El niño enfermo ( en noruego : Det syke barn ) es el título dado a un grupo de seis pinturas y varias litografías , punta seca y aguafuertes completados por el artista noruego Edvard Munch entre 1885 y 1926. Todas registran un momento antes de la muerte de su hermana mayor Johanne Sophie (1862-1877) por tuberculosis a los 15 años. Munch regresó a este evento profundamente traumático repetidamente en su arte durante un período de más de 40 años. En las obras, Sophie suele mostrarse en su lecho de muerte acompañada por una mujer de cabello oscuro y afligida que se supone que es su tía Karen; los estudios a menudo la muestran en un retrato recortado. En todas las versiones pintadas, Sophie está sentada en una silla, obviamente sufriendo dolor, sostenida por una gran almohada blanca, mirando hacia una cortina siniestra probablemente pensada como símbolo de la muerte . Se la muestra con una expresión angustiada, agarrando la mano de una mujer mayor afligida que parece querer consolarla pero cuya cabeza está inclinada como si no pudiera soportar mirar a la niña más joven a los ojos.
A lo largo de su carrera, Munch volvió a menudo a sus cuadros y creó varias variantes de ellos. El niño enfermo se convirtió para Munch —que casi murió de tuberculosis cuando era niño— en un medio para registrar tanto sus sentimientos de desesperación y culpa por haber sido él el que sobrevivió como para enfrentar sus sentimientos de pérdida por su hermana fallecida. Se obsesionó con la imagen y durante las décadas siguientes creó numerosas versiones en una variedad de formatos. Las seis obras pintadas fueron ejecutadas a lo largo de un período de más de 40 años, utilizando varios modelos diferentes. [1]
La serie ha sido descrita como "un estudio vívido de los estragos de una enfermedad degenerativa ". [2] Todas las pinturas y muchas de las obras auxiliares se consideran importantes para la obra de Munch. Una litografía de 1896 en negro, amarillo y rojo se vendió en 2001 en Sotheby's por $250.000. [3]
Cada cuadro muestra a Sophie de perfil, acostada en su lecho de muerte y con evidentes dificultades para respirar, síntoma de una tuberculosis avanzada y grave. [4] Está sostenida de la cintura para arriba por una gran almohada blanca y gruesa que oculta parcialmente un gran espejo circular colgado en la pared detrás de ella. Está cubierta por una pesada manta oscura. Tiene el pelo rojo y se la muestra frágil, con una palidez enfermiza y una mirada vacía. [1] Mira hacia una cortina oscura y ominosa que se extiende hasta el suelo a su izquierda, que muchos historiadores del arte interpretan como un símbolo de la muerte.
Una mujer mayor, de cabello oscuro y con un vestido negro, está sentada junto a la cama de la niña y le toma la mano. El vínculo entre las dos se establece mediante la unión de sus manos, que se encuentran en el centro exacto de cada obra. Su apretón compartido se representa típicamente con tal patetismo e intensidad que los historiadores del arte creen que no solo las dos figuras compartían un profundo vínculo emocional, sino que lo más probable es que fueran parientes de sangre. Es probable que la mujer sea la tía de Sophie [1], Karen. Algunos críticos han observado que la mujer mayor está más angustiada que la niña; en palabras de la crítica Patricia Donahue, "es casi como si la niña, sabiendo que no se puede hacer nada más, estuviera consolando a una persona que ha llegado al límite de su resistencia". [6]
La mujer tiene la cabeza inclinada por la angustia hasta el punto de no poder mirar directamente a Sophie. Por ello, su rostro está oculto y el espectador solo puede ver la parte superior de su cabeza. A la izquierda hay una botella sobre un tocador o armario. A la derecha, sobre una mesa descrita vagamente, se puede ver un vaso.
