Naturaleza muerta: Jarrón con rosas rosadas fue pintado en 1890 por Vincent van Gogh en Saint-Rémy . En el momento en que se pintó la obra, Van Gogh se estaba preparando para abandonar el asilo de Saint-Rémy y trasladarse a la tranquila ciudad de Auvers-sur-Oise, en las afueras de París . Esta obra y la de Rosas rosadas, de fecha similar , reflejan el optimismo que Van Gogh sentía en ese momento sobre su futuro, tanto en su elección de flores como en los colores utilizados. La pintura es propiedad de la Galería Nacional de Arte de Washington, DC [1]
Van Gogh pintó Naturaleza muerta: Jarrón con rosas rosadas poco antes de salir del asilo de Saint-Rémy .
A medida que se acercaba el final de su estancia en Saint-Rémy y los días que le quedaban por delante en Auvers-sur-Oise, Van Gogh transmitió su optimismo y entusiasmo pintando flores. En la época en que Van Gogh pintó esta obra, le escribió a su madre: «Pero para la salud, como dices, es muy necesario trabajar en el jardín y ver crecer las flores». [2] A su hermana Wil le escribió: «Los últimos días en Saint-Rémy trabajé como un loco. Grandes ramos de flores, lirios de color violeta, grandes ramos de rosas». [2]
Aunque no se cree que Van Gogh asociara específicamente las rosas, la National Gallery of Art (NGA) afirma que "está claro, sin embargo, que veía todas las plantas en flor como celebraciones del nacimiento y la renovación, como llenas de vida. Ese sentido se ve subrayado aquí por el verde fresco del fondo, que tiene el delicado color de las hojas nuevas en primavera". La NGA describe además la pintura: "Las cintas ondulantes de pintura, aplicadas en trazos diagonales, animan el lienzo y juegan con las formas enrolladas de las flores y las hojas. Originalmente, las rosas eran rosas (el color se ha desvanecido) y habrían creado un contraste de colores complementarios con el verde". [1]
El cuadro es uno de los muchos ejemplos de Van Gogh de la sobreabundancia de la naturaleza muerta, llenando el plano pictórico con el jarrón y las flores desbordantes. Otros ejemplos son Naturaleza muerta con claveles y Naturaleza muerta con anémonas. [3] Se dice que el exuberante ramo de rosas es una de las naturalezas muertas más grandes y hermosas de Van Gogh . Van Gogh pintó otra pintura de rosas en Saint-Rémy, que se exhibe en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York . [1]
Cuando Van Gogh abandonó Saint-Rémy el 16 de mayo, dejó las dos rosas con una capa de pintura muy espesa para que se secaran. Van Gogh calculó que tardarían un mes en secarse; llegaron a la última residencia de Van Gogh en Auvers-sur-Oise el 24 de junio. [1]
Las flores fueron el tema de muchas de las pinturas de Van Gogh en París, debido en gran parte a su afición por las flores. [4] Como le dijo a su hermano, "Verás que al hacer un hábito de mirar cuadros japoneses llegarás a amar aún más hacer ramos y hacer cosas con flores". [2] A su hermana, Wil, Van Gogh le aconsejó que cultivara su propio jardín, como el Cándido de Voltaire , para encontrar alegría y sentido a la vida. [2] Después de dejar París y establecerse en Arles, Van Gogh pintó su segundo grupo de Girasoles en 1888 y 1889. Sus pinturas de girasoles en jarrones se encuentran entre sus pinturas más conocidas. [5]
En París, amigos y conocidos le enviaban ramos de flores cada semana para sus bodegones . [4] También compraba ramos a bajo precio, eligiendo una variedad de flores y colores para sus cuadros. En una carta a su hermana Wil, le dijo: "El año pasado no pinté casi nada más que flores para poder acostumbrarme a otros colores además del gris: rosa, verde suave o brillante, azul claro, violeta, amarillo, rojo glorioso". Eso era una exageración, ya que durante su estancia en París pintó 230 cuadros, de los cuales unos 30 eran flores. Sin embargo, el comentario demuestra su interés por pintar flores como tema y por desarrollar aún más su apreciación y comprensión del color. [6]
En Naturaleza muerta: Jarrón con rosas rosadas, el público puede apreciar la profunda conciencia que Van Gogh tenía de la interacción de colores que fue adquiriendo con el tiempo, especialmente si uno puede imaginar el rosa original, más profundo, de las rosas sobre el verde complementario de la pintura para lograr un efecto dramático y emotivo. La elección de colores y la manera en que están pintados también son significativos.
Van Gogh utilizó colores complementarios y contrastantes para dar intensidad a sus pinturas, que evolucionó a lo largo de los períodos de su obra. Dos colores complementarios del mismo grado de intensidad y brillo colocados uno al lado del otro producen una reacción intensa, llamada la "ley del contraste simultáneo". [7]
Desde sus días en los Países Bajos, Van Gogh se familiarizó con la teoría del color de Delacroix y quedó fascinado por el color. [8] Al igual que Delacroix, su teoría sobre el color surgió a partir de la observación de la naturaleza. Dijo de Delacroix que "nos hace sentir la vida de las cosas y la expresión del movimiento, que domina absolutamente sus colores " . [2]
Mientras estaba en Nuenen, Van Gogh se familiarizó con las leyes de tejido de Michel Eugène Chevreul para maximizar la intensidad de los colores a través de su contraste con los colores adyacentes. [9]
En París , Van Gogh estudió con entusiasmo el uso de colores complementarios de Seurat . Entusiasmado por probar estudios complementarios, Van Gogh dividía un lienzo grande en varias secciones rectangulares, probando "todos los colores del arco iris". [8] Allí también conoció, a través de su hermano Theo, la obra de bodegones con flores de Adolphe Monticelli , que admiraba. En primer lugar, vio el uso del color de Monticelli como una expansión de las teorías de Delacroix sobre el color y el contraste. En segundo lugar, admiró el efecto que Monticelli creaba con la aplicación intensa de pintura. [10]
Van Gogh mencionó la vivacidad y el juego de "una boda de dos colores complementarios, su mezcla y oposición, las vibraciones misteriosas de dos almas gemelas", como "los rosas se casan con los verdes" ( en francés : les roses... se mariant aux verts) [11], como en esta pintura. [1]
El autor Robert Wallace escribió que Van Gogh "percibió que el color tiene un significado que trasciende las meras impresiones visuales... que el color y las emociones están interrelacionados". [8] Van Gogh utilizó el color de manera estratégica y contundente. El color "no es propio de un realista engañoso, sino que sugiere alguna emoción de un temperamento ardiente", escribió Van Gogh. [12]
Observó los cambios de la naturaleza y del estado de ánimo con el ciclo estacional de la vida, expresados con colores complementarios específicos de cada estación:
A su hermano Theo, Van Gogh le escribió: "Lo que hay de color en un cuadro, lo hay de entusiasmo en la vida". [13]
El cuadro fue valorado en 60 millones de dólares cuando Pamela Harriman lo donó a la Galería Nacional de Arte en memoria de su marido. [15]
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