El arte ponible , también conocido como Artwear o "arte para llevar" , se refiere a piezas de arte en forma de ropa o piezas de joyería . [1] : 12 Estas piezas suelen estar hechas a mano y se producen solo una vez o como una serie muy limitada. Las prendas de vestir suelen estar hechas con materiales fibrosos y técnicas tradicionales como crochet, tejido, acolchado, pero también pueden incluir láminas de plástico, metales, papel y más. Si bien la fabricación de cualquier prenda de vestir u otro objeto ponible generalmente implica consideraciones estéticas, el término arte ponible implica que la obra está destinada a ser aceptada como una creación o declaración artística. El arte ponible está destinado a llamar la atención mientras se exhibe, modela o usa en actuaciones . [2] Las piezas pueden venderse y exhibirse.
El arte ponible se sitúa en la encrucijada de la artesanía, la moda y el arte. [1] : 12 La idea moderna del arte ponible parece haber surgido más de una vez en diversas formas. Los historiadores de la joyería identifican un movimiento de arte ponible que abarca aproximadamente los años 1930 a 1960. [3] Los historiadores de textiles y vestuario consideran que el movimiento de arte ponible floreció en la década de 1960, [4] heredando de las Artes y Oficios de la década de 1850. [1]
Su importancia creció en la década de 1970, impulsada por las subculturas hippie y mod , y junto con el craftivismo , las artes textiles y el arte feminista . Los artistas que se identifican con este movimiento son abrumadoramente mujeres. [1] : 8 A fines de la década de 1990, el arte portátil se vuelve difícil de distinguir de la moda, [5] : 142 y en las décadas de 2000 y 2010 comienza a integrar nuevos materiales como la electrónica. [6]
El movimiento del arte portátil hereda del movimiento Arts and Crafts, que buscaba integrar el arte en la vida cotidiana y en los objetos. La ropa cuidadosamente elaborada a mano se consideraba un dispositivo de autoexpresión y, además, una estrategia para evitar que la fabricación a gran escala despojara a los usuarios y diseñadores de moda de su poder.
El término arte vestible surge alrededor de 1975 para distinguir las obras de arte hechas para ser usadas del arte corporal y la performance. Se utilizó junto con los términos Artwear y "Art to Wear". [1] : 22 Un movimiento artístico con sede principalmente en los Estados Unidos debido a una combinación de apoyo financiero y educativo, encontró ecos en las artes textiles y feministas de todo el mundo.
En los Estados Unidos, el movimiento Wearable Art se remonta al American Craft Revival de principios del siglo XX . El American Craft Revival se basa en diferentes movimientos que buscan unificar el arte y la artesanía y empoderar a los artesanos y artistas, como el japonismo , el art nouveau , la Secesión vienesa y más tarde la Bauhaus . [5] : 173 Durante y poco después de la Segunda Guerra Mundial, los mecenas adinerados establecieron instituciones educativas y museísticas, en particular el American Craft Council y el Museum of Contemporary Crafts , para apoyar la renovación de la educación artesanal. Permitió a los artistas centrados en las artesanías mantenerse a sí mismos y capacitar a las nuevas generaciones. Por ejemplo, la famosa tejedora de la Bauhaus Anni Albers enseñó tejido en Black Mountain College desde 1938, antes de presidir el departamento de artesanía del California College of Arts and Crafts de 1960 a 1976. [5] : 173
Las escuelas de arte fueron esenciales para el desarrollo del movimiento Art to Wear. A finales de los años sesenta, un grupo de estudiantes de la Cranbrook Academy of Art y del Pratt Institute [5] : 2 comenzaron a integrar técnicas textiles en sus proyectos de diseño. Contaban entre sus filas con varias figuras importantes del movimiento Art to Wear, incluido el diseñador Jean Cacicedo . [7] Las galerías más conocidas que apoyaban el Wearable Art fueron Obiko (fundada en 1972 por Sandra Sakata [8] ) en San Francisco, y Julie: Artisans' Gallery (fundada en 1973 por Julie Schafler-Dale ) en Nueva York. [5]
Fuera de los Estados Unidos, la educación artística y la artesanía están más separadas, por lo que es más difícil identificar el arte para vestir como un movimiento artístico independiente. Sin embargo, el renovado interés en las artesanías textiles tradicionales, como el teñido shibori, despertó el interés de artistas de todo el mundo. [1]
