La Incredulidad de Santo Tomás es una pintura del tema del mismo nombre . Es una de las pinturas más famosas delmaestro barroco italiano Caravaggio , c. 1601-1602 . Hay dos versiones autógrafas de La incredulidad de Santo Tomás de Caravaggio , una versión eclesiástica "Trieste" de Girolamo Mattei (Giovanni Baglione) que ahora se encuentra en una colección privada y una versión secular "Potsdam" de Vincenzo Giustiniani (Pietro Bellori) que posteriormente entró la Colección Real de Prusia, sobrevivió ilesa a la Segunda Guerra Mundial y ahora se puede admirar en el Palacio de Sanssouci, Potsdam. [1]
Muestra el episodio que dio origen al término " Tomás el incrédulo " que, formalmente conocido como la Incredulidad de Tomás, había sido representado con frecuencia en el arte cristiano desde al menos el siglo V [ cita requerida ] , y utilizado para realizar una variedad de declaraciones teológicas. puntos. Según el Evangelio de Juan , el apóstol Tomás se perdió una de las apariciones de Jesús a los Apóstoles después de su resurrección , y dijo: "A menos que vea las señales de los clavos en sus manos y meta mi dedo donde estaban los clavos, y meta mi mano en su costado , No lo voy a creer ". [2] Una semana después, Jesús apareció y le dijo a Tomás que lo tocara y dejara de dudar. Entonces Jesús dijo: "Porque me has visto, has creído; bienaventurados los que sin haber visto, han creído". [3]
Las dos imágenes muestran con un gesto demostrativo cómo el apóstol incrédulo mete el dedo en la herida del costado de Cristo, guiando éste su mano. El incrédulo es representado como un campesino, vestido con una túnica rasgada en los hombros y con suciedad debajo de las uñas. La composición de la imagen es tal que el espectador se involucra directamente en el evento y siente la intensidad del proceso. [4]
También cabe señalar que en la versión eclesiástica del incrédulo Tomás, el muslo de Cristo está cubierto, mientras que en la versión secular del cuadro, el muslo de Cristo es visible.
La luz que cae sobre Cristo enfatiza su fisicalidad y al mismo tiempo sugiere su divinidad y significado para el espectador. Caravaggio fue un maestro de la luz y la sombra, y utiliza este claroscuro para crear una narrativa a través de la línea en esta pieza. Las sombras (que representan la duda) barren a Santo Tomás , pero cuando toca a Cristo es atraído hacia la luz. Como siempre, la obra de Caravaggio da vida a escenas bíblicas de una manera que todo el boato del mundo no puede hacerlo. Es un enfoque imaginativo y conmovedor del tema que también subraya la maestría artística de Caravaggio . [ cita necesaria ] Las dos obras autógrafas de Tomás sin parpadear de Caravaggio se diferencian en que el muslo de Cristo está descubierto en la versión secular de Potsdam y cubierto por el manto blanco en la versión eclesiástica de Trieste. El cuadro de Potsdam ya ha sido restaurado y también está pintado en tonos más cálidos, es algo más pequeño, faltan los pliegues del manto rojo en la parte inferior, el espacio sobre las cabezas es más pequeño y el codo de Cristo está cortado.
Las pinturas presentan claroscuros intensos . El rostro de Tomás muestra sorpresa cuando Jesús toma su mano y la guía hacia la herida. [5] La ausencia de una aureola enfatiza la corporalidad de Cristo resucitado. [6] [ verificación fallida ] Detrás de Tomás hay otros dos apóstoles, probablemente San Pedro y San Juan Evangelista . [7] Pedro es el tema de otras obras de Caravaggio, a saber, la Crucifixión de San Pedro (1601) y La Negación de San Pedro (1610).
