El término composición significa "recoger". Puede considerarse como la organización de los elementos del arte según los principios del arte. La composición puede aplicarse a cualquier obra de arte, desde la música hasta la escritura y la fotografía, que se organice mediante el pensamiento consciente.
En las artes visuales, la composición suele utilizarse indistintamente con diversos términos como diseño, forma, ordenamiento visual o estructura formal, según el contexto. En el diseño gráfico para prensa y autoedición , la composición se conoce comúnmente como diseño de página .
La composición de un cuadro es diferente de su tema (lo que se representa), ya sea un momento de una historia, una persona o un lugar. Muchos temas, por ejemplo, San Jorge y el dragón , se representan a menudo en el arte, pero utilizando una gran variedad de composiciones, aunque las dos figuras suelen ser las únicas representadas.
El elemento visual central, conocido como elemento de diseño , elemento formal o elemento artístico, constituye el vocabulario con el que el artista visual compone. Estos elementos del diseño general suelen relacionarse entre sí y con toda la obra de arte.
Los elementos del diseño son:
Las líneas son fenómenos ópticos que permiten al artista dirigir la mirada del espectador. La ilusión óptica de las líneas existe en la naturaleza y, en las artes visuales, los elementos pueden disponerse para crear esta ilusión. El espectador "lee" inconscientemente la imagen a través de la disposición continua de diferentes elementos y sujetos a distintas distancias. Dichos elementos pueden tener un uso dramático en la composición de la imagen. Pueden ser líneas literales, como cables telefónicos y eléctricos o aparejos de barcos. Las líneas también pueden derivar de los bordes de diferentes colores o contrastes, o secuencias de elementos discretos. El movimiento también es una fuente de líneas, donde el movimiento borroso se convierte en una línea. [1]
Las líneas temáticas contribuyen tanto al estado de ánimo como a la perspectiva lineal , dando al espectador la ilusión de profundidad. Las líneas oblicuas transmiten una sensación de movimiento, y las líneas angulares generalmente transmiten dinamismo y posiblemente tensión. Las líneas también pueden dirigir la atención hacia el tema principal de la imagen o contribuir a la organización al dividirla en compartimentos. El artista puede exagerar o crear líneas, tal vez como parte de su mensaje al espectador. Muchas líneas sin un tema claro sugieren caos en la imagen y pueden entrar en conflicto con el estado de ánimo que el artista está tratando de evocar. [ cita requerida ]
El ángulo de una línea y su relación con el tamaño del marco influyen en la perspectiva de la imagen. Las líneas horizontales, que se encuentran comúnmente en la fotografía de paisajes , pueden dar la impresión de calma, tranquilidad y espacio. Una imagen llena de líneas verticales fuertes tiende a tener la apariencia de altura y grandeza. Las líneas convergentes con ángulos cerrados dan un efecto dinámico, vivo y activo a la imagen. Las líneas firmemente giradas, casi diagonales, producen tensión en la imagen. El punto de vista del arte visual es fundamental porque cada perspectiva diferente ve líneas en ángulos diferentes. Este cambio de perspectiva provoca una respuesta diferente a la imagen. Cambiar el aire solo en algunos grados o algunos centímetros de líneas en las realizaciones puede variar enormemente, y se puede transmitir una sensación distinta. [ aclaración necesaria ] Las líneas rectas también están fuertemente influenciadas por el tono, el color y la repetición con respecto al resto de la imagen.
