Leopardi escribió Il pensiero dominante ("El pensamiento dominante"), que exalta el amor como fuerza viva o vitalizadora en sí mismo, incluso cuando no es correspondido. El poema, sin embargo, presenta sólo el deseo de amor sin la alegría y el espíritu vitalizador y, por tanto, quedando pensamiento, ilusión. Leopardi lo destruye todo, lo condena todo, pero desea salvar el amor del miasma universal y protegerlo al menos en la profundidad de su propia alma. Cuanto más desolada es la soledad que lo rodea, más se aferra al amor como fe en su mujer idealizada, ilusoria y eterna ("sua donna"), que aplaca el sufrimiento, la desilusión y la amargura. El poeta del sufrimiento universal canta a un bien que supera los males de la vida y, por un instante, parece convertirse en cantante de una felicidad posible. Pero regresa la idea de la muerte como única esperanza para el hombre, ya que el mundo sólo ofrece dos cosas hermosas: el amor y la muerte.
Il pensiero dominante representa el primer momento de éxtasis del amor, que casi anula la conciencia de la infelicidad humana. Vale la pena el precio de tolerar el sufrimiento de una larga vida para poder experimentar la alegría de tanta belleza. Il pensiero dominante e Il risorgimento son los únicos poemas de alegría escritos por Leopardi, aunque incluso en esos dos poemas reaparece siempre, inextinguible, el pesimismo que ve en el objeto de la alegría una imagen vana creada por la imaginación.
El concepto de la dualidad amor-muerte se retoma en el canto Amore e Morte de 1832 ("Amor y muerte"). Es una meditación sobre el tormento y la aniquilación que acompaña al amor. El amor y la muerte, de hecho, son gemelos: el uno es el generador de todas las cosas bellas y el otro pone fin a todos los males. El amor fortalece y anula el miedo a la muerte y cuando domina el alma, la hace desear la muerte. Algunos, conquistados por la pasión, morirán felices por ella. Otros se suicidan por las heridas del amor. Pero la felicidad consiste en morir en la ebriedad de la pasión. De los dos gemelos, Leopardi se atreve a invocar sólo la muerte, que ya no está simbolizada por la horrible Ade de Saffo, sino por una joven virgen que concede la paz para la eternidad. La muerte es hermana del amor y es la gran consoladora que, junto con su hermano, es lo mejor que el mundo puede ofrecer.
También en 1832, inspirado en un poema del siglo XVII de Girolamo Graziani titulado La conquista di Granada ("La captura de Granada "), Leopardi escribió Consalvo . Consalvo obtiene un beso de la mujer a la que ha amado durante mucho tiempo sin ser correspondido sólo cuando, gravemente herido, está al borde de la muerte. El consalvo se diferencia de los demás canti en que tiene la forma de una novela corta en verso o de una escena dramática. Es fruto de la literatura sentimental y lánguida que caracterizó gran parte del romanticismo fuera de Italia.
Escrita en 1834, Aspasia surge, al igual que Consalvo , de la dolorosa experiencia de un amor desesperado y no correspondido por Fanny Targioni Tozzetti. Aspasia-Fanny es la única mujer real representada en la poesía de Leopardi. Aspasia es la hábil manipuladora cuyo cuerpo perfecto esconde un alma corrupta y prosaica. Ella es la demostración de que la belleza es deshonesta.
El poeta, buscando en vano el amor, se venga del destino y de las mujeres que lo han rechazado, sobre todo de Targioni, cuyo recuerdo sigue inquietando al poeta después de más de un año alejado de ella. El recuerdo de la mujer amada en vano regresa constantemente, pero el canto, inspirado en el desprecio por el comportamiento provocador y, al mismo tiempo, distanciador de la mujer, expresa también la resignación ante el propio destino y el orgullo de haber podido recuperar la propia independencia. Aspasia, en su limitación de mujer, no puede captar la profundidad del pensamiento masculino.
En el canto Sopra un bassorilievo antico sepolcrale ("Sobre el bajorrelieve de un antiguo sepulcro"), una joven ha muerto y está representada en el acto de despedirse de sus seres queridos. El poeta sopesa los pros y los contras de la muerte, sin dejar de dudar sobre si el destino de la joven es bueno o malo.
Leopardi, aun siendo muy consciente de la indiferencia de la naturaleza, nunca dejó del todo de amarla. En estos versos, el poeta plantea preguntas desafiantes y punzantes a la naturaleza, enumerando los males y sufrimientos que, a causa de la muerte, se infligen a la humanidad. Bajo la influencia del amor, el poeta aparentemente había encontrado la felicidad al menos en la muerte ( Il pensiero dominante , Amore e morte ). Ahora, en cambio, incluso esta última ilusión ha caído y no ve más que infelicidad por todas partes.
