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Sarah Sze

Sarah Sze ( / ˈz iː / ; nacida en 1969) es una artista estadounidense y profesora de artes visuales en la Universidad de Columbia . [1] El trabajo de Sze explora el papel de la tecnología, la información y la memoria con objetos de la vida contemporánea utilizando materiales cotidianos. [2] Su trabajo a menudo representa objetos atrapados en suspensión. Basándose en las tradiciones modernistas, Sze confronta la relación entre objetos producidos en masa de bajo valor en instituciones de alto valor, creando la sensación de que los objetos de la vida cotidiana pueden ser arte. [3] Ha expuesto internacionalmente y sus obras se encuentran en las colecciones de varios museos importantes.

Vida temprana y educación

Sze nació en Boston en 1969. Su padre, Chia-Ming Sze, era un arquitecto que se mudó a los Estados Unidos desde Shanghái a los cuatro años y su madre, Judy Mossman, era una maestra de escuela anglo-escocesa-irlandesa. Sze cuenta que cuando era niña dibujaba constantemente. [4] Asistió a la Academia Milton como estudiante externa y se graduó summa cum laude con una licenciatura en Arquitectura y Pintura de la Universidad de Yale en 1991. [5] [6]

Carrera

El trabajo de Sze ha aparecido en la Bienal de Whitney (2000), la Bienal Carnegie International (1999) y varias bienales internacionales, incluidas Berlín (1998), Guangzhou (2015), Liverpool (2008), Lyon (2009), São Paulo (2002) y Venecia (1999, 2013 y 2015). [7]

Sze ha creado obras de arte públicas para el Instituto Tecnológico de Massachusetts , el Walker Art Center y el High Line de Nueva York. [7]

Sze fue becario MacArthur en 2003 y recibió el premio del Concurso Bienal de la Fundación Louis Comfort Tiffany en 1999. [8]

Trabajar

En 2013, Sze representó a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia con una exposición llamada Triple Point. [9]

El 1 de enero de 2017, una instalación permanente encargada por MTA Arts & Design de dibujos de Sze sobre baldosas de cerámica se inauguró en la estación de metro de la calle 96 de la nueva línea de metro de la Segunda Avenida en la ciudad de Nueva York. [10]

En 2020, Sze presentó Shorter than the Day , una instalación permanente, en el Aeropuerto LaGuardia [11] [12]

En 2021, Sze presentó su instalación permanente más reciente, Fallen Sky, en Storm King Art Center , [13] Cornwall, Nueva York.

Para su exposición de 2023 llamada Timelapse en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, Sze creó una serie de instalaciones específicas del sitio a través del edificio Frank Lloyd Wright . [14]

En 2023, Sze transformó una gran sala de espera victoriana en la estación Peckham Rye de Londres en una instalación inmersiva llamada The Waiting Room . Tabish Khan , al reseñar la exposición para Culture Whisper, escribió: “Esta instalación nos llena de asombro”. [15]

En 2023, Sze apareció en la serie New York Close-up de Art21. [16]

Vida personal

Sze tiene un hermano, el capitalista de riesgo David Sze . Sze vive en la ciudad de Nueva York con su esposo Siddhartha Mukherjee y sus dos hijas. [6] El bisabuelo de Sze, Alfred Sao-ke Sze , fue el primer estudiante chino en ir a la Universidad de Cornell. Fue ministro de China en Gran Bretaña y más tarde embajador en los Estados Unidos. Su abuelo es Szeming Sze, quien fue el iniciador de la Organización Mundial de la Salud . [ cita requerida ]

Proceso

Sze se inspira en las tradiciones modernistas de los objetos encontrados para construir instalaciones a gran escala . [17] Utiliza elementos cotidianos como cuerdas, bastoncillos de algodón, fotografías y alambre para crear composiciones complejas que se asemejan a constelaciones. [18] Esta composición le da a su trabajo un estilo caótico pero preciso con la superposición de materiales. Todos los objetos, independientemente del tamaño, [19] están relacionados entre sí. Esto crea un significado más amplio en su trabajo, ya que todas las piezas se unen para transmitir un mensaje. Al remodelar y remodelar estos objetos cotidianos, Sze cambia además el valor de estos materiales. [20] La incorporación de estos objetos de "bajo valor" rechaza el estándar tradicional de que las esculturas tienen que ser sólidas, limitadas en formas geométricas y trabajar con materiales específicos. Esto se puede mostrar con la inclusión intencional de Sze de los materiales de proceso invisibles (escaleras, clips, postes de madera, etc.) [21] que se incluyen en su trabajo final.