En comparación con las líneas rectas, las curvas proporcionan una mayor influencia dinámica en una imagen. También suelen ser más agradables estéticamente, ya que el espectador las asocia con la naturaleza y la suavidad. En fotografía, las líneas curvas pueden dar sombras graduadas cuando se combinan con una iluminación direccional suave, lo que suele dar como resultado una estructura de línea muy armoniosa dentro de la imagen. Hay dos tipos principales de curvas, una simple curva en "C" y una curva en "S" más sinuosa . [2]
Hay tres propiedades del color: tono, brillo o croma y valor. El tono es el nombre de un color (rojo, amarillo y azul, etc.). El brillo y el croma se refieren a la intensidad y fuerza del color. Un color con un alto croma es más puro y menos grisáceo que un color con un bajo croma. La claridad u oscuridad de un color es el valor. El color también tiene la capacidad de trabajar dentro de nuestras emociones. Por eso, podemos utilizar el color para crear estados de ánimo. También se puede utilizar como tono, patrón, luz, movimiento, símbolo, forma, armonía y contraste. [3] [4]
La textura se refiere a cómo se siente un objeto o cómo se ve si se toca. Existen dos formas de experimentar la textura: física y ópticamente. Se pueden utilizar diferentes técnicas para crear textura física, lo que permite ver y sentir las cualidades del arte visual. Esto puede incluir superficies como metal, arena y madera. La textura óptica es cuando se crea la ilusión de textura física. La fotografía, las pinturas y los dibujos utilizan la textura visual para crear una apariencia más realista. [5]
La claridad y la oscuridad se conocen como valor en las artes visuales. El valor tiene que ver con la forma en que la luz se refleja en los objetos y cómo la vemos. Cuanto más luz se refleja, mayor es el valor. El blanco es el valor más alto o más claro, mientras que el negro es el valor más bajo u oscuro. Los colores también tienen valor; por ejemplo, el amarillo tiene un valor alto, mientras que el azul y el rojo tienen un valor bajo. Si tomas una fotografía en blanco y negro de una escena colorida, lo único que te queda son los valores. Este importante elemento del diseño, especialmente en la pintura y el dibujo, permite al artista crear la ilusión de luz a través del contraste de valores. [6]
El término forma puede significar diferentes cosas en las artes visuales. Forma sugiere un objeto tridimensional en el espacio. También se describe como la naturaleza física de la obra de arte, como las esculturas. También se puede considerar como una forma de arte, que se puede expresar a través de las bellas artes. Una forma encierra volumen, tiene longitud, ancho y altura, a diferencia de una figura, que es solo bidimensional. Las formas que son matemáticas, una esfera, una pirámide, un cubo, un cilindro y un cono, se conocen como formas geométricas. Las formas orgánicas son típicamente irregulares y asimétricas. Esta forma se puede encontrar en la naturaleza, como flores, rocas, árboles, etc., pero también se puede ver en la arquitectura. [7]
Las formas en el dibujo y la pintura transmiten la ilusión de una forma tridimensional a través de la iluminación, las sombras, el valor y el tono. Cuanto mayor sea el contraste en el valor, más pronunciada será la forma tridimensional. Las formas con poco valor parecen más planas que aquellas con mayor variación y contraste.
El espacio es el área que rodea, sobre y dentro de un objeto. Los fotógrafos pueden capturar el espacio, los arquitectos lo construyen y los pintores lo crean. Este elemento se encuentra en cada una de las artes visuales. Puede ser positivo o negativo, abierto o cerrado, superficial o profundo, bidimensional o tridimensional. En el dibujo o la pintura, el espacio no está realmente ahí, pero la ilusión de que está ahí sí lo está. El espacio positivo es el tema de la pieza. Los espacios vacíos alrededor, sobre y dentro son el espacio negativo. [8] [9]
El artista determina cuál será el centro de interés (el foco en la fotografía ) de la obra de arte y compone los elementos en consecuencia. La mirada del espectador tenderá entonces a detenerse en estos puntos de interés, los elementos se organizan teniendo en cuenta varios factores (conocidos como principios de organización, principios del arte o principios del diseño ) en un todo armonioso que funciona en conjunto para producir el enunciado deseado, un fenómeno al que comúnmente se hace referencia como unidad. Dichos factores en la composición no deben confundirse con los elementos del arte (o elementos del diseño ) en sí mismos. Por ejemplo, la forma es un elemento ; el uso de la forma se caracteriza por varios principios.
Algunos principios de organización que afectan la composición de una imagen son:
La posición del espectador puede influir considerablemente en la estética de una imagen, incluso si el tema es totalmente imaginario y se ve "con los ojos de la mente". No sólo influye en los elementos que aparecen en la imagen, sino también en la interpretación que el espectador hace del tema.
Por ejemplo, si se fotografía a un niño desde arriba, quizás desde la altura de los ojos de un adulto, se le resta estatura. Una fotografía tomada a la altura del niño lo trataría como a un igual, y una tomada desde abajo podría dar la impresión de dominio. Por lo tanto, el fotógrafo está eligiendo la posición del espectador.
Un sujeto puede adquirir mayor dramatismo si llena el encuadre. Existe una tendencia a percibir las cosas como más grandes de lo que son en realidad, y llenar el encuadre cumple con este mecanismo psicológico. Esto puede utilizarse para eliminar distracciones del fondo.
En fotografía, modificar la posición de la cámara puede cambiar la imagen de modo que el sujeto tenga menos o más distracciones con las que competir. Esto se puede lograr acercándose, moviéndose lateralmente, inclinando, haciendo un movimiento panorámico o moviendo la cámara verticalmente.
Existen numerosos enfoques o "técnicas compositivas" para lograr una sensación de unidad dentro de una obra de arte, dependiendo de los objetivos del artista. Por ejemplo, se dice que una obra de arte es estéticamente agradable a la vista si los elementos que la componen están dispuestos de una manera compositiva equilibrada. [10] Sin embargo, hay artistas como Salvador Dalí que buscan alterar la composición tradicional y desafiar al espectador a repensar el equilibrio y los elementos de diseño dentro de las obras de arte.
