Every Good Boy Deserves Favour es el séptimo álbum de The Moody Blues , lanzado en 1971. El álbum alcanzó el número 1 en la lista de álbumes británica, además de una estadía de tres semanas en el número 2 en los Estados Unidos, y produjo un sencillo top 40, " The Story in Your Eyes ".
El álbum es en gran medida una continuación del estilo de su predecesor, sin un gran concepto o tema. El bajista John Lodge explica: "Nuestro nuevo álbum se convertiría en una continuación de lo que habíamos hecho en A Question of Balance . Pensamos que si haces las cosas bien, debes continuar por ese camino". [4] El guitarrista Justin Hayward reflexiona además sobre el álbum: "Creo que Every Good Boy Deserves Favour es una especie de disco de búsqueda, de búsqueda. Se hizo en un momento de tremendo éxito para nosotros, y eso trajo consigo todos los sentimientos de culpa, incompetencia y dudas sobre uno mismo que acompañan a ese tipo de éxito. Es un disco agridulce que señaló la dirección del siguiente álbum, que fue el punto final". [5]
El título proviene de la regla mnemotécnica de los estudiantes para las líneas de la clave de sol : EGBDF. Estas notas se escuchan en el piano durante " Procession " y el tema se repite a lo largo del resto del álbum.
El tema de apertura, «Procession», es la única canción del grupo escrita por los cinco miembros. Su objetivo era describir la historia de la música desde el principio de los tiempos hasta la grabación del álbum. Las únicas tres palabras que se escuchan en este tema —«desolación», «creación» y «comunicación»— se utilizan de forma similar (junto con muchas otras palabras que terminan en «-ación») en «One More Time to Live». El baterista Graeme Edge recuerda: «¡En aquella época teníamos valor! Decidimos que podíamos crear una pieza que mostrara la historia de la evolución musical. Empezamos haciendo sonidos de gruñidos y golpeando troncos huecos, y esto evolucionó hacia la música oriental y, finalmente, hacia la música occidental». [6]
" The Story in Your Eyes " abre el álbum y fue una elección natural para un sencillo. Hayward recuerda haber escrito la canción: "La canción simplemente surgió de mi guitarra acústica un día mientras estaba en casa. Estaba tocando mi Martin D-28... y lo primero que se me ocurrió fue la sección central de ocho. Y a partir de ahí, el resto de la canción tomó forma. La vi deliberadamente como una canción más rockera desde el principio. Solo un par de semanas antes de entrar al estudio, había hecho una versión de la misma con Mike en su casa, solo yo tocando la guitarra y él trabajando en la parte de piano para el outro. Luego Mike hizo ocho o 12 pistas de Mellotron, rebotando de una máquina a otra. Y solo sonó bien cuando lo hizo y lo multipista". [7] La letra se inspiró en una relación, pero también en la dinámica personal de la banda. Explica: "Siempre se trata de una historia de amor, ¿no? Me gustaría poder contarte más, pero parte de eso es privado. A pesar de su naturaleza personal, "The Story in Your Eyes" también trata de la banda. 'Somos parte del fuego que arde, y de las cenizas podemos construir otro día'. Hay una especie de confesión en ella, ya que pronto estábamos a punto de atravesar una fase bastante incómoda". [8]
La canción "Emily's Song" fue escrita por John Lodge para su hija recién nacida.
"Nice to Be Here" es una canción caprichosa de Ray Thomas en la que imagina presenciar un concierto interpretado por criaturas del bosque con instrumentos improvisados. La canción se inspiró en la admiración que Thomas ha sentido toda su vida por la naturaleza, con una inspiración adicional de los libros infantiles de Beatrix Potter . Thomas recuerda: "Me ha encantado pescar desde que era un niño pequeño. Solía acampar junto a un lago una semana a la vez para pescar. Al principio, toda la fauna salvaje se aleja, pero después de que llevas allí unos días, se dan cuenta de que no eres una amenaza para ellos. Corren por todos lados sobre tus pies, incluso he visto martines pescadores aterrizando en el extremo de mi caña. Así que me divertí mucho escribiendo 'Lovely weather must trep a tree'. Era un niño pequeño otra vez. Y realmente pasé por una banda, 'Silver minnows were devising water ballets so amazing'". [9] Recuerda la sesión con cariño: "La canción fue muy divertida de grabar. En particular, intentar que Justin tocara un solo de guitarra usando solo una cuerda, como la rana de la letra. ¡De hecho, logró reducirlo a dos cuerdas!" [10]
La contemplativa canción "You Can Never Go Home" está inspirada en el dolor. Hayward recuerda en una entrevista posterior: "Recuerdo lo que estaba atravesando emocionalmente en ese momento: estaba perdiendo gente y había mucho dolor en mi vida. Fueron tiempos difíciles para mí, aquellos primeros años de los Moodies. Vale la pena recordar que hay que valorar lo que hay ahora". [11]
