Lygia Pape (7 de abril de 1927 – 3 de mayo de 2004) fue una artista visual , escultora, grabadora y cineasta brasileña, figura clave del movimiento Concreto y cofundadora posterior del Movimiento Neoconcreto en Brasil durante la década de 1950. y 1960. [1] Junto con Hélio Oiticica y Lygia Clark , fue una artista importante en la expansión del arte contemporáneo en Brasil e impulsó el arte geométrico para incluir aspectos de interacción y comprometerse con temas éticos y políticos. [2]
Lygia Pape nació el 7 de abril de 1927 en Nova Friburgo , Brasil . [1] Pape estudió filosofía en la Universidad Federal de Río de Janeiro (UFTJ). [3] Posteriormente, recibió una formación informal en bellas artes y estudió con Fayga Ostrower en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro . [4]
A la edad de 20 años, Pape se había unido al movimiento de arte concreto . El término "arte concreto" fue acuñado por el artista holandés Theo van Doesburg en 1930. [5]
En la década de 1950, Pape creó su Serie Tecelares. Las estampas en madera de Tecelares fueron originalmente vistas puramente como obras de arte concreto debido a su estética precisa y geométrica. Los grabados en madera son minimalistas; Presentan planos de tinta negra y líneas finas que revelan el papel de arroz blanco que hay debajo. La producción de la serie parece sencilla: Pape incidió toda la superficie del bloque de madera con líneas finas, agregando varias líneas no ortogonales para crear la apariencia de planos distintos y la sugerencia de movimiento y espacio en una obra que de otro modo sería plana y estática. . [6] En Tecelares, Lygia Pape utilizó el "tejido" como metáfora para evocar el trabajo manual y una conexión con la cultura tradicional e indígena de Brasil. [6] Pape habló de cómo las culturas indígenas brasileñas habían utilizado la geometría para expresar conceptos fundamentales, como el concepto de identidad colectiva. [6] Así, para Lygia Pape, la geometría no representaba industria ni mecanización, sino que expresaba un lenguaje trascendente. [6] En lugar de utilizar una composición rígida y cuadriculada, Pape combinó patrones naturales y orgánicos con líneas incisas que se entrelazan para formar "deformación y trama". [6] Pape utilizó materiales simples, mínimamente elaborados por sus propias manos para incorporar expresión en una obra que no es expresionista. [6]
Esta obra de arte de 1959 de la serie Tecelares utiliza la misma técnica de tallado en madera y está marcada por finas líneas paralelas que se ven interrumpidas por las líneas no ortogonales que atraviesan la impresión. Las dos líneas orientadas horizontalmente que atraviesan la impresión rompen la continuidad de las líneas paralelas, creando la ilusión de una llanura separada y, por tanto, de espacio.
Aunque Pape utilizó una regla y un compás para crear las líneas en Sem Título [Sin título] (1959), hay ligeras variaciones en el ancho de las líneas, lo que revela que las formas fueron hechas por una mano y no por una máquina. Además, la delicadeza del papel de arroz había absorbido la tinta, creando bordes imprecisos. La tinta negra del fondo de la impresión en madera también revela la veta natural de la madera de la impresión en bloque, ya que se pueden ver las marcas porosas de la madera entre las líneas incisas en la impresión. Entonces, a pesar de la identidad originalmente Concreta del grabado en madera, Sem Título [Sin título] (1959), ahora se entiende como una pieza de transición del movimiento Concreto al Neo-Concreto, ya que está impregnada de cualidades no mecánicas y "hechas a mano" que parecen más expresivo que mecanicista. [6]
