Paolo Carosone (nacido el 8 de enero de 1941 en Roma, Italia ) es un pintor, escultor, grabador y artista multimedia italiano.
Paolo Carosone vivió en Roma hasta 1960, cuando se fue a Ámsterdam para estudiar dibujo y escultura en el Instituut voor Kunstnijverheidsonderwijs hasta 1962. Para pagar sus estudios, realizó estatuas de yeso en un taller de artículos religiosos y se convirtió en guía en el Mercado Internacional de Flores de Aalsmeer , Países Bajos, donde se interesó profundamente por la botánica.
En 1962 se trasladó a Copenhague , Dinamarca, para estudiar grabado con el profesor Holger Jensen en la Real Academia Danesa de Bellas Artes , donde recibió dos becas anuales del Gobierno danés. Permaneció en Copenhague hasta 1966. Durante su estancia en la academia desarrolló un fuerte interés por las ciencias naturales (en concreto, por la entomología ) y por la música. Produjo sus primeros "bajorrelieves sonoros": esculturas que podían ser "tocadas" por el público a través de diversos mecanismos.
La primera gran exposición de su obra se celebró en la galería Gammel Strand de Copenhague. En 1965, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo de Arte de Filadelfia adquirieron varias de sus obras. La American Art Gallery de Copenhague también representó sus obras en todo el mundo. En Italia , la primera gran exposición de su obra gráfica se celebró en la Calcografia Nazionale de Roma, dirigida entonces por Maurizio Calvesi.
De 1966 a 1970 vivió en Japón , donde estudió grabado en madera ukiyo-e . El profesor T. Ono de la Universidad de las Artes de Tokio (Tokyo Geijutsu Daigaku) [1] le presentó talleres centrados en la laca , pintores de Nihonga , maestros de la caligrafía y artesanos de katanas . Con el apoyo de la Galería Minami de Tokio y la ayuda de cuatro ingenieros informáticos, diseñó y construyó el «Órgano alado para reproducir música mediante ondas cerebrales», una escultura audiocinética muy sofisticada que convertía las ondas del cerebro humano, los latidos del corazón, la respiración, la temperatura corporal y la presión sanguínea en sonido electrónico.
Shimizu Kusuo, propietario de la galería, le presentó al compositor Toru Takemitsu , que más tarde le dedicó un capítulo entero de su libro Oto to Chinmoku to Hakari aeru hodo ni ("Enfrentando el sonido y el silencio"). En 1970 abandonó Japón y llegó a Los Ángeles a bordo del carguero Rose como único pasajero, con sus numerosas esculturas y proyectos.
En Santa Mónica se alojó en casa del pintor Sam Francis, quien lo introdujo en la escena artística de Los Ángeles. Convirtió una antigua tienda de mascotas cerca de la playa de Santa Mónica en su taller-laboratorio. Comenzó a trabajar en una serie de esculturas cinéticas inspiradas en la arquitectura californiana de 1930 , tituladas “Monumentos a los autómatas”.
Trabajó durante dos meses en la realización de una película multipantalla llamada “No pulir el latón”, que muestra el origen e inspiración de sus imágenes. Patrocinado por el Instituto Cultural Italiano de Belgrado en Yugoslavia , expuso un conjunto de grabados inspirados en antiguas imágenes médicas en la galería Graficki Kolectiv. Dio una conferencia titulada “El hombre como parásito del universo” en el centro cultural “Dom Omladine” donde también se exhibe su película “No pulir el latón”. La misma exposición viajó a la “Maison de l'Art” en Beirut .
En 1972 regresó a Los Ángeles, donde tuvo gran éxito una exposición dedicada a su obra en la “Esther-Robles Gallery”. Impartió una serie de conferencias en el “Los Angeles County Museum”, el “Pasadena Museum of Art”, el “Otis Art Institute” y el “San Francisco Museum of Art” bajo el título “La composición heterogénea de mi mundo poético”.