A lo largo de su carrera, Sze ha traspasado los límites de la escultura. Esto se puede ver en el uso que hace de sus obras para transmitir movimiento. Mediante una planificación precisa y consideraciones estratégicas, Sze se esfuerza por hacer que lo inanimado parezca animado. [22] Utilizando influencias de su formación formal en pintura y arquitectura, Sze analiza lo que se puede hacer con una escultura que se limita a lo bidimensional. [23] El efecto de esto es "cuestionar el material mismo de la escultura, la constitución misma de la escultura, como una forma sólida que tiene que ver con constituciones geométricas finitas, formas y contenido". [24]

Sze también tiene en cuenta la interacción del espectador [25] con sus obras y los objetos que ha elegido para exponer. Al seleccionar los materiales, Sze se centra en la exploración de la adquisición de valor: qué valor tiene el objeto y cómo se adquiere. En una entrevista con el comisario Okwui Enwezor, Sze explicó que durante su proceso de conceptualización, "coreografiará la experiencia para crear un flujo y reflujo de información [...] pensando en cómo la gente se acerca, reduce la velocidad, se detiene y percibe [su arte]". [3]

Significado

El trabajo de Sze encapsula cómo un individuo percibe la vida cotidiana y su entorno. El registro de objetos con memoria es una de las formas en que Sze representa esta idea. En sus obras como Timekeeper , Sze crea una cápsula del tiempo, [26] lo que le permite conectarse directamente con los objetos que utilizó con la pieza para el año. Con Sze reconstruyendo obras anteriores, tiene el registro de lo que usó originalmente pero ahora puede agregar nuevos materiales, creando una cápsula del tiempo completamente nueva. El tiempo en sí mismo es un tema fuerte con el que Sze juega con el concepto de la multiplicidad de lo desconocido. [27] Esto se crea por sus obras que se desvían del lienzo en múltiples direcciones que conducen a este tema de la pluralidad de lo desconocido. El tiempo y la memoria en el trabajo de Sze también se pueden ver con la distorsión de las imágenes a lo largo del tiempo. Sze en sus instalaciones impresas ha hecho referencia a trabajos anteriores, apoyándose en la memoria para reconstruir el trabajo anterior en su proyecto actual. Esto no solo refleja su trabajo anterior, sino que también resalta cómo los objetos cambian con el tiempo en la memoria. Sze profundiza más en las imágenes y en cómo se puede utilizar este método para retener una escultura. [28] La elección de materiales por parte de Sze es uno de los factores clave a la hora de contemplar sus obras. La inclusión de estos objetos producidos en masa alude además a la vida doméstica y a la sensación de sobreabundancia y crecimiento. [29] El hecho de tener estos objetos cotidianos coleccionados, colocados en capas o apilados unos sobre otros se puede ver en su forma de transmitir un espacio abrumador o estrecho.

Al trabajar con esculturas, Sze es consciente no solo del espacio en el que se ubica su obra, sino también del espacio que sus obras crean. La obra esférica de Sze crea la oportunidad para que los espectadores caminen dentro de la obra, [30] creando una experiencia inmersiva. Esta elección se realiza independientemente de si el público es consciente de que, cuando entra en la obra, forma parte de ella o no. Con los antecedentes y la educación de Sze en arquitectura, es metódica en la forma en que los visitantes se encontrarán con su obra y en cómo un espacio de galería dará forma a su obra. Esta consideración profundiza la contemplación de Sze sobre si hay una historia que contar con la arquitectura o si está ahí para guiar al público. El espacio que Sze crea en sus obras refleja su elección de objetos, creando una relación con su obra y el lugar donde se entrelazan. Dentro del espacio que Sze crea, especialmente con sus obras de instalación suspendidas, hay una sensación de fragilidad en estas obras. Sin embargo, a través del proceso deliberado de alinear cada objeto entre sí, hay un método estratégico [31] en su aspecto frágil.

Con obras ubicadas en el entorno natural, Sze también tiene en cuenta el contexto en el que residirá su obra. Esto se puede ver en lo que quiere que sus obras no solo transmitan sino que también tengan valor. Con su encargo permanente para el Storm King Art Center, Fallen Sky crea la infusión y desintegración del material extraterrestre para volverse uno con el suelo. [32] Otras instalaciones al aire libre como Still Life with Landscape tienen en cuenta el hábitat natural e incluyen esas necesidades con la estructura, creando una interconexión perfecta con la composición de la obra. [33]

Exposiciones

Sze ha realizado una gran cantidad de exposiciones individuales y muestras en los Estados Unidos y a nivel internacional. Sus exposiciones individuales notables incluyen White Room (1997), White Columns , Nueva York ; [34] Sarah Sze (1999), Museo de Arte Contemporáneo, Chicago ; [35] Sarah Sze: The Triple Point of Water (2003-2004), originada en el Museo Whitney , Nueva York; [36] Triple Point (2013), pabellón estadounidense , 55.ª Bienal de Venecia ; [37] y Sarah Sze: Timelapse (2023), Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York. [38]

Sze también ha participado en una amplia gama de exposiciones colectivas, entre ellas la Bienal de Berlín (1998); [39] la 48ª [40] y la 56ª Bienal de Venecia [41] (1999, 2015); la Bienal de Whitney (2000); [42] y la Bienal de Liverpool (2008). [43]

Obras destacadas en colecciones públicas

Premios y honores

Referencias

  1. ^ "Sarah Sze". Escuela de Artes de la Universidad de Columbia . Consultado el 18 de septiembre de 2018 .
  2. ^ "Sarah Sze - Artistas - Galería Tanya Bonakdar". tanyabonakdargallery.com . Consultado el 1 de marzo de 2020 .
  3. ^ ab Enwezor, Okwui; Buchloh, BHD; Hoptman, Laura J. (2016). Sara Sze . Londres: Phaidon. ISBN 978-0-7148-7046-5.OCLC 930797762  .
  4. ^ "Sarah Sze: El estudio como laboratorio". Art21 . Consultado el 1 de marzo de 2020 .
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Lectura adicional

Enlaces externos