Sarah Oppenheimer (nacida en 1972 en Austin, Texas) [1] es una artista radicada en la ciudad de Nueva York cuyos proyectos exploran las articulaciones y la experiencia del espacio construido. [2] [3] [4] Su trabajo implica transformaciones precisas de la arquitectura que alteran, subvierten o reorganizan la experiencia visual y corporal de los visitantes. [5] [6] [7] El crítico de Artforum Jeffrey Kastner escribió que las obras de arte de Oppenheimer "típicamente inducen un cierto tipo de incertidumbre vagamente vertiginosa, casi vertiginosa" que con el tiempo convierte "las indeterminaciones de la aprehensión en incertidumbres epistemológicas, el desconcierto epistémico en perplejidad ontológica". [7]
El trabajo de Oppenheimer ha sido exhibido internacionalmente en lugares como Mudam (Luxemburgo), [8] Wexner Center for the Arts , [9] Mass MoCA , [10] Kunstmuseum Thun (Suiza), [11] y Baltimore Museum of Art . [2] Ha recibido una beca Guggenheim , [12] el Premio de Roma , [13] y premios de las fundaciones Joan Mitchell , Louis Comfort Tiffany y Anonymous Was A Woman , entre otras. [14] [15] [16]
Oppenheimer modifica áreas de transición como umbrales, pasillos, ventanas y puertas para revelar y remodelar jerarquías espaciales de observación e influencia. [17] [3] [7] Los críticos distinguen su trabajo por su exploración de las posibilidades performativas de la arquitectura. [18] [9] Cada proyecto actúa como un medio de intercambio experiencial, llevando a los visitantes a reconsiderar las percepciones de orientación, estructura y estabilidad del espacio construido. [3] [19] Los escritores relacionan las estrategias de Oppenheimer con las de la psicología ambiental , la psicogeografía situacionista y el trabajo de artistas como Lygia Clark , Robert Irwin , Hans Haacke y Andrea Fraser . [20] [5] [3] [21]
Los títulos de las obras de Oppenheimer se generan a partir de una tipología numérica. [7] [22] Cada dígito de un título rastrea las transacciones y el flujo entre zonas espaciales y, en conjunto, forman una clave para la orientación de la obra dentro del entorno construido. El escritor Alexander Galloway compara la tipología de Oppenheimer con las operaciones bit a bit que se utilizan comúnmente en la arquitectura informática y la aritmética binaria. [4]
En sus primeras exposiciones en The Drawing Center (2002) y Queens Museum (2004), Oppenheimer exploró la interdependencia de la navegación espacial y la arquitectura interior. [23] [24] Los paneles de pared mutables se reconfiguraron en el espacio del museo mientras se realizaba una investigación de navegación en sujetos de prueba monitoreados en condiciones controladas (por ejemplo, Hallway , 2002). [25] [26] A finales de la década de 2000, Oppenheimer reconfiguró los límites entre los espacios de exhibición, instalando aberturas que desplazaban las vistas dentro y fuera de las galerías (por ejemplo, Saint Louis Art Museum , 2008; Museum of Contemporary Art San Diego , 2009). [27] [28] 610-3356 ( Mattress Factory , 2008) empleó un agujero de aproximadamente siete pies de largo en el cuarto piso del museo que se canalizaba hacia abajo y hacia afuera de una ventana del tercer piso para permitir una vista fuera del edificio. [6] [22] [29] [30]
