María Elena González (nacida en 1957) es una escultora cubano-estadounidense radicada en Brooklyn y el Área de la Bahía . [1] [2] [3] Es conocida por sus objetos, instalaciones y arte público que entrelazan la forma posminimalista , el arte conceptual y la preocupación por los materiales y la artesanía. [4] [5] [6] Sus primeros trabajos exploraron temas de memoria, familia, identidad, pérdida y dislocación a través de modos formales, arquitectónicos y cartográficos que abordan el sitio, el lugar y las circunstancias sociales; [7] [8] [9] Su trabajo posterior establece conexiones entre la naturaleza y el arte, involucrando una amplia gama de medios y experiencias sensoriales. [1] [10] En 2020, la artista y académica Ellen Levy escribió "El arte de González reinventa la naturaleza como cultura" a través de una "sintonía exquisita" que descubre analogías formales y temáticas entre ambos reinos y conexiones sinestésicas entre los sentidos visuales y auditivos. [11]
González ha sido galardonada con una beca Guggenheim , [12] el Premio Roma , [13] y un premio Anonymous Was a Woman , [14] entre otros reconocimientos. Su obra pertenece a las colecciones públicas de museos internacionales, incluidos el Solomon R. Guggenheim Museum , el Kunstmuseum Basel , el Museum of Arts and Design y el Museum Arnhem (Países Bajos). [2] [15] [12]
González nació en 1957 en La Habana. [2] En 1968, su familia se exilió y se mudó a Miami. [3] Obtuvo títulos de escultura en la Universidad Internacional de Florida (BFA, 1979) y la Universidad Estatal de San Francisco (MA, 1983), donde recibió la influencia del arte minimalista y conceptual. [2] En 1984, se mudó a la ciudad de Nueva York. [2]
González comenzó a recibir un amplio reconocimiento a través de exposiciones individuales en El Museo del Barrio (1996-97), Hallwalls (1998), The Project (1999) y el Museo de Arte del Bronx (2002), [16] [17] [8] así como su proyecto de arte público Magic Carpet/Home (1999/2003), presentado por el Public Art Fund y Los Angeles Contemporary Exhibitions (LACE), respectivamente. [7] [9] Posteriormente ha realizado exposiciones individuales en The Project (2002, 2006), Knoedler & Co. (2006, 2008) y Hirschl & Adler Modern (2017) en Nueva York, Contemporary Museum, Honolulu (2006) y Galerie Gisèle Linder (Basilea, 2005, 2009, 2011), entre otros lugares. [5] [1] [18] [19] Su obra ha aparecido en encuestas como "Greater New York" ( MoMA PS1 , 2000), [20] Sonsbeek 9 (2001), [21] "The Shapes of Space" (Museo Guggenheim, 2007), [22] "Home: So Different, So Appealing" (LACMA, 2017), [23] y "Relational Undercurrents: Contemporary Art of the Caribbean Archipelago" ( Museo de Arte Latinoamericano , 2017). [24]
Además de su práctica artística, González ha enseñado en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan , Cooper Union y el Instituto de Arte de San Francisco (SFAI). [25] [15]
La crítica Martha Schwendener describió el trabajo temprano de González como discreto e informado por la arquitectura y su pasado, señalando que "al igual que Eva Hesse y Roni Horn , [González] intercala el vocabulario del minimalismo con detalles personales... La pérdida se aferra a su trabajo y sus materiales funcionan como magdalenas proustianas actualizadas ". [4] Su instalación escultórica Resting Spots (1999) consistía en formas de columnas bajas de madera como tambores curvos cubiertos con azulejos blancos que The New York Times comparó con una colaboración entre Antonio Gaudí y Agnes Martin ; sugiriendo asientos, sirvieron como marcadores conmemorativos para sus padres fallecidos. [17] [4]
En varios proyectos, González exploró temas similares al mapear los planos arquitectónicos de las casas sobre formas minimalistas usando contornos similares a planos. [7] [8] [9] Para la escultura al aire libre específica del sitio Magic Carpet/Home (1999/2003/2017)—instalada en parques en Red Hook, Brooklyn, Pittsburgh y Los Ángeles—González pintó los planos de unidades de vivienda pública locales sobre plataformas de madera onduladas revestidas con material de juegos de caucho reciclado. [7] [9] [1] Los críticos notaron las yuxtaposiciones inusuales de la obra—comentarios sociales puntuales, alusiones modernistas "elevadas" (a artistas como Carl Andre ) y amplio atractivo—que transformaron realidades sociales sombrías en una alfombra voladora ondulada que evoca fantasía e imaginación. [7] [9] [26] Peter Schjeldahl describió la presentación de la obra en LACMA (2017) como "lacónicamente inquietante" en su superposición de espacios reducidos sobre una estructura de juegos en un parque con césped. [26]
Arquitectura Mnemónica (Bronx Museum of Art, 2002) fue una recreación a tamaño real, deliberadamente inexacta, de la memoria del diseño de la casa de la infancia de González en Cuba, utilizando líneas que desaparecían o se enfocaban según el punto de vista. [8] [1] [2] Su exposición "UN Real Estates" ( Art in General , 2003) exploró la experiencia transitoria de inmigrantes, refugiados (y artistas), conectando la memoria, la imaginación, la arquitectura y un sentido del hogar como algo fluido; empleó planos residenciales grabados en relieve sobre baldosas de hormigón onduladas dispuestas en patrones o impresos en paneles tipo estera de caucho grueso y translúcido. [4] [6]
