El arte popular de los Apalaches es una forma regional de arte popular con sede en la región de los Apalaches en los Estados Unidos. En un artículo sobre la forma contemporánea de este arte, Chuck Rosenak afirmó que "la definición de arte popular es oscura". [1] El arte popular es una forma de transmitir los sentimientos y gestos de las culturas a través del arte visual hecho a mano y comunica un mensaje al observador. Aunque el arte popular en sí fue traído a América por los europeos, se ha adaptado a cada región y ha cultivado tradiciones en cada región. [2]
La región de los Apalaches, ubicada en la región noreste de los Estados Unidos, incluye partes de los siguientes 13 estados: Alabama, Georgia, Kentucky, Maryland, Mississippi, Nueva York, Carolina del Norte, Ohio, Pensilvania, Carolina del Sur, Tennessee, Virginia y Oeste. Virginia. [3] La región incluye cadenas montañosas, mesetas y llanuras, así como comunidades tribales de indios americanos [4] que han inspirado el arte popular de los Apalaches y fundado las numerosas técnicas para crear dicho arte. Hay una variedad de métodos para expresar el arte popular de los Apalaches que se pueden ver en los diferentes textiles y formas de arte como la cestería , la cerámica y el tallado en madera .
El arte popular de los Apalaches incluye la influencia de los nativos americanos que llegaron a la región de los Apalaches hace unos 16.000 años. [5] La colonización de los Estados Unidos trajo europeos a la región en el siglo XVII. [ cita necesaria ] Muchas tribus indias fueron expulsadas de la tierra, pero algunas continuaron residiendo en la región de los Apalaches, fomentando su efecto en la cultura y el arte a través de su afición por la vida silvestre. La influencia europea complementa la estética natural de los nativos americanos a través de las tradiciones folclóricas que trajeron de su tierra natal. [5]
Al llegar a una tierra habitada por tribus nativas americanas, los primeros europeos comenzaron a utilizar el medio ambiente para ayudarlos a asimilarse al área. Los nativos americanos y los europeos introdujeron el arte popular de los Apalaches a través de actividades y artículos diarios como el tejido para hacer ropa y edredones o la cerámica para construir cuencos y otros artículos cotidianos. [6] Las costumbres continuaron a medida que pasaron las generaciones pero las prácticas utilizadas para la herrería , el tejido y el tallado en madera ya no eran necesidades sino que se convirtieron en arte y comenzaron a conservarse. [7]
Grupos como los " hillbillies ", que eran inmigrantes de Escocia, Irlanda y Alemania, crearon un estereotipo para la sociedad de los Apalaches en el sentido de que se pensaba que estaban formados por personas blancas independientes pero egoístas e intensas. La influencia de los paletos y campesinos sureños afectó al arte debido al prejuicio del estereotipo y el arte encontró un propósito en defender la cultura de los Apalaches de la categorización. [5]
Los problemas modernos en la economía comenzaron a afectar el arte creado en la región cuando los artistas participaron en movimientos y crearon arte como una forma de expresar sus creencias en los debates sociales y políticos. La región estaba empobrecida y aislada del país, lo que también contribuyó a la necesidad de comprender la naturaleza por razones de supervivencia. [8] El conocimiento de las plantas y los animales también se atribuye al enfoque de la naturaleza en el arte popular de los Apalaches. El movimiento moderno de preservación del arte ha llevado a la creación de museos, como el Museo de los Apalaches, [9] que ha llevado a una mayor comprensión y apreciación del arte popular de los Apalaches.