Las sesiones duraron desde noviembre de 1970 hasta marzo de 1971, con un descanso en diciembre para una gira americana en la que tocaron en el Carnegie Hall . Las sesiones fueron supervisadas de nuevo por el productor Tony Clarke y el ingeniero Derek Varnals. La mayor parte del álbum se grabó en Wessex , Londres, en lugar de su estudio habitual Decca en West Hampstead. Hayward explica el cambio de escenario: "Fue casi una especie de rebelión por nuestra parte. Fue realmente un cambio por el cambio, ya que nos preguntábamos si la hierba sería más verde grabando en otro lugar. También estábamos tratando de aceptar el hecho de que nuestra música ya no era 'underground', sino que había cobrado vida propia y teníamos que actuar en grandes estadios de Estados Unidos. Nuestro nuevo material era casi una disculpa en su enfoque en ese momento". [12]
Para "Procession", Graeme Edge utiliza una batería electrónica recientemente inventada, que Edge desarrolló con Brian Groves de la Universidad de Sussex . [13] Su uso probablemente representa el primer uso de una batería electrónica en un disco. [14] Edge describe la tecnología: "Tenía un panel de control frente a mí. Había piezas de goma con papel plateado en la parte posterior, con una bobina que se movía hacia arriba y hacia abajo dentro de un imán que producía una señal. Cuando funcionaba era excelente, pero era muy sensible a cualquier sobretensión o cambio en la electricidad. Cuando intenté usarlo en el escenario, todo el kit se volvía loco tan pronto como alguien encendía y apagaba las luces del escenario. Estaba bien para el uso en el estudio, ya que si se volvía loco, ¡podías apagarlo y comenzar de nuevo!" [15] Continúa: "Esto fue antes de que existieran los chips de silicio, y yo usaba transistores. Tenía unos cinco mil transistores y solían generar campos muy extraños. Casi cualquier cosa lo activaba. Solía funcionar muy bien en casa. Y funcionaba muy bien en los ensayos, pero la primera vez que intentamos usarlo en el escenario, cada vez que intentábamos usar los focos, se activaban, así que simplemente lo deseché". [16] Reflexiona sobre sus motivaciones para probar la nueva tecnología: "Siempre fui consciente de que el timbre de la batería estaba desafinado. Así que quería una batería que pudieras afinar al tono de una canción. Por eso la gente empezó a pegar paquetes de cigarrillos a la batería y todo eso, para eliminar ese timbre para que no molestara a las guitarras. Y ese equipo fue un fracaso rotundo, pero un fracaso heroico". [17]
En "The Story in Your Eyes", Hayward toca la guitarra acústica en la pista de acompañamiento, con una guitarra eléctrica sobregrabada más tarde. Explica: "Primero puse la guitarra acústica usando la Martin D-28, conmigo y Graeme Edge en la batería, y luego trabajé en ella a partir de ahí. También hice una doble pista con la acústica. Cuando llegó el momento de la parte de la guitarra eléctrica, usé una Cherry Red 1963 [Gibson] ES-335 que tengo desde 1968. La guitarra eléctrica que abre la canción, incluida la retroalimentación que está afinada en una nota A, y que va durante toda la canción es la ES-335 directamente en el canal Normal de un AC30 Top Boost al máximo. En el solo y al final, esa es la ES-335 nuevamente a través de una unidad Marshall Reverb-Fuzz". [18]
Hayward reflexiona sobre la influencia de Mike Pinder en los arreglos de sus canciones y cómo ayudó a impulsar el ritmo cuando grababan canciones en el estudio: "Su contribución también estuvo en el ritmo de la banda, porque si escuchas los primeros discos, el ritmo principal lo lleva una pandereta, que siempre tocaba Mike. Mike nunca tocaba el piano ni nada en la primera pista. Tocábamos batería, bajo, guitarra y Mike en la pandereta. Y era Mike a quien seguíamos; todos nosotros, incluso Graeme en la batería, seguíamos a Mike, y así el suyo siempre era el tempo. Escuchas los primeros discos, ves cuán adelante está la pandereta, como en "The Story In Your Eyes". Escuchas, lo lleva una pandereta, es tan simple". [19] "
Al grabar "My Song" de Mike Pinder , el artista quería que su voz sonara como si estuviera fuera del mundo, mirándolo desde arriba, como un astronauta en una caminata espacial. Para lograr el efecto, los ingenieros Derek Varnals y David Baker le construyeron una gran caja de cartón para que se la pusiera sobre la cabeza. Varnals recuerda: "Luego filtré la señal para que sonara como una transmisión desde el espacio. Estábamos tratando de crear algo serio, pero todos se reían histéricamente, todos excepto Mike, que era la única persona que no podía ver lo que estábamos viendo: una imagen bastante al estilo de Monty Python de alguien de pie perfectamente inmóvil con una caja cubriéndole la cabeza. Al final terminó sonando un poco como Darth Vader, pero esto fue varios años antes de que se hiciera La guerra de las galaxias". [20]
La portada creada por el artista Phil Travers se inspiró en la obra llamada Der Kristall ( El cristal ) del artista alemán Sulamith Wülfing . [21]
El álbum fue mezclado y lanzado tanto en estéreo como en cuadrafónico . En abril de 2007, el álbum fue remasterizado en formato SACD y reempaquetado con las dos pistas adicionales.
En 2008, se lanzó una remasterización para CD de audio estándar con las mismas pistas adicionales.
Fuente: [22]