La Chartreuse de Parme es una óperacuatro actosen once cuadros deHenri SauguetconlibretodeArmand Lunelnovela homónima de1839deStendhal. La tercera ópera del compositor, y la primera sobre un tema serio, se representó por primera vez en laÓpera de Parísen 1939[1]pero no ha entrado en el repertorio.
Armand Lunel era profesor de filosofía en un liceo de Mónaco y también se labró una carrera como escritor. Además de novelas, también escribió libretos de ópera. [2] En 1923 había escrito el libreto de Les Malheurs d'Orphée para su amigo Darius Milhaud , seguido de Esther de Carpentras . Milhaud le presentó a Sauguet a Lunel en el momento del estreno de Les Malheurs d'Orphée en París y lo volvió a encontrar en 1927 durante los preparativos del ballet de Sauguet La Chatte para los Ballets Rusos . [2]
La composición de La Chartreuse de Parme se produjo durante un largo y extenso intercambio epistolar entre compositor y libretista. [2] La partitura fue compuesta durante el período de 1927 a 1937, tiempo durante el cual Sauguet se estaba desarrollando como persona y como músico. [2]
Lunel quiso centrarse en todos los aspectos de la novela de Stendhal: histórico, político, sentimental, pero el texto final se concentra en este último, para el cual la música de Sauguet efectuó una ascensión progresiva hacia un amor más puro y enrarecido. [2] El libreto comienza cuando Fabrice, rechazando actos heroicos militares, regresa clandestinamente con su madre y su tía Gina cerca de la frontera suizo-italiana, viendo así por primera vez a Clélia. Todos los capítulos del Libro I: la llegada de Napoleón y sus seguidores a Lombardía, las hazañas militares de Fabrice y Waterloo; quedan fuera. [3]
La ópera se divide en once cuadros:
Una vez que se completó la partitura vocal en el otoño de 1937, Hélène de Wendel invitó al compositor a tocar algunos extractos después de una cena donde entre los invitados se encontraban Julien Cain de la Bibliothèque nationale y el Institut y Jacques Rouché , administrador general de la Ópera de París. Impresionado, Rouché pidió a Sauguet que le presentara la partitura, lo cual hizo cantando todas las partes; antes de terminar, Rouché aceptó producir la obra en la Ópera. Estaba previsto que los ensayos comenzaran a principios de 1939. [4]
Los cortes se realizaron después del ensayo general y tras el estreno el 16 de marzo de 1939 (que todavía duró cinco horas con tres intervalos) [5] se realizaron representaciones en la Ópera de París hasta junio de ese año. Después del estreno se cortaron varias páginas musicales más. La ópera fue revisada y revivida en Grenoble coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Invierno de 1968 con Georges Liccioni (Fabrice), Cora Canne-Meyer (Sanseverina) y Christiane Stutzmann (Clélia), dirigidas por el compositor. [6]
Fue producida en Marsella en 2012, dirigida por Lawrence Foster con Sébastien Guèze, Marie-Ange Todorovitch y Nathalie Manfrino. [5] Manuel Rosenthal dirigió una transmisión de radio francesa de la obra en el Théâtre des Champs-Élysées en 1958 [3] con Joseph Peyron, Geneviève Moizan y Denise Scharley.
La Chartreuse de Parme sigue siendo su mejor obra del género. Si bien se ha descrito como una obra algo "sin rasgos distintivos", era directamente emocional y contenía líneas melódicas, fluidas y simples [1] que encarnan el sentimiento francés de ese período.
El primer cuadro muestra el encuentro de Fabrice y Clélia cerca de un albergue en la carretera de montaña a Milán . Fabrice, todavía un adolescente, huyó del castillo de Grianta en un carruaje con su madre y su tía, buscando seguridad en Milán. El carruaje es detenido por la policía que busca a un tal Conti que viaja sin pasaporte y que aparece con su joven y bella hija Clélia. El general Conti es acompañado a Milán mientras Fabrice ofrece un asiento en el carruaje a Clélia. El segundo cuadro tiene lugar en el palco de Gina en La Scala , donde recibe a los liberales milaneses que intentan con ella encontrar una manera de sacar a Fabrice del arresto de la policía austriaca, luego a su amante Mosca, Conti y Clélia y finalmente a Fabrice a quien le explica. el plan para ayudarlo. Al final del acto, los sentimientos de Fabrice y Clélia son claros, aunque los de Gina hacia Fabrice lo son menos.
