Los Haters son una compañía de música noise y arte conceptual de Estados Unidos . Fundados en 1979, son uno de los primeros actos de la escena del ruido moderno. El grupo es principalmente obra del músico, artista, escritor y cineasta GX Jupitter-Larsen , radicado en Hollywood , California , acompañado por una formación en constante cambio de otros "miembros", generalmente músicos y artistas experimentales locales en cualquier ciudad donde se presente la actuación de Haters. sucede que tiene lugar. [1] [2]
El grupo comenzó cuando Jupitter-Larsen se dio cuenta de que estaba más interesado en hacer ruido y destruir lugares que en la música estructurada. [3] Pronto los Haters establecieron contactos con artistas de ideas afines en lo que se conocería como la escena de la música noise, incluidos Merzbow , Maurizio Bianchi y The New Blockaders. A finales de la década de 1970, GX Jupitter-Larsen había terminado con la escena punk. Al principio, en 1979 en Nueva York, [4] el tipo de ruido que buscaba no sería audible a través de los oídos, sino a través de una especie de transmisión sociológica. Una distorsión social en lugar de una retroalimentación sonora fue su mandato personal post-punk.
Las primeras actuaciones de los Haters no implicaron ningún uso deliberado del sonido. Incluso si hubiera algún sonido, el audio era secundario. Las actuaciones de los haters en ese momento eran acciones simples. Eventos como golpear casetes de video con una cámara de video, ver cómo se forma el polvo en el piso o contar botes de basura a lo largo de una calle. [2]
Los Haters sólo comenzaron a utilizar el sonido en presentaciones en vivo debido a dos necesidades. Uno, la necesidad de un telón de escenario, y dos, la necesidad de realizar un seguimiento del tiempo. [2]
Tradicionalmente, la apertura del telón del escenario señala el comienzo de una actuación, mientras que el cierre señala la conclusión. Como casi ningún lugar donde actuaban tenía tales cortinas, The Haters necesitaban idear algo más que duplicara esta función. Los Haters comenzaron a usar sonidos pregrabados en cintas. El repentino inicio del ruido hizo que todos los presentes supieran que la actuación acababa de comenzar. Asimismo, el abrupto final de la banda sonora marcó inequívocamente el final. [5]
Las actuaciones de Haters suelen consistir en Jupitter-Larsen y otro artista, ambos con máscaras, creando un ruido extremadamente fuerte utilizando varios tipos de maquinaria, con el sonido distorsionado y amplificado hasta que es prácticamente irreconocible. [3] Los numerosos lanzamientos en CD y discos de The Haters suelen ser grabaciones de estas actuaciones. Detrás de toda la producción de los Haters está la peculiar mezcla de obsesiones estéticas y conceptuales de Jupitter-Larsen, particularmente la entropía y la decadencia , la lucha libre profesional y un léxico de creación propia que consiste principalmente en unidades de medida personalizadas como "polionda", el "totimomorfo". y la "xilowave". [3]
Un aspecto central del trabajo de los Haters es que los sonidos que producen no son música. Esta es una idea que se repite con frecuencia entre los artistas del noise, aunque sólo sea para distinguir el ruido puro y duro de géneros más relacionados con la música, como el noise rock , pero los Haters toman la idea mucho más literalmente que la mayoría. Los sonidos que crean no se crean con instrumentos musicales ni siquiera con equipos de audio, sino con procesos físicos como chirridos, choques y otras formas de destrucción. Al mismo tiempo, siempre hay un elemento conceptual pronunciado, a menudo absurdo, en el trabajo del grupo. [6]
Muchas de las actuaciones posteriores de The Haters involucraron a audiencias enteras guiadas por agitadores internos para arruinar o destruir lugares enteros. [3] Los propietarios no siempre fueron informados de la coreografía con antelación. Era lo que Los Haters llamaban celebraciones de la entropía. La audiencia que fue tan parte de la actuación real como lo fueron los artistas. Sin ningún condicionamiento previo, audiencias enteras detendrían su caos en el mismo instante en que se detuviera la banda sonora. No importaba si la asistencia era de 20 o 200 personas. Cuando el sonido cesaba, también lo hacía la acción.
