Rei Naito (内藤 礼, Naito Rei , nacido en 1961) es un artista japonés . El trabajo de Naito se cruza con el minimalismo , el arte conceptual y el arte ambiental , explorando las formas en que la existencia humana se moldea, se siente y se hace evidente en medio de su entorno natural. Utilizando materiales orgánicos y encontrados y creando entornos inmersivos que interactúan con el sonido, la luz y la atmósfera, la práctica de Naito tiene un gran interés en los encuentros íntimos, ambientales y, a menudo, transitorios que surgen entre los individuos y las obras de arte.
Naito representó a Japón en la 47ª Bienal de Venecia (1997) y exhibió su obra de instalación One Place on Earth ( Chijōni hitsotsu no basho o ) en el Pabellón de Japón, llenando todo el interior con la pieza inmersiva. [1] [2] Naito también es conocida por su colaboración con el arquitecto Ryue Nishizawa de SANAA en el Museo de Arte de Teshima , donde su obra Matrix , la única obra de arte expuesta, utiliza formas orgánicas para acentuar la porosidad entre las fases del mundo natural. [3]
En los últimos años, Naito también ha creado obras escultóricas de menor escala que se derivan de formas humanas, junto con su actual práctica de instalación basada en la abstracción. [4] : 167 [5] Matrix (2010) , junto con Being Given (2001), son sus dos obras de instalación permanente, ambas ubicadas dentro del Mar de la Isla de Seto . Su trabajo ha sido ampliamente exhibido y forma parte de colecciones de numerosas instituciones de todo el mundo, incluido el Museo de Arte Contemporáneo del Siglo XXI , el Nuevo Museo , el Museo de Arte de Tel Aviv , el Museo de Arte Moderno, Kamakura y Hayama , la Galería Nacional de Singapur. y el Museo de Arte Moderno . [6]
Naito nació en Hiroshima en 1961. Se matriculó en la Universidad de Arte de Musashino y se graduó en diseño de comunicación visual en 1985. [5]
Apocalypse Palace, una ampliación de su proyecto de graduación en la Universidad de Arte Musashino , sirve como una ilustración temprana del interés de Naito por los entornos inmersivos, la espiritualidad y la centralidad de la experiencia individual en el encuentro artístico. [7] La instalación consistía en una estructura de algodón blanco translúcido similar a una tienda de campaña dentro de la cual se encontraba una larga mesa blanca. Una letanía de objetos hechos a mano con papel, hilo, cuentas, alambre, plástico y otros materiales diversos estaban cuidadosamente dispuestos sobre la mesa, y las lámparas se alineaban en el perímetro de la habitación, impartiendo un luminoso resplandor blanco al espacio. El impulso de Naito fue "crear un lugar espiritual propio", utilizando luz, forma y materiales cotidianos para construir un extenso conjunto parecido a un altar que evocara intimidad a través de su escala y al mismo tiempo aludiera al vibrante ecosistema de una ciudad, mantenida unida por transitorios , piezas frágiles. [7] [8]
La obra se exhibió por primera vez fuera de la universidad en el lugar de exhibición alternativo Sagacho Exhibit Space, y continuó mostrándose en varios contextos, incluso en 1986 en Parco Space 5 como tema de su primera exposición individual. [7]
Naito saltó a la fama internacional con One Place on the Earth , que surgió de su trabajo de instalación anterior utilizando telas y ensamblaje. Se formó un espacio elíptico a partir de una gran tela de franela, dentro de la cual se dispuso en el suelo una constelación de pequeñas piezas escultóricas hechas de material vegetal, hilo, agujas y otros materiales dentro de formas biomórficas delineadas por hilo. [4] : 164 Al llevar sus esculturas desde la mesa al suelo, Naito comenzó a enfatizar la "superficie de la tierra" como un aspecto central de su práctica. [7] : 274 La obra también se ha descrito a menudo a través de metáforas maternas, y curadores como Fumio Nanjo compararon la tienda con "el interior del cuerpo de una mujer". [8] La obra ha sido identificada como la primera dentro de su obra que se describe en términos de "maternidad" por voluntad propia de la artista. [7] : 274