Las pinturas varían en su coloración. El blanco aparece especialmente en la primera de la serie, una representación del olvido. Más tarde, el verde y el amarillo aparecen como representaciones expresivas de la enfermedad, mientras que en la mayoría de las obras los rojos representan la característica más dramática y física de la tuberculosis en su fase avanzada: la tos con sangre . [1]
Cada pieza de la serie está fuertemente influenciada por las convenciones del expresionismo alemán , mientras que muchas son fuertemente impresionistas en su técnica. Las versiones pintadas están construidas a partir de gruesas capas de pintura empastada y típicamente muestran pinceladas verticales fuertes y amplias. El énfasis en las verticales le da a las obras una sensación de neblina y se suma a su poder emotivo, un efecto que la crítica de arte Michelle Facos describió como presentar al espectador "una escena vivida de cerca pero de manera confusa, como si la vieran a través de lágrimas o el velo de la memoria". [1]
Munch tenía solo 26 años cuando completó la pintura de 1885-86 y, como no estaba muy seguro de su capacidad, le dio el título provisional de Estudio . Munch completó seis pinturas tituladas El niño enfermo . Tres de ellas se encuentran ahora en Oslo (1885-86, 1925, 1927), las otras en Gotemburgo (1896), Estocolmo (1907) y Londres (1907). Creó ocho estudios en punta seca y aguafuerte después de su gran éxito en 1892, cuando aumentó la demanda de su obra. [5]
La primera versión tardó más de un año en completarse. Munch la encontró una experiencia triste y frustrante, y trabajó y retrabajó el lienzo casi obsesivamente. Entre 1885 y 1886 Munch pintó, frotó y repintó la imagen, [1] antes de llegar finalmente a una imagen con la que estaba satisfecho. A menudo mencionaba las obras en sus diarios y publicaciones, y aparece de forma destacada en su "Origen del friso de la vida" ( Live Friesens tilblivelse ). Más tarde escribió que la pintura de 1885-86 fue una lucha tan difícil que su finalización marcó un "gran avance" importante en su arte. [7] Munch explicó: "Empecé como impresionista , pero durante las violentas convulsiones mentales y vitales del período de la bohemia, el impresionismo me dio una expresión insuficiente; tuve que encontrar una expresión para lo que agitaba mi mente ... La primera ruptura con el impresionismo fue El niño enfermo; buscaba expresión ( expresionismo )". [8]
Las seis versiones pintadas son: [10]
Científicos británicos y noruegos han investigado la pintura en el Nasjonalmuseet de Oslo. [12] El análisis de pigmentos reveló una extensa paleta que consta de pigmentos como blanco de plomo , blanco de zinc , ultramar artificial , bermellón , laca roja, ocre rojo , verde esmeralda , amarillo cromo , amarillo de zinc y azul cobalto . [13]
En 1930, Munch escribió al director de la Galería Nacional de Oslo admitiendo que "en cuanto al niño enfermo, fue el período que considero como la Era de la Almohada. Muchos pintores hicieron cuadros de niños enfermos en sus almohadas". [14] Munch se refería a la prevalencia de la tuberculosis en ese momento; representaciones contemporáneas de la enfermedad se pueden ver en las obras de Hans Heyerdahl y Christian Krohg .
Cuando la versión original de 1885-86 se exhibió por primera vez en la Exposición de Otoño de 1886 en Christiania , los espectadores la abuchearon y provocó "una verdadera tormenta de protestas e indignación" por parte de los críticos, consternados por su uso de técnicas impresionistas, su aparente abandono de la línea [15] y el hecho de que la pintura pareciera inacabada. Muchos encontraron insatisfactorio que el pasaje clave de la pintura -las manos unidas de las mujeres- no estuviera bien detallado, no haya líneas para describir sus dedos y la pieza central esté compuesta esencialmente por manchas de pintura. En defensa de Munch dijo: "No pinto lo que veo, sino lo que vi". [16]
La exposición fue reseñada por el crítico Andreas Aubert, quien escribió: "Hay genio en Munch. Pero también existe el peligro de que se vaya al traste... Por esta razón, por el propio bien de Munch, desearía que su Niño enfermo hubiera sido rechazado... En su forma actual, este 'estudio' (!) es meramente un boceto descartado y medio borrado". [8]
Más de 40 años después, los nazis consideraron que las pinturas de Munch eran « arte degenerado » y las retiraron de los museos alemanes. Las obras, que incluían la versión de 1907 de El niño enfermo de la Galería de Dresde , fueron llevadas a Berlín para ser subastadas. El comerciante de arte noruego Harald Holst Halvorsen adquirió varias, incluida El niño enfermo , con el objetivo de devolverlas a Oslo . La pintura de 1907 fue comprada por Thomas Olsen en 1939 y donada a la Tate Gallery . [7]
El 15 de febrero de 2013, Posten Norge publicó cuatro sellos postales noruegos que reproducían imágenes de obras de Munch para conmemorar el 150 aniversario de su nacimiento. Para el diseño del sello de 15 coronas se utilizó un primer plano de la cabeza del niño de una de las versiones litográficas . [17]
_-_Gothenburg_Museum_of_Art_-_GKM_0975.tif/lossy-page1-1280px-The_Sick_Girl_(Edvard_Munch)_-_Gothenburg_Museum_of_Art_-_GKM_0975.tif.jpg)
![Edvard Munch, El niño enfermo, 1907. Tercera de la serie.[9] Óleo sobre lienzo, 118 cm (46 in) x 120 cm (47 in). Galería Thiel, Estocolmo.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fa/Edvard_Munch_The_Sick_Child_Thielska_289.tif/lossy-page1-1280px-Edvard_Munch_The_Sick_Child_Thielska_289.tif.jpg)
![Edvard Munch, El niño enfermo, 1907. 4.º de la serie.[7] Óleo sobre lienzo, 137 cm (54 in) × 139 cm (55 in). Tate, Londres.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/Edvard_Munch_-_The_sick_child_(1907)_-_Tate_Modern.jpg/1280px-Edvard_Munch_-_The_sick_child_(1907)_-_Tate_Modern.jpg)