Caravaggio, en la dimensión horizontal del lienzo, "fotografia" el momento de la observación en un marco de tres cuartos en el que dispone las cuatro figuras sobre un fondo neutro y oscuro. [4] Esto permite centrar la atención del espectador en la cabeza de Tomás, mientras la luz ilumina la frente, el perfil y el costado claro de Cristo, permitiéndonos llamar la atención sobre la postura ansiosa e inquieta de Tomás, quien está siendo consolado por Cristo y a quien inclina la cabeza. [8] La disposición cercana de las cuatro cabezas y un triángulo de miradas, con el foco en el gesto de Thomas, permite una mayor concentración emocional de la mirada del espectador, que ahora puede centrarse en el centro del "drama": la revelación. de la presencia real en la carne de Jesús. Caravaggio muestra al apóstol Tomás que, siguiendo cierta tradición iconográfica, mete un dedo en la herida de lanza de Jesús mientras otros dos apóstoles observan la escena. [9] La expresión facial de Cristo sólo puede compararse en sencillez y belleza con la Mona Lisa de Leonardo. También a nivel compositivo observamos la intersección de dos ejes principales, el horizontal formado por el brazo de Tomás y las manos de Jesús y el vertical que va desde la cabeza de los dos apóstoles (o mejor entre ambas cabezas) y continúa exactamente en el cuello del apóstol Tomás. Esta disposición se completa con un arco formado por las dos espaldas de Tomás y Cristo: un entrelazamiento admirable de formas humanas "arrojadas" al primer plano, con gran impacto emocional. El gesto de Tomás y la mano de Cristo que lo acompaña estallan en un extraordinario "zoomata", realzado por la luz procedente de la izquierda (la luz del Apocalipsis) que ilumina la duda, el asombro (en los frentes de los apóstoles) y la realidad de la carne viva del Salvador. [10]
Los pintores llegaron a Roma, especialmente desde los Países Bajos, para estudiar la obra de Caravaggio. Rembrandt, que nunca visitó Italia, conoció el estilo pictórico de Caravaggio a través de los caravaggistas de Utrecht. También se le puede considerar un representante del caravaggismo, aunque bastante tardío. Su giro hacia un realismo radical, al que se adhirió hasta el final de su vida, es difícilmente concebible sin el ejemplo de Caravaggio y sus sucesores. Esto también se aplica al uso que hace Rembrandt de la luz. [11] Las pinturas de Caravaggio también dejaron una profunda impresión en Peter Paul Rubens. Entre los pintores influenciados por Caravaggio, además de los caravaggistas de Utrecht, se encuentran Orazio Gentileschi, Artemisia Gentileschi, Bartolomeo Manfredi, Georges de la Tour, Rembrandt van Rijn, Jusepe de Ribera y Johann Ulrich Loth. Las influencias de Caravaggio también son evidentes en pinturas de Jan Vermeer, Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán.
Este motivo pictórico probablemente esté relacionado con San Mateo y el Ángel (1602) y el Sacrificio de Isaac (1603), teniendo todos un modelo en común. [12] El cuadro de Potsdam perteneció a Vincenzo Giustiniani antes de entrar en la colección real prusiana, sobreviviendo intacto a la Segunda Guerra Mundial. [13]
En 1606, el banquero Vincenzo Giustiniani mencionó este tema en una copia en Génova, y veinte años más tarde el cuadro fue mencionado en el inventario de la colección Giustiniani, sugiriendo que el propio banquero encargó la obra, hipótesis confirmada por algunas fuentes. [14]
Por cierto, el sombrío realismo de la obra sólo podría haber sido bien recibido por uno de los mayores seguidores de Caravaggio. Del inventario de Giustiniani de 1638 aprendemos que hay "en la Stanza Grande de Quadri Antichi...un quadro sopraporto di mezze figure con l'Historia di San Tomasso che toucca il Costato di Christo col dito depito in tela alto pal". pal.larg.6 de la mano de Miguel Ángel da Caravaggio con un marco negro perfilado y guilloché con oro" Bellori escribió sobre la pintura de Potsdam en 1672: "Santo Tomás colocando su dedo en la llaga del costado del Señor, acercando su mano a la herida y exponiendo su pecho con un paño, sacándolo de la popa". [15] Tras la dispersión de la colección Giustiniani, el cuadro fue enviado a Prusia y comprado por el Estado en 1816, llevado al Palacio de Charlottenburg y más tarde a la Pinacoteca de Potsdam, donde permanece hoy.
Giovanni Baglione mencionó en 1642 en su informe (p. 137) que la familia Mattei[3] era la patrona de esta versión de Trieste del incrédulo Tomás. [16] Michelangelo Merisi da Caravaggio fue huésped de los hermanos Ciriaco Mattei y el cardenal Girolamo Mattei en el palacio familiar de este último (hoy Caetani en Via delle Botteghe Oscure, Roma) de 1601 a 1603. [17] Se puede creer que Mattei en realidad encargó un tema de este tipo al artista, "Tomás el incrédulo", en forma de trilogía de la Contrarreforma, junto con "La toma de Cristo" (ahora en la Galería Nacional Irlandesa de Dublín) y "La última cena en Emaús" ( ahora en la National Gallery de Londres). Según el inventario del 19.11.1608, el primer propietario fue el embajador francés Philippe de Béthune, conde de Selles, ministro del rey Enrique IV. [18] Durante la Revolución, el cuadro fue confiscado. Los vestigios del cuadro de Trieste se han perdido desde el castillo de Selles-sur-Cher, tras diversas herencias. Esta "copia de Mattei" se encontró en el siglo XIX en posesión del zar en la colección del Hermitage de la embajada rusa en Roma. [16] En 1918, durante la liquidación de todo el inventario de la embajada en Roma, el cuadro se vendió en una subasta privada con el número de lote 728. El cuadro acabó en Trieste con el fundador de la Banca Intesa Sanpaolo y fue vendido a una colección privada en Austria en 2019. Según una investigación histórica del Prof. Dr. Maurizio Marini y el Dr. Dario Succi, Sir Denis Mahon, Prof. Mina Gregori, Dra. Federica Gasparrini, Mag. Maria Ranacher, la Dra. Michela Fasce y la Dra. Roberta Lapucci, esta pintura es una versión autógrafa de Caravaggio con la colaboración de su alumno maestro llamado Prospero Orsi. [19] [20]