Expuesta por primera vez en Sagacho Art Space en 1991, la obra viajó al New Museum de Nueva York en 1992, a la Galerie du Rond Point de París y a Mostyn de Gales en 1993, y al Museo de Arte de la ciudad de Nagoya en 1995, seguido del pabellón japonés en la Bienal de Venecia en 1997. [9]
Las instrucciones de exhibición de Naito para la pieza estipulaban que la obra sería experimentada por un espectador a la vez, quien entraría después de quitarse los zapatos. El privilegio del encuentro individual y el aislamiento de otros cuerpos resalta la preocupación de Naito por el potencial de la obra de arte para ser objetivada y amortiguada como una "obra de arte" consumible y singularmente comprensible al quedar sujeta al acuerdo de la mirada colectiva en el espacio de la galería. . [10] Al aislar al visitante, afirma Naito, las disparidades de escala entre el espectador y la obra se vuelven más evidentes, emerge una forma distinta de autocomprensión libre de la presencia de fuerzas mediadoras, y el "mundo" producido dentro de los límites del Las obras de arte cambian con cada exposición a un nuevo visitante. [4] : 162
La instalación de Naito en la Bienal de Venecia fue objeto de críticas debido a sus restricciones de asistencia (se admitía un visitante a la vez durante un período de diez minutos, con una asistencia diaria limitada a 40) y las necesidades de mantenimiento que requerían mucho tiempo. [9] Naito permaneció en el lugar durante la exposición, interviniendo cada pocas visitas para inspeccionar y hacer arreglos en el delicado trabajo. [9] En este sentido, el trabajo de Naito también aclaró los desafíos de trabajar dentro de los sistemas de creación de exposiciones contemporáneas, dadas las necesidades de la naturaleza cada vez más acelerada, comercializada y altamente transitada de los festivales de arte globalizados.
Being Taking, la primera obra permanente de Naito, sigue siendo una de las pocas instalaciones permanentes de la artista debido a su tendencia hacia la práctica de instalaciones efímeras y específicas de un lugar. Como parte de las iniciativas artísticas filantrópicas de Benesse en Naoshima , el "Proyecto Casa de Arte" implica el encargo de artistas para restaurar y crear obras de arte específicas del sitio en casas vacías en todo el pueblo de Honmura. [11] Naito recibió el encargo de realizar una instalación dentro de "Kinza", una pequeña minka construida en el siglo XVIII. [11]
Naito despojó a la casa de sus muebles anteriores, derribó las paredes que separaban las cinco habitaciones para crear un único espacio cohesivo, cubrió las ventanas y eliminó el impluvium y el piso para exponer la estructura a los elementos y desenterrar el terreno original del edificio. [12] [4] : 175–176 Se quitó la tierra alrededor del perímetro del edificio para crear una abertura de 15 centímetros alrededor de la base de la habitación, que sirve como única fuente de luz. [4] : 176 Se conservaron los pilares originales, así como el yeso, que se tamizó y se utilizó para revocar las paredes. [9] Como la casa está ubicada dentro de una zona residencial, los sonidos de la vida del mundo exterior a la casa se difunden en el espacio, creando un ambiente que reúne rastros de la vida humana del pasado y el presente, colapsando el tiempo y disolviendo las distinciones entre espacios. . [4] : 176 Se pide a los visitantes que ingresen al espacio uno por uno, mientras Naito anima a los espectadores a "quedarse solos para reconocer la existencia de un mundo exterior". [13]