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Las mujeres de los Apalaches tienen un legado de creación de arte a través del tejido de colchas de montaña, que han ganado reconocimiento como una importante forma de arte estadounidense. Los tejedores manuales de los Apalaches también crearon telas utilizadas para fabricar diversos artículos para el hogar en telares familiares. El tejido de colchas era un trabajo de valor estético que requería considerable talento y energía para lograrlo y expresaba más claramente la creatividad y la personalidad del tejedor. [10]
Las mujeres de los Apalaches utilizaban materias primas asequibles y fácilmente asequibles, como lana y lino o algodón de cosecha propia, comprados por fardos, para crear su arte. Colorearon sus fibras hiladas a mano con materia vegetal natural o compraron tintes empaquetados y también usaron trozos de tela tejida en casa para armar edredones. A pesar de la disponibilidad de ropa de cama más barata y sencilla, los tejedores artísticos del sur de los Apalaches optaron por seguir las tradiciones artesanales de sus antepasados. [10]
Las primeras artes decorativas de los Apalaches fueron el resultado de la autosuficiencia y de arreglárselas con los materiales disponibles. La preservación y comercialización de la artesanía tradicional comenzó a principios del siglo XX, cuando las escuelas de los asentamientos y los trabajadores misioneros veían la artesanía como un medio para generar ingresos en efectivo. [11]
El aislamiento de la región de los Apalaches proporcionó un entorno para el desarrollo de prácticas culturales distintivas, una de las cuales es su propia forma de acolchado. Este tipo de acolchado es una fusión de varias tradiciones populares de las culturas escocesa, irlandesa y alemana, con influencias locales de las comunidades nativas americanas, amish y cuáqueras. [12]
La cestería de Tennessee es un arte antiguo que fue inventado por personas de todas partes del mundo. Los nativos americanos de Tennessee utilizaban cestas hechas de caña de río y roble blanco disponibles localmente para una variedad de necesidades, como transportar agua, cocinar, tamizar harina de maíz y tejer calzado y sombreros. A medida que los exploradores blancos se trasladaron a la zona, descubrieron que los nativos americanos sustituyeban por cestas muchos artículos que los europeos fabricaban de metal o madera. Las tribus Cherokee , Choctaw , Creek y Chickasaw utilizaban tintes vegetales elaborados a partir de raíces, cortezas, hojas, cáscaras, flores, frutos, tallos, semillas o la planta completa para colorear sus cestas. Los colonos blancos de las montañas del este de Tennessee trajeron técnicas y tradiciones de cestería aprendidas en Inglaterra, Escocia e Irlanda, y las adaptaron a materiales locales de Tennessee como roble, nogal americano, abedul, agujas de pino, sauce, hojas de maíz y caña de río. [13]
Muchos tejedores de cestas aprendieron el oficio observando a sus madres y recolectando materiales. Hicieron uso de patrones y diseños que eran una continuación del legado cultural. Las cestas suelen tener forma ovalada o de jarrón, a veces con tapas o asas. Los etnógrafos identificaron y nombraron casi dos docenas de patrones de cestas tejidas tradicionalmente por la Banda Oriental de Cherokee, muchas de las cuales están teñidas con plantas para crear un contraste de color. La cestería juega un papel importante en la economía Cherokee, pero el aumento del turismo y el desarrollo de la tierra han hecho que sea más difícil encontrar materiales para hacer cestería en la naturaleza. [14]
Las cestas de listones y acanaladas fueron los dos tipos más destacados utilizados por los primeros colonos de Tennessee. Las cestas de listones se hacían con tiras de roble blanco, mientras que las cestas con nervaduras se construían con nervaduras, aros y hendiduras. La tradicional canasta para huevos, o canasta para mollejas, fue la forma prominente producida por la técnica de la canasta acanalada. Las cestas de algodón y de trabajo del oeste de Tennessee tenían forma de cesto, con dos asas y hendiduras toscas hechas de nogal americano, fresno y abedul. Las cestas de tabaco eran formas parecidas a bandejas de listones planos que se utilizaban para transportar el tabaco cortado desde el campo hasta el granero de curado y luego al mercado. [13]
Aunque los clavos se incorporaron durante la Revolución Industrial del siglo XIX, la cestería de Tennessee se ha mantenido prácticamente sin cambios hasta el siglo XX. Hoy en día, se pueden encontrar cestas de todas las formas y materiales en una variedad de ferias de artesanía y tiendas minoristas de artesanía en todo Tennessee, y las técnicas para la fabricación de cestas siguen siendo prácticamente las mismas que las del pasado. [13]
La Nación Catawba tiene la tradición de fabricación de cerámica más larga de América del Norte e influyó en la fabricación de cerámica Cherokee. Las mujeres eran tradicionalmente las alfareras en las culturas Catawba y Cherokee. La cerámica Cherokee se elaboraba mediante un método de construcción con bobinas, se le imprimían diseños utilizando paletas de madera tallada y se pulía con piedras. Es necesaria una correcta preparación, construcción y pulido de la arcilla para que la cerámica no se agriete ni quede rugosa. La cerámica Cherokee no está vidriada, se cuece en fosas con maderas nativas y se impermeabiliza con mazorcas de maíz y salvado. [15]
