Jesús Rafael Soto (5 de junio de 1923 – 17 de enero de 2005) fue un artista óptico y cinético , escultor y pintor venezolano . [1] [2]
Sus obras se encuentran en las colecciones de los principales museos del mundo, entre ellos el Tate (Londres), el Museo Ludwig (Alemania), el Centro Georges Pompidou (París), la Galleria Nazionale d'Arte Moderna (Roma) y el MoMA (Nueva York). Uno de los principales museos de arte de Venezuela, en su ciudad natal, lleva su nombre en homenaje a él.
Jesús Rafael Soto nació en Ciudad Bolívar , Venezuela . Es el mayor de los cuatro hijos de Emma Soto y Luis García Parra, violinista. Desde muy pequeño, Soto quiso ayudar a mantener a su familia de cualquier manera que pudiera, pero el arte era lo que más le interesaba. Tomó la guitarra y también comenzó a recrear piezas de arte famosas que encontraba en varios libros, revistas y almanaques.
A los 16 años, Soto inició su carrera artística seria cuando empezó a crear y pintar carteles para los cines de Ciudad Bolívar. “ A esa edad –dice el artista-, los únicos artistas que conocía eran los pintores de letras. Mi familia estaba muy feliz. Podía ganar algo de dinero, hacer letras hasta el final de mis días. Nadie miraba más allá de eso… ”
En 1938, Soto participa en un grupo estudiantil afiliado a las ideas surrealistas y publica en el periódico local unos poemas que escandalizan a la sociedad. En el grupo, Soto aprende sobre la escritura automática y el dibujo a carboncillo. “ Dibujaba cabezas, retratos, tenía una gran técnica. Finalmente, hubo gente que hizo una petición, el obispo pidió verla y la firmó. Obtuve una beca… ”
En 1942 recibió una beca [3] para estudiar formación artística en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas, terminando sus estudios en 1947. [4] Una vez allí, tomó clases de "arte puro" y el "curso de formación de instructores en historia de la educación del arte". [3] El director de la escuela, Antonio Edmundo Monsanto, fue fundamental para la carrera de Soto así como de otros artistas venezolanos muy importantes (Omar Carreño, Carlos Cruz-Diez , Narsico Deboug, Dora Hersen, Mateo Manaure , Luis Guevara, Pascual Navarro, Mercedes Pardo y Alejandro Otero ) ya que a menudo traía inspiraciones de países extranjeros a sus estudiantes, incluyendo lo último de la vanguardia: el cubismo .
“ Cuando entré en la Escuela de Bellas Artes –dice Soto-, lo primero que vi fue la reproducción de una naturaleza muerta de Braque ”. Esta imagen le causó tanto impacto porque “ …el color empezó a separarse de la forma ” y por la multiplicidad de puntos de vista que quería representar. Para Soto, este fue el punto de partida.
Después de graduarse de la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas, recibiendo el título de docente, Soto fue contratado para ser director de la Escuela de Bellas Artes de Maracaibo de 1947 a 1950. Mientras enseñaba allí, recibió una beca del gobierno para viajar a Francia y se estableció en París. [5]
En Francia, Soto descubrió la obra de Paul Klee y Piet Mondrian , y este último sugirió la idea de «dinamizar el neoplasticismo». Esto, unido a la voluntad de Soto de crear un nuevo tipo de movimiento que se sumaría al arte tridimensional, concluyó en asociaciones con Yaacov Agam , Jean Tinguely , Victor Vasarely y otros artistas relacionados con el Salon des Réalités Nouvelles y la Galerie Denise René. [3]
En sus inicios, Soto pintó obras postimpresionistas , para luego interesarse por el cubismo. Tras entrar en contacto con Malevich , Mondrian y los constructivistas , Soto empezó a experimentar con fenómenos ópticos y el arte óptico , y luego empezó a hacer arte que era más que simples imágenes. [5]
En los años 50, Soto experimenta con el arte serial : la repetición de elementos formales en el plano, la despersonalización de la obra y la revelación de la relatividad de la visión. Consigue reproducir fenómenos vibratorios y, sobre todo, romper nociones como la composición y el equilibrio. Haciendo de la obra de arte un fragmento de una realidad infinita, que puede repetirse sin variar su estructura esencial. Sin principio, sin fin, arriba, abajo, derecha, izquierda. Ayudado por nociones provenientes del ámbito de las matemáticas y de la música, Soto realiza su arte serial .
El siguiente paso en la obra de Soto fue la incorporación del tiempo y el movimiento real a través del tratamiento del espacio. La obra debía ser un objeto autónomo, donde se pusieran en juego situaciones “reales”, y no un plano donde se proyectara una visión determinada. Al mismo tiempo que el espectador se desplazaba frente a la obra de arte, para obtener de ella sus efectos ópticos vibratorios, se incorporaban el tiempo y el movimiento real. En Dos cuadrados en el espacio (1953), Soto inició una serie que retomaba los planteamientos de Malevich , especialmente en cuanto a adoptar el cuadrado como “única forma válida”.
En su Desplazamiento de un cuadro transparente (1953-54) creó un efecto espacial sobre una superficie plana que luego desarrolló de manera tridimensional, superponiendo dos o más láminas de plexiglás, transparentes pero pintadas con dibujos rectos o curvos que cambiaban la forma de ser vistas a medida que el espectador se desplazaba, invitando a la participación del público. Esta obra fue la respuesta a un descubrimiento: la ambigüedad de la percepción espacial.