En D-33 (PPOW, 2012) y 33-D (Kunsthaus Baselland, 2014), Oppenheimer modificó el límite entre tres salas contiguas, insertando un par de aberturas oblicuas en las esquinas de los espacios. [3] [31] [7] [32] Las aberturas unían, separaban y alteraban los entornos interconectados, ofreciendo vistas y condiciones de luz cambiantes. Bordeadas con bandas de revestimiento de aluminio oscuro y mate, recordaban las líneas y formas dibujadas de la abstracción geométrica de bordes duros . [3] [7] [32] Roberta Smith del New York Times describió D-33 como "una nueva variación de la galería vacía como arte", que combinaba fuerza gráfica y expresionismo al estilo de Caligari para torcer el espacio "de maneras tanto aparentes como misteriosas". [31] W-120301 (Museo de Arte de Baltimore, 2012) fue la primera obra permanente de Oppenheimer en un museo. [6] [19] Se trataba de tres cortes precisos de cuatro lados (en el techo de una galería del segundo piso, en la pared de una galería del tercer piso y en la pared de una rotonda adyacente) que formaban una forma en forma de Y que se abría hacia un volumen incrustado en los pisos y las paredes. [2] [33] Ella dispuso la abertura para crear vistas "de atajo" inesperadas de espacios ubicados a pocos pies uno del otro, pero experiencialmente remotos. [2] [6] [4]
Oppenheimer amplió su compromiso con los pasillos y las aberturas para incluir particiones móviles y activadas manualmente utilizando el concepto de "interruptor": dispositivos o uniones que modulan o articulan el movimiento y el cambio, como abierto/cerrado, reflexión/transparencia, continuidad/separación. [8] [5] [18] S-399390 (Mudam, 2016) presentó dos pasillos de vidrio habitables que cambiaban repetidamente de posición en el Gran Salón del museo de acuerdo con un esquema orquestado, modificando el movimiento de los visitantes, las líneas de visión y las percepciones del espacio. [8]
Durante una residencia de dos años en el Wexner Center for the Arts, Oppenheimer desarrolló un aparato accionado por humanos, el sistema de montaje de marco rotacional de eje sesgado, por el que recibió una patente estadounidense. [4] [34] [35] [36] Se utilizó en tres ubicaciones: S-281913 ( Perez Art Museum Miami , 2016), S-337473 (Wexner Center for the Arts, 2017) y S-334473 (Mass MoCA, 2019). [17] [4] [ 37] [38] Cada obra presentaba dos volúmenes de vidrio abiertos suspendidos en el aire entre gruesos tubos de acero anclados al suelo y al techo. Los espectadores colocaban los volúmenes en un movimiento giratorio lento alrededor de un eje diagonal. El movimiento iniciaba una secuencia de líneas de visión, umbrales, caminos y coreografías inesperadas entre la obra de arte, el espectador y el entorno construido. [10] [37] [17] [18] Laurent Stalder escribió que el trabajo posterior de Oppenheimer "desafía fundamentalmente la concepción de la arquitectura como una construcción sólida y duradera, proponiendo en cambio una concepción de la arquitectura como un entorno controlado y controlable". [18]
N-01 (Kunstmuseum Thun, 2020) presentó un sistema de exhibición dinámico de umbrales interconectados mecánicamente que, cuando se pusieron en movimiento, cambiaron la posición de los demás. [39] [11] Al describir N-01 , Soyoung Yoon escribió: "Cada componente de la obra se vincula con el otro, se comunica entre sí, y el desafío es vernos a nosotros mismos como un componente dentro de esta serie de vínculos, una serie compleja, aparentemente disyuntiva, que aprendemos a ver como un todo". [39]
Oppenheimer ha recibido becas de la Fundación John S. Guggenheim (2007), [12] la Academia Americana de Roma (2010-1), [13] y la Fundación para las Artes de Nueva York (2016, 2010, 2006). [40] [41] También ha recibido premios de Anonymous was a Woman (2013), [16] la Fundación Joan Mitchell (2011), [14] la Fundación Louis Comfort Tiffany (2009), [42] y la Academia Americana de las Artes y las Letras (2007), entre otros. [43] Su obra pertenece a las colecciones de arte público de Mudam, [8] el Museo de Arte Pérez de Miami, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, [28] Mattress Factory, [30] el Museo de Arte de Baltimore, [44] y la Universidad de Brown. [45]