La versión de los años 60 de Tecelares es aún más orgánica y expresiva que la versión anterior de 1959. La impresión muestra la veta del bloque de madera aún más abiertamente en la parte inferior de la impresión, mientras que la parte superior permanece relativamente apagada. Como en los otros grabados de esta serie, Sem Título [Sin título] (1960) está cortado por líneas diagonales que interrumpen la continuidad del patrón horizontal de vetas de la madera, creando movimiento y planos distintos en la obra de arte, aunque son considerablemente más sutiles que las 1959 Sem Título [Sin título] impresión de la misma serie. También similar a la impresión de 1959, la impresión de 1960 tiene la misma calidad imprecisa creada por el difuminado de la tinta sobre el papel de arroz. También tiene una cualidad muy orgánica, que se produce a través de los patrones y remolinos de la veta de la madera. Debido a este patrón orgánico, esta impresión parece oponerse abiertamente a las propiedades mecánicas asociadas con el arte concreto. [6]
En 1952, a la edad de 25 años, Pape conoció a sus compañeros artistas brasileños Hélio Oiticica, Ivan Serpa y Aluísio Carvão. Juntos el cuarteto formó el Grupo Frente. [7] [8] El Grupo Frente organizó un movimiento sutil que rechazó el estilo de pintura nacional de Brasil. El Grupo Frente comenzó a explorar estilos artísticos abstractos y concretos que se distanciaban del arte excesivamente político. [7] El grupo estaba unido por su deseo de rechazar el arte brasileño moderno. El Grupo Frente fue revolucionario por sus estudios de línea, forma y color. [9] El Grupo Frente organizó dos exposiciones individuales. Su primera exposición fue en la galería Ibeu de Río en 1954, bajo la dirección artística de Ferreira Gullar. Su segunda exposición fue en 1955 en el Museo de Arte Moderno de Río. [10] Ambas exhibiciones destacaron el uso no tradicional de líneas, formas geométricas y colores.
Después de su participación con los artistas del Grupo Frente Concreto, Pape hizo la transición a la ola corta del arte neoconcreto.
Como sugirió la académica Adele Nelson, el artista del Grupo Ruptura Waldemar Cordeiro y el Grupo Frente Ferreira Gullar mantuvieron un debate sobre el “rigor inadecuado y excesivo de cada uno en sus respectivos enfoques de la abstracción geométrica”, que promovió e inspiró a los ex miembros del Grupo Frente, incluida Lygia. Pape para iniciar el movimiento Neo-Concreto en 1959. El Movimiento Neo-Concreto aboga por una experiencia visual más expresiva y corpórea que el enfoque artístico “demasiado racional” adoptado por el Grupo Ruptura. [11]
En 1959 Pape fue signatario del Manifiesto Neoconcreto, junto con Lygia Clark y Helio Oiticica . [12] Al explicar su enfoque, Lygia Pape dijo:
Mi preocupación siempre es la invención. Siempre quiero inventar un lenguaje nuevo que sea diferente para mí y para los demás también... Quiero descubrir cosas nuevas. Porque para mí el arte es una forma de conocer el mundo... de ver cómo es el mundo... de conocer el mundo. [13]
Pape específicamente durante su período Neoconcreto estaba interesada en la “propuesta de 'vivir el cuerpo'”. [14] Esta frase indica el interés de Pape en cómo el cuerpo físico actúa como nuestro mediador para todas las experiencias sensuales. Pape buscó explorar esta idea de la relación del cuerpo en el espacio creando experiencias multisensoriales en su obra de arte. [14]
La escultura/libro/poema Livro da Criacao [Libro de la Creación] es emblemático de las primeras obras neoconcretas. La obra consta de dieciséis "páginas" de cartón sin encuadernar. Las páginas miden 12 x 12 pulgadas cada una y presentan imágenes abstractas que se supone que representan un momento significativo en la creación del mundo, como la disminución del agua, el descubrimiento del fuego y la agricultura, la caza y la navegación. [6] Como artista neoconcreta, el Livro da Criacao [Libro de la Creación] de Lygia Pape sintetiza razón y emoción. Se pretende que el participante tenga una experiencia fenomenológica al manipular el libro. Cada lectura de la obra puede ser diferente según las experiencias de cada individuo. Como señaló Lygia Pape: "Es importante decir que hay dos lecturas plausibles: para mí es el libro de la creación del mundo, pero para otros puede ser el libro de la "creación". A través de las experiencias de cada persona, hay un proceso de estructura abierta a través del cual cada estructura puede generar su propia lectura." [6]