El primer cuadro, en el palacio de la duquesa Sanseverina durante un baile, muestra los temores de Fabrice por perder a Clélia; molesta a su tía hablándole de su amor y ofende a Mosca. El padre de Clélia espera encontrarle una mejor pareja, pero se produce un malentendido entre los jóvenes cuando ella escucha un comentario de que Fabrice ama a la duquesa. Cuando Fabrice le pregunta a Clélia el motivo de su tristeza, ella se marcha corriendo. En la siguiente escena, en la trattoria de Théodolinde, Fabrice es descubierto en brazos de la esposa del actor Giletti y se declara un duelo. Fabrice lo gana, pero debe huir; le escribe una carta de despedida a Gina.
Fabrice ha sido capturado y encarcelado en la Torre Farnese de Parma, donde el comandante es el general Conti. Pero Fabrice vuelve a ver a Clélia, alimentando a sus pájaros en el patio de la prisión, y aunque ella ha acordado con su padre casarse con el marqués Crescenzi, el amor se reaviva y él preferiría quedarse en prisión cerca de ella antes que escapar. Clélia decide salvar a Fabrice, que corre peligro de ser envenenado por sus opiniones bonapartistas. Gina planea liberar a Fabrice, pero él sólo acepta ir si Clélia se encuentra con él. En el cuadro final del acto se encuentran y Clélia jura ayudarlo, pero después de eso nunca más lo volverá a ver. Las dos mujeres le dan a Conti somníferos y Fabrice huye con Gina.
En el primer cuadro, ambientado en Locarno, Gina vigila a Fabrice, que ha empezado a pintar. Se exploran los sentimientos del liberado Fabrice. Mosca, que ahora se da cuenta del alcance del apego de Fabrice por Clélia, informa que tras la muerte del príncipe, la sentencia que condena a Fabrice puede ser revocada. El joven parte hacia Parma. Mosca una vez más le abre su corazón a Gina. A continuación, Fabrice y Clélia se encuentran en la cartuja y, en la oscuridad, Fabrice bendice el matrimonio de Clélia con el marqués. Un coro cuenta la vida de Fabrice desde su adhesión a la causa napoleónica hasta su retirada a las órdenes. En la escena final, Fabrice pronuncia una homilía sobre el rechazo del pecador infeliz, tal como es. Él ora por el perdón.
La obra más larga de Sauguet tiene una forma tradicional, pero mientras que las obras anteriores se caracterizaban por texturas claras, armonías límpidas y melodías relativamente sencillas, su música ahora adquiere un lenguaje armónico más complejo, lo que sugiere la influencia de los sinfonistas rusos contemporáneos. [1]
Darius Milhaud (que asistió a siete representaciones consecutivas) afirmó que no sabía nada de la calidad de Chartreuse de Parme desde Pelléas et Mélisande o Pénélope . Stravinsky situó la ópera "en la línea de Bizet , Delibes , Milhaud, Poulenc ", mientras que Charles Koechlin resumió su pensamiento sobre la obra en tres palabras: " naturaleza, simplicité, sincerité ", y la comparó con Chabrier . La obra fue retransmitida por la radio francesa. [4]
La apertura del primer cuadro contiene un coro de gendarmes digno de una opereta . A partir de ahí, la música crece a través de una bravura en re mayor hasta una sección más tierna en mi bemol donde los tres personajes principales, uno por uno, expresan sus sentimientos, dando lugar a un trío. En el cuarto cuadro, Sauguet da al canto de Teodolinda un aire antiguo. En ocasiones, la escritura de Sauguet se hace eco tanto de la espontaneidad de Schubert como de las páginas del bel canto , donde los personajes se sumergen en sus tormentos interiores. [3] El segundo cuadro termina con un quinteto al estilo de un gran conjunto de ópera: los protagonistas (Clélia, Gina, Fabrice, Mosca et le Général) cantan un tema común y luego se ramifican en su propio personaje, a partir del entusiasmo juvenil de Fabrice. a la melancolía de Mosca. En varios momentos, Sauguet explota un ritmo yámbico que sirve para expresar emociones intensas, como cuando Fabrice escribe su carta de despedida a Gina o los momentos finales de la ópera. Su orquestación es lúcida, apoyando la melodía. [3]
La obertura , que representa la batalla de Waterloo , fue retirada antes del estreno, pero Sauguet la utilizó en su Sinfonía expiatoria de tiempos de guerra , dedicada a las víctimas inocentes de la guerra. [8]