De regreso a Europa, trabajó en Roma durante cuatro meses en una nueva serie de grabados titulada “Love Wounds”, figuras neoclásicas cubiertas con gasas y vendas. Regresó a California, donde impartió clases de grabado durante dos años en la Universidad de California en Berkeley , donde tuvo acceso a los distintos laboratorios de los departamentos de ciencias y realizó experimentos sobre el flujo de arenas y cristales de colores a través de tubos llenos de gases nobles.
En 1974, después de exponer sus obras en la “Gallery Allen” de Vancouver , regresó a Roma donde comenzó a trabajar en una serie de grabados titulada “Impressed Images” que explotan el doble significado de “imprimido”, como “impreso en la memoria” o “impreso en el papel”. Esta serie fue un viaje a través de la nostalgia. De regreso a los Estados Unidos, comenzó una nueva serie de esculturas en resina epoxi a las que llamó “Herobots”, un término acuñado por la fusión de “Hero” y “Robot”.
En 1980 expuso en la “Galería del Templo” de Roma una reconstrucción visionaria (a escala 1:16) del obelisco de la Piazza del Popolo reestructurado en estilo neoclásico por el arquitecto Giuseppe Valadier . La pieza fue realizada introduciendo elementos escultóricos realizados por ordenador. Impulsado por su creciente interés por los sistemas de transcripción de las lenguas del mundo, produjo, mediante elaboración por ordenador, una serie de “Jeroglíficos Tecnológicos” en resina epoxi.
Se convirtió en profesor visitante y luego profesor asistente en la Escuela de Arte Tyler de la Universidad de Temple [2] en Roma, donde enseña escultura hasta 1988. En 1981, en la “Fundación Lerici” de Estocolmo, inauguró una exposición itinerante por las principales ciudades europeas titulada “Plastica Visionaria”. El director del Museo Zoológico de Roma lo recibió a él y a sus estudiantes en el Departamento de Taxidermia . El acceso libre a las piezas expuestas representó una importante fuente de inspiración, que daría lugar a muchos dibujos, fotografías, modelos, moldes de yeso de animales y estructuras óseas, que finalmente darían lugar al “Museo de Historia No Natural”, una serie de cajas que contienen Insectos y otros “Animales Mecánicos”.
La NASA lo invitó a participar en el “NASA Fine Art Program” con la tarea de documentar a través de su trabajo el lanzamiento del transbordador espacial Challenger en el Centro Espacial Kennedy de Cabo Cañaveral . Por ello, estuvo presente –dibujando detalles de la plataforma de lanzamiento y del transbordador– en el desafortunado lanzamiento de 1986 donde el Challenger fue destruido. Luego creó para el Museo de Arte de la NASA un obelisco de 6 metros de altura en resina epoxi para conmemorar el transbordador espacial “Challenger”.
Los nombres de los siete astronautas que perdieron la vida en el desastre están escritos en el obelisco mediante un “Sistema de Transcripción Universal del Lenguaje Tridimensional”, un código jeroglífico capaz de transcribir racionalmente todas las lenguas humanas codificando los constituyentes articulatorios mínimos de sus sonidos. Este sistema se ha desarrollado en colaboración con Francesco Antinucci, director de investigación del Instituto de Ciencias Cognitivas del Consejo Nacional de Investigación (CNR) de Roma.
Durante los años 90 continuó experimentando con el “proceso de fotofresado”, realizando esculturas y bajorrelieves en acero inoxidable, bronce fosforoso, aluminio y latón, y también trabajando en las esculturas Mitos Robóticos, retratos idealizados de los clásicos antiguos con elementos robóticos. También inició un ciclo de “Esculturas Mecánicas” inspiradas en el mundo marino. Los temas son principalmente cangrejos, langostas, rayas y conchas, y también aves marinas. También realiza algunos moldes de un gran “Limulus Poliphemus” (un artrópodo del Triásico Inferior) que luego transforma en cascos, barcos y máquinas de guerra.
Pintó una serie de láminas zoológicas y botánicas, fruto de la fusión del mundo vegetal y animal, continuando el proyecto iniciado en 1980 con el “Museo de Historia Antinatural”. Muchas de estas imágenes se traducen en modelos escultóricos de forma manual o mediante el proceso de “ prototipado rápido ” utilizado en la industria.