Posteriormente, en las décadas de 1960 y 1970, Pape produjo más videos e instalaciones utilizando metáforas sarcásticas y críticas contra la dictadura brasileña. A partir de la década de 1980, estas metáforas se volvieron más sutiles. [15]
Entre los vídeos producidos en este período, la película fundamental realizada en 1975 por Pape, Eat Me, ha evocado el interés por explorar la atracción y la repulsión en el género y la sexualidad. Los movimientos sensuales de una boca femenina y masculina se presentan en cámara lenta, lo que se conoce como implicación de una vagina, así como las acciones de “chupar y expulsar objetos”, según Claudia Calirman. [16] Aunque Pape insistió en que este trabajo no debe verse como una tesis, la película revela sexismo al “implicar al espectador en la cosificación de las mujeres”. [11]
Su obra de arte funcionó como un vehículo para experiencias de vida existenciales , sensoriales y psicológicas, muchas de ellas basadas en la geometría y que dependen tanto de la participación intelectual como física del espectador. En una obra de 1967, O Ovo , los participantes de la instalación se arrastraban dentro de una estructura en forma de cubo de tablas de madera cubiertas con una película de plástico y luego empujaban la película para simular el acto de nacer. [17]
De 1972 a 1985, Pape enseñó semiótica en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Santa Úrsula de Río de Janeiro, y también fue nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Río de Janeiro en 1983. En 1980 obtuvo una maestría en filosofía en la Universidad Federal de Río de Janeiro . [1] En su enseñanza, Pape presentó a sus estudiantes, en su mayoría de clase media y alta, la arquitectura informal de las favelas de Río de Janeiro , con especial atención a Maré . [18] En sus películas, fotografías y enseñanza de las décadas de 1970 y 1980, Pape buscó investigar las formas arquitectónicas y la sociabilidad del espacio urbano en Río de Janeiro. [18]
En 1981, Pape recibió una beca Guggenheim. [19]
La primera exposición retrospectiva de Pape se llevó a cabo en 2000, con un enfoque cercano en su práctica impresa en una delimitación cronológica. Consideró estas obras como “una fuente generativa de sus más de cincuenta años de creación artística”. Al reinterpretar estas obras de arte, Pape también adoptó, sin sorpresa, la forma de la fotografía. [11]
De todas las obras de Pape, Ttéias (1979) es quizás la más emblemática de su proceso artístico. [2] El Ttéias fue concebido por primera vez en 1979, pero no fue hasta la década de 1990 que se produjo a gran escala. [2] En 1978 Lygia Pape comenzó a experimentar arreglando y reordenando cuerdas metálicas junto con sus alumnos en los Jardines del Parque Lage en Río de Janeiro. [20] Pape inventó la palabra "Ttéias", que es un juego de palabras basado en la palabra portuguesa para "web" ("teia") y "una persona o cosa de gracia" ("teteia"). [21] Esta serie consiste en una puesta en escena inmersiva de prismas semitransparentes, los cuales fueron creados utilizando hilo de oro. [22] Esta pieza combina realismo y arte imaginario, permitiendo al espectador interpretar a Ttéias al caminar a través de ella. [20]
Pape murió el 3 de mayo de 2004 en Río de Janeiro a la edad de 77 años. [1]
Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Moderno, [23] el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , [24] y la Tate , [25]
El trabajo de Pape se incluyó en la exposición de 2021 Mujeres en la abstracción en el Centro Pompidou . [26]
Pape no trabajó con una galería comercial hasta más tarde en su vida. [34]
Projeto Lygia Pape, el patrimonio de la artista, fue fundado por la artista antes de su muerte en 2004 y está administrado por su hija Paula Pape. [35] En 2017, Paula Pape presentó una demanda en el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York contra LG Electronics , varios proveedores de sus teléfonos móviles y Getty Images Korea , alegando una infracción de los derechos de autor de la escultura TtEia 1 de 2003 de su madre. , C en materiales de embalaje, publicidad y promociones para el teléfono móvil K20 V. [36]