También hay una utilización posterior obvia de utilizar los extremos de la banda sonora como el movimiento de un telón de escenario. Es decir, que se puede predeterminar la duración de una interpretación eligiendo la duración de la cinta para la grabación. [7]
Al principio a The Haters no les importaba cuál fuera el sonido de la cinta, siempre y cuando fuera constante. Por lo demás, durante años no tuvieron ningún otro interés en el sonido en su escenario. Esto no significaba que no estuvieran interesados en absoluto en los sonidos. De hecho, siempre que The Haters estaban en el estudio, siempre daban gran detalle a cada aspecto del sonido. Un lanzamiento de disco o CD y una presentación en vivo son dos cosas diferentes; y nunca vieron ninguna razón por la que uno tuviera que sonar parecido al otro. [2]
Hubo algunas excepciones, a saber, algunos "anti-discos" conceptuales que lanzaron a finales de los 80 y principios de los 90. El primero, de 1988, se tituló Wind Licked Dirt , y consistía en un LP de vinilo sin editar en una portada repleta de un montón de pequeñas piedritas, que se incluyen para "reproducir" el disco. Se hizo una edición posterior con un "CD" (un disco protector transparente de un eje de discos vírgenes) y actualmente está disponible como un "casete C-0". El segundo se titulaba El oxígeno es inflamable y era un trozo de plástico roto empaquetado en una pequeña caja. Adjunto había instrucciones que decían que el trozo de plástico es un disco y que se toca vertiéndole agua. Las instrucciones también llaman la atención sobre posibles similitudes entre los sonidos del agua que cae y el fuego que se eleva. El tercero, Shear , era una bola de guata de algodón empaquetada en una pequeña caja. Alrededor del contenido se encuentran envueltas instrucciones escritas en tres finas tiras de papel, que informan al portador de que la guata de algodón es una grabación que se reproduce apretando. Larsen describe los sonidos que produce este "disco" como una "ligereza aguda y esponjosa" y un "presionado fino y esponjoso". Estos tres lanzamientos son, en sí mismos, una especie de pieza escénica. Un sencillo autoeditado de 7" de 1983 funcionaba según el mismo principio; consistía en dos ritmos en blanco y contenía instrucciones para "completar este disco rascándolo...". [8]
Los Haters experimentarían incorporando sonidos en vivo con lo pregrabado, pero esto nunca fue una alta prioridad para ellos hasta su actuación número 101. Allí, el sonido en vivo se convirtió en un componente central de su teatro. El 10 de junio de 1990, en San Francisco, los artistas frotaron cada uno una calculadora contra un papel de lija muy abrasivo. Otra acción sencilla, pero esta vez se había montado un micrófono de contacto en el atrezzo. El sonido del roce se estaba amplificando. [2]
El sonido finalmente se volvió fundamental para The Haters en el escenario porque GX Jupitter-Larsen quería contar una historia y el sonido era necesario para la narrativa. Esta narración trataba sobre un tal Ross Rhesymolwaith. Rhesymolwaith era un matemático cuya tranquilidad, se decía alguna vez, sonaba muy parecida a la de calculadoras frotadas contra papel de lija. Cálculo por desintegración como referencia a "una belleza que surge del desgaste de los números". Unos ideales tan claramente audibles requerían un medio igualmente audible. [9]
Los Haters interpretarían esta pieza, a la que llamaron "The Thinking Ross Does", varias veces más en muchas ciudades diferentes a lo largo de los años.
En su actuación número 144, en Zúrich utilizaron taladros eléctricos amplificados para convertir grandes objetos de madera en aserrín. La pieza se llamaba "Construyendo agujeros vacíos", pero la acción en sí era aún más importante que los sonidos involucrados.
No fue hasta su actuación número 155, en la ciudad de Nueva York, el 28 de diciembre de 1991, cuando encontraron su siguiente gran fetiche del audio. Los Haters lo llamaron "clic-clic"; un perforador de mano montado con un micrófono de contacto para amplificación. Realizarían esta acción una y otra vez, durante los siguientes diez años.
En su actuación número 174, París, el 30 de octubre de 1992, The Haters empujaban lentamente un micrófono en vivo hacia un molinillo eléctrico para desgastarlo suavemente hasta convertirlo en un trozo. Como ha dicho GX en muchas entrevistas; "La erosión como penetración del vacío. Porque la erosión es la única manera en que un objeto sólido puede realmente penetrar el vacío". El público aplaudió. Esta acción se convertiría en otro motivo recurrente para The Haters durante años.
Durante la década de 1990, The Haters desarrollaron muchas técnicas recurrentes diferentes utilizando equipos amplificados. La única razón por la que The Haters comenzaron a incorporar sonido en vivo en sus presentaciones fue para volver a enfatizar la acción que estaba teniendo lugar. No por el sonido en sí. Aquí no hay progresión lineal. Tampoco suele haber verbos. Los temas y técnicas se superpondrían de un lado a otro, pero en general, las actuaciones eran cada vez más ruidosas. En 1995, The Haters habían dejado de utilizar bandas sonoras pregrabadas por completo. Ahora usarían cualquiera de varios dispositivos teatrales para funcionar como telones de escenario.
El sonido se convirtió en un medio para ilustrar una narrativa. Por ejemplo, de 2000 a 2002, GX Jupitter-Larsen equilibraba una calculadora amplificada sobre la rejilla abierta de un pequeño ventilador de escritorio. Esta fue su manera de llevar a escena una imagen. La del matemático Ross Rhesymolwaith sentado junto a una ventana abierta para poder sentir el viento en la cara mientras hacía sus cálculos. La pieza se tituló "Dirwyn". El sonido y la acción eran los mismos.
La fase más agitada en el uso del sonido de The Haters en la interpretación se produjo cuando, en lugar de amplificar herramientas comunes, comenzaron a construir sus propios dispositivos personalizados con el único propósito de hacer ruido. A finales de la década de 1990, The Haters se obsesionaron con la idea de un contraste entre lo que era el sonido y cómo se hacía. [10]
La lucha libre siempre ha sido una fuente de inspiración para ellos. La lucha libre es la forma más pura de teatro del absurdo; uno de violencia sin confrontación donde los estereotipos se exageran más allá de todo reconocimiento. [3]
Desde su estreno a principios de 1999, Untitled Title Belt de GX se ha convertido en una principal fuente de sonido tanto en el escenario como en el estudio. Con solo mirar este cinturón, no necesariamente se podría decir que este implemento es una combinación de micrófono, pedal de distorsión y generador de ruido. Fue diseñado a partir del tradicional cinturón de lucha libre de campeonato.
Quizás el único proyecto de The Haters que está completamente basado en sonido es una pieza que GX comenzó a hacer en 2003. En esta pieza, titulada "Audiothecary", se utilizan balanzas amplificadas como una utilidad basada en la interpretación para encontrar el peso del sonido. La viga de la báscula con sus dos platos en cada extremo están conectados para funcionar como un micrófono grande. Cualquier ligero toque, incluso respirar sobre ellos, producirá un ruido muy sustancial. [11]
La última actuación de los Haters titulada "Loud Equipaje / Booming Baggage", presentada por primera vez en 2010, les hace operar maletas amplificadas, sacudiéndolas y golpeándolas hasta que el equipaje finalmente se rompe.
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