Patrón y Decoración fue un movimiento artístico estadounidense desde mediados de los años 1970 hasta principios de los años 1980. En ocasiones se ha hecho referencia al movimiento como "P&D" [1] [2] o como La nueva decoración. [3] El movimiento fue defendido por la galerista Holly Solomon . [4] El movimiento fue objeto de una exposición retrospectiva en el Museo del Río Hudson en 2008. [1] [5]
El movimiento de Diseño y Decoración estaba formado por artistas, muchos de los cuales tenían formación en educación artística, que habían estado involucrados con las escuelas de arte abstracto de la década de 1960. El clima de pensamiento artístico occidentalizado y dominado por los hombres a lo largo del Modernismo había llevado a una marginación de lo que se consideraba no occidental y femenino. [6] El movimiento P&D quería revivir el interés en formas menores como el modelado, que en ese momento se equiparaba con la trivialidad. La visión negativa predominante sobre la decoración no era generalmente compartida por las culturas no occidentales. [7]
El movimiento de Diseño y Decoración estuvo influenciado por fuentes ajenas a lo que se consideraba bellas artes. Al desdibujar la línea entre arte y diseño, muchos trabajos de P&D imitan patrones como los del papel tapiz, las telas estampadas y las colchas. [1]
Estos artistas también buscaron inspiración fuera de Estados Unidos. La influencia del trabajo de azulejos islámicos de España y el norte de África es visible en los patrones geométricos y florales. Observaron mosaicos mexicanos, romanos y bizantinos; bordados turcos, xilografías japonesas; y alfombras y miniaturas iraníes e indias. [1]
Aunque los materiales originales tienen un atractivo nostálgico, el tratamiento de estas fuentes es modernista. Ben Johnson describe las pinturas así: "Patrón y decoración no distinguían entre fondo y primer plano, ni enfatizaban aspectos específicos de la composición. Más bien, al igual que las pinturas abstractas de la época, cubrían el lienzo de borde a borde en una diseño que lo abarca todo. Al comienzo del movimiento, los artistas de patrones y decoración reaccionaron contra las líneas severas y las composiciones restringidas del minimalismo. Sin embargo, a menudo conservaron la misma 'cuadrícula aplanadora' frecuentemente empleada por los pintores minimalistas. [8]
Algunas obras que encajan en el movimiento P&D podrían considerarse arte aplicado. [9] Los artistas de P&D trabajaron en una variedad de medios más allá de la pintura. Una de las primeras obras más importantes de Joyce Kozloff fue una instalación llamada "Un interior decorado". Incluía cerámica, un piso de baldosas pintadas a mano, tapices serigrafiados y litografías. La pieza fue instalada en la Galería Tibor de Nagy de Nueva York. [10] [11]
Además de sus exuberantes pinturas y collages de flores, Robert Kushner creó trajes ornamentados que se utilizaron en eventos de actuación. [12]
Muchos P&D crearon collages descontextualizando y recombinando elementos dispares para formar nuevos significados. Miriam Schapiro inventó el término "femmage " para describir una combinación de técnicas de pintura y costura. Embelleció el lienzo pintado con trabajos tradicionalmente femeninos, como bordados, puntos de cruz y acolchados. [13]
Aparte de los ensamblajes físicos, los artistas tomaron prestados fragmentos de otras culturas y fuentes; por lo tanto, el collage fue crucial para el concepto del movimiento. Críticos como Anne Swartz utilizan esta recombinación de materiales originales como evidencia de que el movimiento de Diseño y Decoración es un ejemplo temprano de posmodernismo . [5]
Los artistas de P&D disfrutaron de un período de éxito financiero y de crítica; sus obras fueron muy buscadas y ampliamente recopiladas tanto en América como en Europa. Sin embargo, a partir de la década de 1980 la crítica lo desestimó en gran medida. [1] Los motivos de la reacción son múltiples y están abiertos a debate. El crítico del NYT, Holland Cotter, ofrece la siguiente explicación: "El arte asociado con el feminismo siempre ha tenido una prensa hostil. Y estaba el tema de la belleza. A finales de los años 80, neoexpresionistas y neoconceptualistas, nadie sabía qué hacer con los corazones, los turcos. flores, papel pintado y arabescos."
En 2008, el Museo de Arte del Río Hudson en Yonkers, Nueva York, organizó una importante exposición titulada "Patrón y decoración: una visión ideal en el arte estadounidense, 1975-1985", que buscaba restablecer su reputación como un movimiento serio. La curadora Anne Swartz afirma que en ese momento el público se sentía incómodo con la sensualidad sin complejos: "Sospecho que hasta hace poco, un cierto puritanismo rodeaba la visión del arte feminista que impedía que fuera visto como aceptable cuando era sexualmente excitante y provocativo. Así que cuando El arte P&D utilizó algunos de los mecanismos del arte feminista (provocación, placer, suavidad, etc.) y desafió los sistemas intelectuales que se suponía que estaban más presentes en la mente del espectador". [5] Hubo un renacimiento del interés y la atención crítica como resultado de la nueva erudición. Cotter continúa explicando por qué el clima contemporáneo es más capaz de comprender y apreciar el movimiento: "Gracias al multiculturalismo y las políticas de identidad, ahora sabemos mejor qué hacer con ellos; los horizontes del mundo del arte son inmensamente más amplios que hace dos décadas. ". [1]
Existe una estrecha conexión entre el movimiento de Patrones y Decoración y el movimiento artístico feminista . [5] El movimiento P&D surgió en oposición a los movimientos minimalista y conceptualista, [ cita necesaria ] que valoraban la austeridad y degradaban la ornamentación y la artesanía.
En su ensayo de 1978, ampliamente antologizado, "Art Hysterical Notions of Progress and Culture", las artistas de P&D Joyce Kozloff y Valerie Jaudon explicaron cómo pensaban que los supuestos sexistas y racistas subyacían al discurso de la historia del arte occidental. Reafirmaron el valor de la ornamentación y la belleza estética, cualidades asignadas a la esfera femenina. [14] [6] [15]
Las imágenes, los estampados y la decoración florales se asocian con lo femenino. Los artistas de P&D incluyeron elementos de artesanías como bordado y pedrería, que tradicionalmente eran realizadas por mujeres dentro del ámbito doméstico . Al incluir estos elementos en su trabajo, desmantelan la jerarquía de las bellas artes sobre la artesanía y, por lo tanto, plantean preguntas sobre los espacios públicos (masculinos) versus los domésticos (femeninos), y las bellas artes versus los objetos utilitarios. [dieciséis]
Sin embargo, los críticos discuten sobre hasta qué punto el movimiento P&D puede considerarse feminista. Aunque Kozloff y Jaudon fueron explícitos acerca de su agenda feminista, los artistas masculinos Robert Kushner (artista) y Kim MacConnel a veces evitaron la etiqueta. [17] Hablaron más abiertamente sobre su motivación estética para dedicarse a la decoración. Escribe Kushner: "Para la aceptación de galerías y museos, si el arte era de aspecto industrial, rectangular y gris, negro o blanco, se mostraba... Todo lo demás (excepto la pintura de campo de color, que hoy puede verse como minimalismo en tecnicolor). ) parecían estar marginados. Esto simplemente no encajaba con muchos de nuestros temperamentos. Gray era aburrido. Queríamos que nuestro arte fuera una experiencia duradera que requiriera mucho tiempo para decodificarla completamente". [18]
Dado que estos artistas masculinos ayudaron a definir el movimiento P&D y tuvieron éxito comercial, [19] existe desacuerdo sobre si se llama a P&D un movimiento de mujeres. Por otro lado, Carissa DiGiovanni sostiene que la distancia de los artistas masculinos con respecto a la causa feminista en realidad la hizo avanzar en general al tomar la estética femenina y hacerla aceptable para el establishment del arte. [20]
Además de la retrospectiva de 2008 mencionada anteriormente, en 2019 Anna Katz fue curadora de la exposición del museo Con placer: patrón y decoración en el arte estadounidense 1972-1985, que se presentó en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles del 27 de octubre de 2019 al 18 de mayo de 2020. [21] Posteriormente , la exposición viajó al Museo de Arte Hessel, Bard College, del 26 de junio al 28 de noviembre de 2021. [22]