La composición convencional se puede lograr con varias técnicas:
La regla de los tercios es una guía de composición que establece que la disposición de las características importantes de una imagen sobre o cerca de las líneas horizontales y verticales que dividirían la imagen en tercios horizontal y verticalmente es visualmente agradable. El objetivo es evitar que los sujetos y las áreas de interés (como el horizonte) dividan la imagen en dos, colocándolos cerca de una de las líneas que dividirían la imagen en tres columnas y filas iguales, idealmente cerca de la intersección de esas líneas.
Se cree que la regla de los tercios es una simplificación de la proporción áurea . Se cree que los artistas han utilizado la proporción áurea a lo largo de la historia como guía de composición, pero hay poca evidencia que respalde esta afirmación .
La "regla de los impares" sugiere que un número impar de sujetos en una imagen es más interesante que un número par. Por lo tanto, si tiene más de un sujeto en su fotografía, la sugerencia es elegir una disposición con al menos tres sujetos. Un número par de sujetos produce simetrías en la imagen, que pueden parecer menos naturales para una composición naturalista e informal.
Una imagen de una persona rodeada/enmarcada por otras dos personas, por ejemplo, donde la persona en el centro es el objeto de interés en esa imagen/obra de arte, tiene más probabilidades de ser percibida como amigable y reconfortante por el espectador que una imagen de una sola persona sin un entorno significativo.
La regla del espacio se aplica a las obras de arte (fotografía, publicidad, ilustración) que representan objetos a los que el artista quiere aplicar la ilusión de movimiento o que se supone que crean una burbuja contextual en la mente del espectador.
Esto se puede lograr, por ejemplo, dejando un espacio en blanco en la dirección en la que miran los ojos de la persona retratada o, si se representa a un corredor, añadiendo un espacio en blanco delante de él en lugar de detrás para indicar movimiento. Estudios con participantes ingenuos han confirmado esta preferencia. [11]
Las imágenes con desorden pueden distraer la atención de los elementos principales del cuadro y dificultar la identificación del sujeto. Al reducir el contenido superfluo, es más probable que el espectador se centre en los objetos principales. El desorden también se puede reducir mediante el uso de la iluminación, ya que las áreas más brillantes de la imagen tienden a atraer la mirada, al igual que las líneas, los cuadrados y el color. En la pintura, el artista puede utilizar pinceladas menos detalladas y definidas hacia los bordes del cuadro, eliminando los elementos del objeto principal, tomando solo los componentes necesarios.
En fotografía, y también (mediante simulación por software de las limitaciones reales de las lentes) en gráficos 3D , un enfoque para lograr la simplificación es utilizar una apertura amplia al disparar para limitar la profundidad de campo . Cuando se utiliza correctamente en la configuración correcta, esta técnica puede dejar fuera de foco todo lo que no sea el sujeto de la fotografía.
Un enfoque similar, con el equipo adecuado, es aprovechar el principio de Scheimpflug para cambiar el plano de enfoque.
En relación con la regla de las probabilidades está la observación de que los triángulos son una forma implícita estéticamente agradable dentro de una imagen. En un rostro canónicamente atractivo, la boca y los ojos caen dentro de las esquinas del área de un triángulo equilátero. [ cita requerida ] Paul Cézanne utilizó triángulos con éxito en sus composiciones de naturalezas muertas . Un formato triangular crea una sensación de estabilidad y fuerza.
En general, se cree que resulta más agradable para el espectador si la imagen anima a la vista a moverse por ella, en lugar de fijarse inmediatamente en un único lugar o en ningún lugar en particular. Los artistas a menudo se esforzarán por evitar crear composiciones que parezcan "estáticas" o "planas" incorporando movimiento a la imagen. En la imagen A, las dos montañas tienen el mismo tamaño y están ubicadas una al lado de la otra, lo que crea una imagen muy estática y poco interesante. En la imagen B, las montañas tienen tamaños diferentes y una está ubicada más cerca del horizonte, lo que guía a la vista para que se mueva de una montaña a la otra, lo que crea una imagen más interesante y agradable. Esto también resulta más natural porque en la naturaleza los objetos rara vez tienen el mismo tamaño y están espaciados de manera uniforme.
Estos principios pueden ser medios para una buena composición, pero no pueden aplicarse por separado, sino que deben actuar juntos para formar una buena composición.
Todas estas pinturas muestran el mismo tema, la resurrección de Lázaro , y esencialmente las mismas figuras, pero tienen composiciones muy diferentes:
