La Chartreuse de Parme es una óperade cuatro actosen once cuadros deHenri SauguetconlibretodeArmand Lunelnovela homónimadeStendhal1839.Tercera ópera del compositor, y la primera sobre un tema serio, se estrenó en laÓpera de Parísen 1939[1]pero no ha entrado en el repertorio.
Armand Lunel fue profesor de filosofía en un liceo de Mónaco y también se labró una carrera como escritor. Además de novelas, también escribió libretos operísticos. [2] En 1923 había escrito el libreto de Les Malheurs d'Orphée para su amigo Darius Milhaud , seguido por Esther de Carpentras . Sauguet fue presentado a Lunel por Milhaud en el momento del estreno de Les Malheurs d'Orphée en París y lo volvió a encontrar en 1927 durante los preparativos para el ballet de Sauguet La Chatte para los Ballets Russes . [2]
La composición de La Chartreuse de Parme se produjo durante un largo y extenso intercambio epistolar entre el compositor y el libretista. [2] La partitura fue compuesta durante el período de 1927 a 1937, durante el cual Sauguet se estaba desarrollando como persona y como músico. [2]
Lunel se esforzó por centrarse en todos los aspectos de la novela de Stendhal: histórico, político, sentimental, pero el texto final se concentra en este último, para el cual la música de Sauguet efectuó un ascenso progresivo hacia un amor más puro y enrarecido. [2] El libreto comienza cuando Fabrice, rechazando el heroísmo militar, ha hecho un regreso clandestino a su madre y su tía Gina cerca de la frontera suizo-italiana, viendo así por primera vez a Clélia. Todos los capítulos del Libro I: la llegada de Napoleón y sus seguidores a Lombardía, las hazañas militares de Fabrice y Waterloo; se omiten. [3]
La ópera se divide en once cuadros:
Una vez que la partitura vocal estuvo completa en el otoño de 1937, Hélène de Wendel invitó al compositor a tocar algunos extractos después de una cena en la que estuvieron presentes Julien Cain, de la Biblioteca Nacional y del Institut , y Jacques Rouché , administrador general de la Ópera de París. Impresionado, Rouché le pidió a Sauguet que le presentara la partitura, lo que hizo cantando todas las partes; antes de terminar, Rouché aceptó producir la obra en la Ópera. Los ensayos estaban programados para comenzar a principios de 1939. [4]
Se realizaron cortes después del ensayo general y, tras el estreno el 16 de marzo de 1939 (que todavía duró cinco horas con tres intervalos), [5] se realizaron representaciones en la Ópera de París hasta junio de ese año. Después del estreno se cortaron varias páginas más de música. La ópera fue revisada y repuesta en Grenoble para coincidir con los Juegos Olímpicos de Invierno de 1968 con Georges Liccioni (Fabrice), Cora Canne-Meyer (Sanseverina) y Christiane Stutzmann (Clélia), dirigidos por el compositor. [6]
Se produjo en Marsella en 2012, dirigida por Lawrence Foster con Sébastien Guèze, Marie-Ange Todorovitch y Nathalie Manfrino. [5] Manuel Rosenthal dirigió una transmisión de radio francesa de la obra en el Théâtre des Champs-Élysées en 1958 [3] con Joseph Peyron, Geneviève Moizan y Denise Scharley.
La Chartreuse de Parme sigue siendo su mejor obra en este género. Si bien se la ha descrito como una obra un tanto "sin rasgos distintivos", era directamente emotiva y contenía líneas melódicas, sencillas y fluidas [1] que encarnan el sentimiento francés de ese período.
El primer cuadro muestra el encuentro de Fabrice y Clélia cerca de un albergue en la carretera de montaña hacia Milán . Fabrice, todavía un adolescente, ha huido del castillo de Grianta en un carruaje con su madre y su tía, buscando seguridad en Milán. El carruaje es detenido por la policía que busca a un tal Conti que viaja sin pasaporte, que entonces aparece, con su joven y hermosa hija Clélia. El general Conti es escoltado hasta Milán mientras Fabrice ofrece un asiento en el carruaje a Clélia. El segundo cuadro tiene lugar en el palco de Gina en La Scala , donde recibe a los liberales milaneses que intentan con ella encontrar una manera de evitar que Fabrice sea arrestado por la policía austriaca, luego a su amante Mosca, a Conti y Clélia y finalmente a Fabrice a quien le explica el plan para ayudarlo. Al final del acto, los sentimientos de Fabrice y Clélia son claros, aunque los de Gina hacia Fabrice no lo son tanto.