En 2004, el arquitecto Ryue Nishizawa de SANAA comenzó a trabajar en el diseño de un nuevo museo en el Mar Interior de Seto como parte del desarrollo continuo de proyectos de arte en la región de la corporación Benesse . [14] Nishizawa propuso una estructura de cáscara de hormigón que tenía 40 metros de ancho y 60 metros de largo, alcanzando una altura de 4,5 metros en el vértice del techo curvo, cuando se acercó a Naito, que estaba trabajando simultáneamente en experimentos artísticos con agua y aire. . [14] Se llevaron a cabo una serie de consultas e investigaciones sobre las condiciones climáticas y los cambios estacionales entre los dos, y el trabajo final Bokei [Matrix] se ejecutó con una forma de gota de agua con dos óculos circulares, ubicados a lo largo de una ladera con vistas a los campos de arroz en terrazas. [7] : 279
El aire, el agua, el sonido, las hojas caídas y los insectos fluyen libremente dentro y fuera de la estructura a través de las grandes aberturas ovaladas, difuminando los límites entre el interior y el exterior. [14] De manera similar, los límites categóricos se derrumban, como reflexionó Naito en una entrevista: “La arquitectura, las obras de arte y la naturaleza se difuminan unas en otras y se vuelven una, volviéndose imposible de diferenciar”. [4] : 183
El piso de concreto está marcado por pequeños agujeros que, cuando se presionan, envían agua desde un manantial subterráneo o canalizan el agua hacia otros agujeros, mientras que las gotas emergentes fluyen y se acumulan en el piso casi imperceptiblemente inclinado. [7] : 279 Naito ha determinado cuidadosamente la posición y el número de los agujeros, así como la dirección del flujo y la cantidad de agua de manantial que se mueve a través de ellos. [7] : 279 Los visitantes deben ingresar al espacio descalzos, y el piso repelente al agua ha sido calibrado de manera similar para crear diversos tipos de movimientos e interacciones entre las gotas de agua. [15]
Al centrarse en el paisaje natural de Teshima, la pieza también recuerda la degradación ambiental que comenzó en la región durante la década de 1970 debido al vertido ilegal de desechos industriales en las islas. [16] : 121 La obra reinscribe la naturaleza fundamental del medio ambiente para la vida en Teshima, mientras que su sensibilidad a las dimensiones sensoriales de la naturaleza resalta la curación gradual que ha tenido lugar en la región desde la década de 2000. El énfasis en el agua y sus comportamientos, como señala el crítico Noi Sawaragi, también pone en primer plano los sistemas interactivos del ciclo del agua que sustentan la vida en la isla: "agua de manantial, cursos de agua, arrozales, evaporación, atmósfera, lluvia, filtración subterránea". , agua de manantial. Todo lo que sucede en el Museo de Arte de Teshima representa la 'matriz' del lugar que es Teshima". [16] : 122
Desde 2011, Naito ha comenzado a crear obras que recuerdan a las formas humanas, que se han incorporado a su lenguaje más amplio de abstracción y formas terrenales. [4] : 167 La artista comentó en una entrevista que el proyecto del Museo Teshima significó una cristalización de su pensamiento en torno a los encuentros transitorios y los movimientos infinitos de la vida orgánica; Después de completar el trabajo, avanzó hacia la creación de personas como un modo alternativo de pensar en las experiencias de la vida en la tierra. [4] : 173 Trabajando principalmente con madera, Naito crea figuras pequeñas y anónimas que recuerdan otras tipologías de figurillas y estatuas utilizadas en entornos íntimos, como jizō , kokeshi y dogū . [4] : 169
En 2023, Naito expuso una serie de cincuenta obras de acuarela en la Pinakothek der Moderne de Múnich , Alemania. [17] Combinando franjas acuosas de pigmento, un toque ligero y un uso generoso del espacio negativo, las composiciones atmosféricas de Naito hacen eco del delicado tenor de sus obras escultóricas y exhiben una sensibilidad familiar hacia la tensión entre presencia y ausencia en la forma y la materia.
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