Sopra il ritratto di una bella donna scolpito nel monumento sepolcrale della medesima ("Sobre el retrato de una bella mujer esculpida en su monumento sepulcral") es básicamente una extensión de lo anterior.
El poeta, inspirándose en una escultura funeraria, evoca la imagen de una bella mujer y compara su impresionante belleza con la imagen desgarradoramente triste en la que se ha convertido; uno que no es más que barro, polvo y esqueleto. Además de centrarse en la fugacidad de la belleza y de las cosas humanas, el poema señala la antinomia especular entre los ideales humanos y la verdad natural. Leopardi no niega (en todo caso, enfatiza) la belleza de la especie humana en general, y hacia el final del poema extiende su punto a todas las formas posibles de belleza, tanto intelectual como estética. Sin embargo, esta belleza universal sigue siendo inalcanzable para una naturaleza humana que no es más que "polvere e ombra" ("polvo y sombra"), y que puede tocar -pero nunca poseer- los ideales que percibe, permaneciendo arraigada al mundo natural en que nació, así como a sus exigencias.
En 1836, mientras se alojaba cerca de Torre del Greco, en una villa en la ladera del Vesubio , Leopardi escribió su testamento moral como poeta, La Ginestra ("La escoba "), también conocida como Il Fiore del Deserto ("La flor del desierto"). "). El poema consta de 317 versos y utiliza como métrica estrofas libres de endecasílabos y septillizos . Es el más largo de todos los Canti y tiene un comienzo inusual. De hecho, entre todos los canti leopardoianos, sólo éste comienza con una escena de desolación, seguida de una alternancia entre el encanto del panorama y el cielo nocturno estrellado. En el plano literario, es la máxima realización de esa " nueva poética " antiidílica con la que Leopardi ya había experimentado desde los años 1830.
Leopardi, después de haber descrito la nada del mundo y del hombre respecto del universo; después de haber lamentado la precariedad de la condición humana amenazada por los caprichos de la naturaleza, no como males excepcionales sino como males continuos y constantes; y después de haber satirizado la arrogancia y la credulidad del hombre, que propone ideas de progreso y espera, aun sabiendo que es mortal, hacerse eterno, concluyó con la observación de que la solidaridad recíproca es la única defensa contra el enemigo común que es la naturaleza. (ver Operette morali , "Dialogo di Plotino e Porfirio").
En este canto, en el que Leopardi expresa su vasto pensamiento sobre el hombre, la historia y la naturaleza, se pueden encontrar elementos autobiográficos: tanto directos (los lugares descritos son los que rodean al poeta en sus últimos años) como indirectos, a imagen de un hombre pobre, débil, pero lo suficientemente valiente como para ser consciente de su verdadera condición. La humilde planta de ginestra , que vive en lugares desolados sin rendirse a la fuerza de la Naturaleza, se asemeja a este hombre ideal, que rechaza cualquier ilusión sobre sí mismo y no invoca del Cielo (o de la Naturaleza) una ayuda imposible.
El Vesubio, la gran montaña que trae la destrucción, domina todo el poema. La única verdad alcanzable es la muerte, hacia la cual el hombre debe avanzar inexorablemente, abandonando toda ilusión y tomando conciencia de su propia condición miserable. Esta conciencia aplacará los odios mutuos.
Es un poema vasto, construido sinfónicamente con brillantes alternancias de tono, desde la pintura grandiosa y trágica del volcán amenazando destrucción y de extensiones de lava infértil, hasta la aguda argumentación ideológica, pasando por las chispas cósmicas que proyectan la nada de la tierra y del hombre en la inmensidad del universo, a la visión del paso infinito de los siglos de la historia humana sobre los que siempre ha pesado la amenaza inmutable de la naturaleza, a las suaves notas dedicadas a la "flor en el desierto", en las que se comprimen significados simbólicos complejos: la compasión hacia los sufrimientos del hombre y la dignidad que debe caracterizar al hombre frente a la fuerza invencible de una naturaleza que lo aplasta.
Un cambio esencial se produce con la Ginestra , que cierra la carrera poética de Leopardi junto con Il tramonto della Luna , que retoma los viejos temas de la caída de las ilusiones juveniles. El poema reitera y reafirma la aguda polémica antioptimista y antirreligiosa, pero en un registro nuevo y democrático. Aquí Leopardi ya no niega la posibilidad del progreso cívico : busca construir una idea de progreso basada precisamente en su pesimismo.
Il tramonto della Luna ("La luna menguante"), el último canto, fue compuesto por Leopardi en Nápoles poco antes de su muerte. La luna mengua, dejando la naturaleza en total oscuridad, del mismo modo que la juventud pasa dejando la vida oscura y abandonada. El poeta parece presagiar la inminencia de su propia muerte.
En 1845, Ranieri publicó la edición definitiva de los Canti según la voluntad del autor.
Wilhelm Killmayer puso música a tres de los Canti para barítono y orquesta en Tre Canti di Leopardi en 1965.