El primer cuadro, en el palacio de la duquesa Sanseverina durante un baile, muestra los temores de Fabrice por perder a Clélia; molesta a su tía hablando de su amor y ofende a Mosca. El padre de Clélia espera encontrarle una pareja mejor, pero se produce un malentendido entre los jóvenes cuando ella escucha un comentario de que Fabrice ama a la duquesa. Cuando Fabrice le pregunta a Clélia el motivo de su tristeza, ella se marcha corriendo. En la siguiente escena, en la trattoria de Théodolinde, Fabrice es descubierto en los brazos de la esposa del actor Giletti y se declara un duelo. Fabrice lo gana, pero debe huir; escribe una carta de despedida a Gina.
Fabrice ha sido capturado y encarcelado en la Torre Farnese en Parma, donde el comandante es el general Conti. Pero Fabrice vuelve a ver a Clélia, alimentando a sus pájaros en el patio de la prisión, y aunque ella ha acordado con su padre casarse con el marqués Crescenzi, el amor se reaviva y él prefiere quedarse en prisión cerca de ella que escapar. Clélia decide salvar a Fabrice, que corre peligro de ser envenenado debido a sus opiniones bonapartistas. Gina planea liberar a Fabrice, pero él solo acepta ir si Clélia lo encuentra. En el cuadro final del acto se encuentran y Clélia jura ayudarlo, pero después de eso nunca lo volverá a ver. Las dos mujeres le dan a Conti un somnífero y Fabrice huye con Gina.
En el primer cuadro, ambientado en Locarno, Gina vigila a Fabrice, que ha empezado a pintar. Se exploran los sentimientos del liberado Fabrice. Mosca, que ahora se da cuenta del alcance del apego de Fabrice a Clélia, informa que tras la muerte del príncipe, la sentencia que condenaba a Fabrice puede ser levantada. El joven parte hacia Parma. Mosca abre una vez más su corazón a Gina. A continuación, Fabrice y Clélia se encuentran en la cartuja y, en la oscuridad, Fabrice bendice el matrimonio de Clélia con el marqués. Un coro cuenta la vida de Fabrice desde su apego a la causa napoleónica hasta su retiro a las órdenes. En la escena final, Fabrice da una homilía sobre el rechazo del infeliz pecador, tal como es. Reza por el perdón.
La obra más larga de Sauguet tiene una forma tradicional, pero mientras que las obras anteriores se caracterizaban por texturas claras, armonías límpidas y melodías relativamente sencillas, su música ahora adquiere un lenguaje armónico más complejo, lo que sugiere la influencia de los sinfonistas rusos contemporáneos. [1]
Darius Milhaud (que asistió a siete representaciones consecutivas) afirmó que no sabía nada de la calidad de Chartreuse de Parme desde Pelléas et Mélisande o Pénélope . Stravinsky situó la ópera «en la línea de Bizet , Delibes , Milhaud, Poulenc », mientras que Charles Koechlin resumió sus pensamientos sobre la obra en tres palabras: « naturaleza, simplicidad, sinceridad », y la comparó con Chabrier . La obra fue retransmitida por la radio francesa. [4]
El primer cuadro abre con un coro de gendarmes digno de una opérette . A partir de ahí, la música va creciendo a través de una bravura en re mayor hasta una sección más tierna en mi bemol , donde los tres personajes principales expresan uno por uno sus sentimientos, dando lugar a un trío. En el cuarto cuadro, Sauguet da a la canción de Théodolinde un aire antiguo. A veces, la escritura de Sauguet se hace eco tanto de la espontaneidad de Schubert como de las páginas del bel canto , donde los personajes se sumergen en sus tormentos interiores. [3] El segundo cuadro termina con un quinteto al estilo de un gran conjunto de ópera : los protagonistas (Clélia, Gina, Fabrice, Mosca y el general) cantan un tema común y luego se ramifican en su propio personaje, desde el entusiasmo juvenil de Fabrice hasta la melancolía de Mosca. En varios momentos Sauguet utiliza un ritmo yámbico que sirve para expresar emociones intensas, como cuando Fabrice escribe su carta de despedida a Gina o en los momentos finales de la ópera. Su orquestación es lúcida y apoya la melodía. [3]
La obertura , que representa la batalla de Waterloo , fue retirada antes del estreno, pero Sauguet la utilizó en su Sinfonía expiatoria en tiempos de guerra , dedicada a las víctimas inocentes de la guerra. [8]