En exposiciones que incluyeron solos en The Project y Knoedler & Co. (2002, 2006), González amplió su repertorio formal en direcciones menos abiertamente autobiográficas y más teatrales. [8] [5] [27] La primera muestra transmitía un estado de ánimo de inquietud y energía emocional reprimida que se centraba en una estructura de torre eléctrica frágil y de aspecto siniestro que se repetía en negativos fotográficos alterados a mano, una pequeña escultura de vidrio y una silueta trazada en papel con recortes de uñas. [8] La segunda muestra, titulada "Internal DupliCity", presentó nueve formas arquitectónicas mínimas de color rojo sangre colocadas sobre pedestales blancos y encerradas en cubos de plexiglás esmerilado que las oscurecían parcialmente y que Holland Cotter caracterizó como "una ciudad fantasma, familiar pero inaccesible, filtrada a través de la niebla". Las estructuras, basadas en recuerdos de villas renacentistas, cobertizos agrarios, bóvedas funerarias e iglesias vistas durante una confraternidad en Roma, evocaron asociaciones con relicarios católicos, casas de muñecas y temas de larga data de pérdida y hogares recordados o imaginados. [5] [3] [28]
En los años siguientes, González se ha movido hacia una profunda contemplación de la naturaleza y el paisaje, explorados en un cuerpo de trabajo sinestésico que involucra diversos materiales, medios (sonido, video, música, esculturas y obras en papel) y los sentidos visual, auditivo, táctil y cinético. [11] [1] En 2010, creó la obra al aire libre, específica del sitio, You & Me ( Storm King Art Center ), instalando vigas y plataformas a lo largo de un parque de esculturas que invitaba a los participantes a pararse en espacios designados, haciéndolos parecer ubicados sobre o dentro de otras obras de arte. [2]
El trabajo posterior de González, en particular, el proyecto de más de diez años Tree Talk , se inspiró inicialmente en su experiencia con los abedules en los bosques de Maine que rodean la Escuela Skowhegan en 2005. [1] [11] [29] Fascinada con la corteza blanca y sus líneas y estrías negras en forma de código ( lenticelas ), comenzó a quitarla de los árboles caídos, esforzándose por capturar la "personalidad" distintiva de cada uno en collages de pergamino, presentaciones aplanadas y frotados (por ejemplo, Bark Framed #5 , 2012; T2 (Bark) , 2015). [1] [30] [11] Después de conectar visualmente las marcas de la corteza con el formato de los rollos de música de pianola, se interesó en la idea de que los árboles se comunicaran y tradujo digitalmente los patrones de tres abedules, luego rollos cortados con láser para pianola. [10] [31] [32] Las "partituras" resultantes, interpretadas en pianolas reales como interpretaciones o grabaciones en varias exposiciones, han sido descritas por los críticos como inesperadamente modernas, "oscuras y atonales", [10] y "inquietantes". [31] [1]
En las exposiciones "Tempo" (Hirschl & Adler Modern, 2017) y "Tree Talk" ( Mills College Art Museum , Brattleboro Museum and Art Center , 2019), González ofreció reflexiones multisensoriales y multimodales sobre el arte y la naturaleza. [1] [33] Incluyeron una instalación de video que representa una vista del lago Wesserunsett (donde concibió por primera vez la serie Tree Talk ) unida por dos sillas en miniatura hechas de abedul recolectado en el lugar; objetos cilíndricos hechos en madera, hormigón y cerámica que se hacían eco de la forma del rollo de música de piano; frotamientos a gran escala y dibujos abstractos de vetas de corteza; y fragmentos enmarcados de la corteza real. [1] [30] [34] Para la muestra de Mills College, González colaboró con los compositores John Ivers y Marc Zollinger. [35]
La serie posterior de González, titulada "Repairs" (2020– ), surgió a partir de "Tree Talk", la pandemia de COVID-19 y el cierre del SFAI, así como de preocupaciones más amplias sobre el medio ambiente y el consumo de materiales. Sus esculturas se han obtenido de materiales rotos y descartados (tazas y platos de cerámica dañados, porcelana encontrada y restos de madera) que ella recolecta o "repara" para crear nuevas obras. [36]
González ha sido galardonada con becas de las fundaciones Guggenheim (2006) y Fleishhacker (2019), [12] [37] el Premio de la Academia Americana en Roma (2003-04), y el gran premio de la 30ª Bienal de Artes Gráficas (2013). [1] [38] Ha recibido becas de la Fundación Cintas (1989, 1994), [39] Fundación Pollock-Krasner (1991, 1998, 2010), [40] Anonymous Was a Woman (1997), [14] Fundación Louis Comfort Tiffany (1997), [41] Fundación Joan Mitchell (1998), [42] y Creative Capital (1999), [15] entre otros premios.
Su obra pertenece a las colecciones públicas del Kunstmuseum Basel, Contemporary Museum, Honolulu, Museum Biedermann , Museum of Arts and Design, The New School for Social Research , North Carolina Museum of Art , Rhode Island School of Design Museum , Solomon R. Guggenheim Museum y Museum Arnhem, entre otros. [15] [12] [43] [44] [2]