Con la ayuda de las últimas técnicas de examen, fue posible observar los cambios en el diseño entre la primera fase de dibujo y la segunda fase de pintura. Curiosamente, además de las cuatro figuras del cuadro final, la composición original contenía otras dos que casi formaban una pirámide y llenaban la parte superior en un tercer plano escénico. Estos dos hombres, que estuvieron presentes en la fase de planificación, fueron excluidos de la composición final del cuadro y oscurecidos por el fondo marrón. En la figura del extremo derecho, hay remordimiento en el ojo y en el movimiento de la mejilla. Originalmente, esta cara estaba colocada a más de tres cuartas partes de su altura; en la versión final es de perfil. Los exámenes de diagnóstico de la versión de Trieste también han revelado varios otros "pentimento" que descartan la posibilidad de que se trate de una réplica contemporánea. Atestiguan las vacilaciones y cambios realizados en la composición por el artista Caravaggio durante el proceso de pintura y por tanto revelan que se trata de una obra original de la mano de Caravaggio. [21] Los pentimenti son numerosos y visibles a simple vista y con rayos UV, rayos IR o rayos X y son una fuente esencial para el proceso de trabajo de esta pintura, lo que ahora nos permite desmentir todas las teorías de que esta pintura es una Copiar. [13]
En 2022, el cuadro "Tomás el incrédulo" fue sometido a una necesaria limpieza y a minuciosos exámenes en Florencia. El resultado: los pentimenti descubiertos durante la limpieza realizada en el presente cuadro confirman que probablemente se trate incluso de la primera versión de la interpretación de Caravaggio de este tema. [22]
Los análisis técnicos, radiológicos y radiológicos han revelado pentimenti (no simples correcciones) hasta tal punto que incluso la hipótesis de que se trate de una copia parece impensable. La prueba de que se trata de un original de Caravaggio también queda bastante clara en el perfil de transparencia. [23] Los exámenes diagnósticos del cuadro revelaron aspectos muy interesantes en cuanto a la técnica pictórica. Y en este sentido, el proceso del pintor aparece claramente legible, capaz de desarrollar el dibujo y adaptarlo al impulso creativo que se manifiesta libre de las ataduras de un diseño predefinido, mientras la composición se adapta progresivamente a los límites del lienzo para transmitir mejor las emociones de la historia al espectador. No se trata, pues, de simples pentienti, sino de una auténtica redefinición plástica y poética de todo el cuadro. Por tanto, esto excluye por completo la posibilidad de una copia. En resumen, según algunos destacados estudiosos de Caravaggio como Mina Gregori, Denis Mahon, Maurizio Marini, la investigación documental, los estudios de diagnóstico, es decir, un análisis estilístico y formal sin prejuicios, y la observación del cuadro en sí, no una reproducción fotográfica a menudo deficiente, todo ello Estos elementos convergen para considerar esta pintura como un autógrafo de Merisi. En cualquier caso, se trata de un original de una calidad excepcional. "Un imitador no hace cambios, copia." [24] [14] [25]
La estructura elíptica y cerrada de la composición central es similar a la de otras obras del período comprendido entre 1600 y 1602, como la titulada "El Entierro de Cristo". [26]
Una última observación se refiere a la llamada "técnica de rescate" que Caravaggio utilizó para representar las abrasiones de algunos fragmentos: consiste en utilizar la preparación subyacente del lienzo como pintura y hacerla visible con un efecto "rojo ladrillo" particularmente efectivo. Son rasgos que sólo se encuentran en un prototipo y no en una réplica o, menos aún, en una copia, y son, por tanto, una prueba más de la autografía de esta obra. La técnica de esta pintura, revelada por su calidad excepcional, se desarrolla a través de capas de color superpuestas que subrayan un proyecto claro y explicativo. En cuanto a los aspectos puramente técnicos de la ejecución, se destacó que el cuadro tiene un soporte formado por un único lienzo cuya textura, en cuanto al número de hilos, parece idéntica a la de "San Juan Bautista" en la Galería de Arte Capitolina en comparación con rayos X. La versión de Trieste "La Incredulidad de Santo Tomás" está publicada en el corpus catalogico de Maurizio Marini "Caravaggio - Pictor praestantissimus" Newton & Compton - 2005 en la posición Q50. [27] La pintura está declarada como "d'interesse artistico e storico" por el "Ministero per i Beni e le Attività Culturali Sopraintendenza Regionale del Friuli - Venezia Giulia".
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