El arte portátil declinó como un movimiento diferenciado a fines de la década de 1990 debido a la competencia de la industria, que permitió la personalización a escala, la migración de artistas hacia la alta costura o la producción de series pequeñas, y la disponibilidad más amplia de prendas artesanales de todo el mundo. [5] Las interpretaciones contemporáneas del arte portátil pueden centrarse en la integración de tecnologías en las prendas; [9] el uso de nuevas técnicas de fabricación para expandir las posibles siluetas, como Iris Van Herpen [10] y Damselfrau ; la revisión de motivos del mundo del arte en la alta costura, como el desfile de alta costura de otoño de 2015 Viktor y Rolf ; [11] o obras utilizadas en artes escénicas como Soundsuits de Nick Cave . [12]
Además, las obras que se originan en la moda pueden cuestionar la vestimenta cotidiana con piezas provocativas. Un ejemplo es el trashion , en el que los artistas crean prendas artísticas escandalosas a partir de desechos. [13] [14]
Si bien el arte portátil puede utilizar cualquier material o forma que se use, existen tendencias en las técnicas y tipos de piezas producidas debido a sus posibilidades para los artistas.
El crochet, el bordado, el tejido, el encaje, el acolchado y el fieltro son técnicas habituales en las prendas de vestir. El crochet siguió siendo un arte doméstico hasta finales de los años 1960, cuando nuevos artistas empezaron a experimentar con el crochet a mano alzada. Esta práctica permitía a los artistas trabajar en cualquier forma y emplear el uso de colores libremente, sin la guía de un patrón. [15] El trabajo de Janet Lipkin en los años 1970 y 1980 es un buen ejemplo de esta técnica. [16] [17] El tejido a máquina, porque permitía la creación rápida de diseños tejidos complejos, fue igualmente popular, como lo ejemplifica el trabajo de Susanna Lewis .
A medida que se desarrolla la tecnología informática portátil , los equipos cada vez más miniaturizados y estilizados comienzan a combinarse con la estética del arte portátil. La informática móvil de bajo consumo permite utilizar materiales flexibles que emiten luz y cambian de color, así como tejidos de alta tecnología, de formas complejas y sutiles. Algunos practicantes del movimiento Steampunk han producido elaborados trajes y accesorios que incorporan un estilo pseudo-victoriano con tecnología y materiales modernos.
Dos formas recurrentes en el movimiento Art to Wear fueron el kimono y la capa. [1] El kimono permite convertir rápidamente una pieza de tela personalizada en una prenda. La capa es igualmente fácil de armar y abre muchas oportunidades para la actuación. El libro Cut my cote, que presenta patrones de prendas folclóricas históricas, tuvo una fuerte influencia en Art to Wear de la década de 1970.
Algunos artistas y arquitectos modernos del siglo XX intentaron elevar la ornamentación corporal (es decir, las joyas) al nivel de bellas artes y diseño original, en lugar de ser mera decoración, producción artesanal de diseños tradicionales o engastes convencionales para exhibir piedras preciosas o metales preciosos. Las joyas fueron utilizadas por surrealistas, cubistas, expresionistas abstractos y otros artistas modernistas que trabajaron en las décadas de mediados del siglo XX. [3]
Las obras de arte ponibles pueden ser usadas o diseñadas para presentaciones, mientras que los artistas y escultores que trabajan con fibras u otros materiales pueden crear piezas ponibles. Por lo tanto, los límites del arte ponible son difusos, más allá de la autoidentificación de los artistas con un movimiento o comunidad artística determinados.
Por ejemplo, Electric Dress es un traje ceremonial de boda parecido a un kimono que consiste principalmente en bombillas eléctricas y pintadas de varios colores, enredadas en una maraña de cables, creado en 1956 por la artista japonesa Gutai Atsuko Tanaka . Esta prenda extrema era algo así como un traje de escenario, diseñado solo para la actuación. [18] De manera similar, en la pieza de performance de Nam June Paik de 1969 llamada TV Bra for Living Sculpture , Charlotte Moorman tocaba un violonchelo mientras usaba un sujetador hecho con dos pequeños televisores en funcionamiento.
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