En 1955 Soto participó en la exposición Le Mouvement, en la galería Denise René, en París, junto a otros artistas como Yaacov Agam , Marcel Duchamp y Victor Vasarely . La exposición motivó la publicación del Manifiesto Amarillo sobre el arte cinético y las investigaciones visuales que involucraban al espectador y al estímulo. El movimiento del arte cinético cobró fuerza en Europa y América Latina a partir de esta exposición.
Como resultados de los estados vibratorios ópticos que Soto logra a partir de la superposición de planos, aparece una nueva situación: el estallido del cuerpo sólido, su desmaterialización en nuestra retina, fenómeno que se produce por primera vez en Permutación (1956). En Estructuras cinéticas de elementos geométricos (1955-57) y Armonía transformable (1956) se añade un nuevo elemento que había quedado relegado en sus investigaciones: el color. Se trata de la superposición de distintos planos de plexiglás, donde se inscriben tramas de color, introduciendo nuevos elementos vibratorios. Se produce aquí la división real del plano que previamente había sufrido un desdoblamiento. Su estructura ya sugiere una verdadera dimensión espacial, como consecuencia de la equivalencia de su anverso y su reverso. La situación se vuelve más compleja, debido a la multiplicación de distintas líneas, colores y direcciones. El plexiglás, medio que había brindado la posibilidad de conformar estados aleatorios, comienza a ser un impedimento y se inicia la búsqueda de una nueva forma de materializar la vibración.
A la preocupación por buscar una nueva forma de materializar los estados vibratorios se suma la preocupación por acercarse a la escala humana, integrando las obras de Soto a la arquitectura. Así es como en Estructura Cinética (1957) los marcos que habían sido dibujados sobre plexiglás se convierten en elementos reales: varillas metálicas soldadas entre sí. Las obras de Soto se convierten en verdaderos objetos especiales en los que el visitante puede penetrar.
En los años cincuenta y principios de los sesenta, a partir de su concepto básico de materia y espacio como manifestaciones diferentes de la energía, Soto ya había estructurado la plataforma conceptual de su lenguaje plástico. Obras como Escritura y Muro de Bruselas, ambas de 1958, contienen ya todos los elementos que se desarrollarán posteriormente.
“ Mi obra de arte –como dice Soto-, es totalmente abstracta. Nace de una reflexión sobre la pintura y las proposiciones de nuestros más grandes (artistas). No copio la naturaleza, aíslo propiedades fundamentales de la realidad. Para mí, las obras son, ante todo, signos, no importa. Sería un error ver en la obra que está frente a ti el objeto de mi arte, no está allí si no es como testigo, signo de otra cosa… ”
Toda la obra de Soto, de principio a fin, responde a la misma necesidad de materializar su concepción del mundo como una realidad imposible de medir a escala humana; visión donde son vitales la energía y el espacio como situaciones esenciales dentro de la naturaleza. Revelar estas situaciones en toda su compleja dimensión ha sido el impulso que ha alimentado su investigación plástica.
" Cuando entras en un penetrable, tienes la sensación de estar en un remolino de luz, una plenitud total de vibraciones. El Penetrable es una especie de concretización de esta plenitud en la que hago que la gente se mueva y sienta el cuerpo del espacio. Es una forma de materializar lo que existe, es un estado inmaterial, un estado que para mí no es irreal, sino una realidad. La realidad existe en todas partes y llena todo el universo. El vacío no existe, en ninguna parte. Esta es mi línea básica de pensamiento. "
'Soto sentaría las bases para un arte que trascendía los parámetros convencionales de la pintura y la escultura'. [5] Al invitar al espectador a participar en la obra, en lugar de simplemente mirar desde la distancia, Soto involucra más profundamente a la audiencia y hace que la experiencia sea más intrigante y estimulante. [5] Soto tenía un compañero en este movimiento. Por otro lado, su homólogo Carlos Cruz-Diez se centró más en la forma en que los colores son percibidos por el ojo. [5] Una de sus series llamada Fisicromias (Fisiocromías) muestra cómo la luz coloreada se percibe y se desplaza a través de los ojos. [6] Otro artista que participó en este estilo fue Alejandro Otero . Su serie Colortions (Rhythmicolors) combina los mismos conceptos de la percepción del color en el ojo y el movimiento de los participantes con la obra, pero le dio mayor atención a cómo se controlan los colores con líneas verticales. [5]
Jesús Rafael Soto murió en 2005 en París, y está enterrado en el Cimetière du Montparnasse . [7]
Al igual que muchos otros artistas venezolanos de esta época, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez consideraron que sus obras eran una respuesta a lo que sentían que eran los problemas en el arte de su tiempo. Querían expresar un proceso artístico más universal. Debido a esto, sus obras son contribuciones que continúan enriqueciendo el mundo del arte. [5] Su voluntad de contribuir y ponerse en un enfoque más universal del arte, fue una refutación directa a las visiones tradicionales del arte en América Latina. [5] Con Venezuela, esta fue una manera para ellos de agregar lo que sentían que faltaba en el arte de América Latina.
La pintura, en la historia, fue un acto de respuesta a la situación presente en la mente de Soto y Cruz-Diez. [5] " Todo lo demás era académico, anacrónico, o como decía Alejandro Otero, "la obra de un hombre escondido detrás del tiempo". " [5]
En 1973 se inauguró en Ciudad Bolívar , Venezuela, el Museo de Arte Moderno Jesús Soto, con una colección de su obra. El arquitecto venezolano Carlos Raúl Villanueva diseñó el edificio para el museo y el artista óptico italiano Getulio Alviani fue convocado para dirigirlo. Algo que distingue a esta galería es que gran parte de las exhibiciones están conectadas a la red eléctrica para que puedan moverse. [8]