El tallado en madera en los Apalaches es a la vez una habilidad práctica y una forma de arte. La madera era el material principal utilizado para fabricar herramientas, utensilios y juguetes en granjas autosuficientes. Los talladores comenzaron a embellecer sus creaciones con adornos y a venderlas como arte popular. Figuras humanas, temas religiosos y animales son temas comunes para los talladores de los Apalaches. Las serpientes, los caballos y los perros de caza son especialmente populares. El tallado en madera se puede realizar con fines prácticos o simplemente por placer. [dieciséis]
La pintura de los Apalaches se refiere a una amplia gama de estilos de pintura decorativa que se originaron en la región de los Apalaches de los Estados Unidos. Estos estilos abarcan técnicas, motivos y materiales extraídos de una variedad de influencias culturales, incluidas las tradiciones nativas americanas, afroamericanas y europeas. Desde finales del siglo XVIII hasta la era del New Deal , tanto artistas itinerantes como locales emplearon técnicas comunes y económicas de veteado y veteado para imitar maderas y mármoles raros y costosos, así como paisajes pintados y otros motivos como puntos focales en interiores públicos y privados. . Las pinturas decorativas han sobrevivido en muchos ejemplos históricos en todo el estado de Tennessee y en otras áreas de los Apalaches. La belleza natural, la vida rural y el patrimonio cultural de la región también han inspirado pinturas murales creadas a través de los programas artísticos del New Deal del presidente Franklin D. Roosevelt de las décadas de 1930 y 1940, cuyo objetivo era apoyar las artes visuales y proporcionar empleo a los artistas durante la Gran Guerra Patria. Depresión. [17]
Clay Burnette es un artista célebre que crea cestas enrolladas utilizando agujas de pino locales. Su trabajo se ha exhibido en más de 250 eventos, ganó múltiples premios y ha aparecido en diversas exposiciones y publicaciones. Sus cestas están impregnadas de una mezcla conservante y firmadas con sus iniciales. [18]
Nellie Mae Rowe fue una artista autodidacta negra nacida en Georgia en 1900. A pesar de una vida marcada por la segregación y la opresión, Rowe creó una obra de arte alegre y colorida que transformó su hogar y su jardín en un reino que llamó su "Casa de juegos". Ella representó a amigos, vecinos y a ella misma en su obra de arte, transmitiendo la belleza negra y la alegría de espíritu libre en una sociedad que rara vez presentaba a mujeres negras en las obras de arte. Su arte fue para ella una forma de transmitir gratitud y recuperar una infancia perdida por el trabajo y la pobreza, y creó un mundo que encarnaba la riqueza de la vida. [19]
Bill Traylor nació como esclavo en Alabama en 1853 y permaneció en la plantación después de la Guerra Civil como trabajador. Se mudó a Montgomery en 1910 y comenzó a dibujar y pintar en 1939, creando escenas que representaban la cultura y la historia afroamericana. Su arte fue salvado por un grupo de artistas blancos en Montgomery y obtuvo un amplio reconocimiento en la década de 1980. Traylor murió en la pobreza en 1949 y fue enterrado en una tumba anónima. Hoy en día, es celebrado como un artista autodidacta cuyo trabajo captura la complejidad de la vida afroamericana en el sur de Jim Crow. [20]
Mose Ernest Tolliver fue un célebre artista popular de Alabama, conocido por sus pinturas vibrantes y coloridas de frutas, verduras, animales y personas. Realizó trabajos ocasionales para mantener a su numerosa familia antes de dedicarse al arte después de una lesión relacionada con el trabajo. Su estilo autodidacta y el uso de pintura casera sobre cartón, madera, metal y muebles lo ubicaron en el género del Arte Outsider. Su trabajo apareció en galerías de todo el país y sus piezas Moose Lady se hicieron populares. Murió en 2006. [21]
El artista Jimmy Lee Sudduth utiliza barro mezclado con agua azucarada y tintes naturales para crear pinturas que presentan una amplia gama de temas, desde autorretratos hasta paisajes urbanos. Pinta sobre madera contrachapada con los dedos en lugar de con pinceles, y sus obras a menudo exploran el anonimato de la vida urbana. [22]
Howard Finster fue un artista religioso que sintió el llamado a crear arte sacro en 1976. Construyó Paradise Garden, una escultura ambiental en constante cambio hecha de piezas de tecnología desechadas, para honrar a los inventores humanos y crear un "Monumento a Dios". [23]
La abuela Moses fue una artista autodidacta que comenzó a pintar a los 78 años debido a una artritis. Sus pinturas representaban recuerdos felices de la infancia de la vida agrícola, omitiendo intencionalmente la industrialización. Sus pinturas se hicieron inmensamente populares y fueron apreciadas por su encanto nostálgico. Continuó pintando hasta unos meses antes de su muerte a los 101 años, exponiendo internacionalmente. [24]
Charlie Fields, también conocido como "Cedar Creek Charlie", era un soltero excéntrico que vivía con su madre en una granja de tabaco. Después de su muerte, comenzó a decorar y construir proyectos que ocuparon sus momentos libres por el resto de su vida. Fields decoró su casa con varios patrones, siendo su favorito los lunares, y cubrió todo el interior y el exterior con rojo, blanco y azul. También construyó un patio parecido a un parque de diversiones y dio la bienvenida a los visitantes, especialmente a los niños. [25]
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